Helga König Kunst

Rezension:Das große Lexikon der Symbole und Allegorien (Gebundene Ausgabe)

2012-02-23T23:40:00.000+01:00

Kunstfreunde werden begeistert sein vom großen Bildlexikon der Symbole und Allegorien. Das Buch möchte dem Besucher von Kunstausstellungen und Museen ein Werkzeug an die Hand geben, das es ihm einfacher macht, sich in der Welt der Darstellungen zurechtzufinden und die verborgene Bedeutung einer großen Anzahl berühmter Gemälde zu entziffern.

Untergliedert ist das Werk in sieben Themenbereiche und zwar: Zeit, Raum, Mensch, Allegorien, Pflanzen, Blumen und Früchte sowie Tiere.

Jedem Themenbereich sind Begriffe untergeordnet, dem Thema "Allegorien" beispielsweise die Begriffe: Laster, Tugenden, Fortuna, Fünf Sinne, Temperamente, Liebe, Künste, Wissenschaften und Vanitas.

Die einzelnen Begriffe werden jeweils näher erläutert. Zudem erfährt man Wissenswertes zur Herkunft des Begriffs, zu den Charakteristika, zur Religion und Wissenstradition, zu verwandten Gottheiten und Symbolen, zur Bedeutung, zu Geschichten und Personen, zu Quellen, zur Mythologie u.a.m.

Anhand von Gemäldeablichtungen, teilweise sehr berühmter Gemälde werden die Symbole und Allegorien aufgezeigt und näher erklärt.

So erfährt man beispielsweise, dass die Wissenschaften als Frauenfiguren oder idealisierte Bildnisse von Philosophen, Wissenschaftlern und Erfindern, jedoch auch durch ihre spezifischen Instrumente dargestellt sein können. Sehr gut wird in diesem Zusammenhang auf einer Doppelseite Raffaels "Schule von Athen", 1510 (Rom, Vatikan, Stanza della Segnatura) erklärt.

Man begreift den tieferen Sinn von Pflanzenbildern, so etwa auf Gemälden, bei denen die Myrte eine Rolle spielt. Dabei handelt es sich in der Mythologie um eine heilige Pflanze der Aphrodite/Venus. Die Myrte ist ein Symbol für Treue und ewige Liebe, aber auch für Trauer, während sie Lilie ein Symbol für Keuschheit und Reinheit ist.

Je mehr man sich in die die einzelnen Symbole und die Allegorien vertieft, umso vorsichtiger wird man bei Beurteilung von Gemälden. Vielleicht sollte man beim nächsten Museumsbesuch sich sogar nicht scheuen, das große Lexikon mitzunehmen, um vor Ort einzelne Gemälde auf ihre Symbolik hin zu untersuchen.

Im Themenbereich "Raum" fand ich unter dem Begriff "Traum" u.a. das Gemälde "Traum, hervorgerufen durch eine Biene und einen Granatapfel, kurz vor dem Aufwachen", 1944, von Salvador Dali. Dabei spielt der ausgefahrene Stachel der Biene auf den Augenblick kurz vor dem Aufwachen an. (Darauf muss man beim Analysieren des Bildes erst einmal kommen!)

Das Buch schenkt dem Leser sehr viel Erkenntnis und lässt die intellektuelle Mühsal der Maler bei ihren Bildkompositionen ein wenig erahnen. Das gilt vor allem für Gemälde von Hieronymus Bosch.

Empfehlenswert.

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Rezension:Frauen und Rosen (Gebundene Ausgabe)

2012-02-15T14:37:00.000+01:00

Dieses Buch der Autorin Dr. Dörthe Binkert wird all jene erfreuen, die einen ausgeprägten Sinn für schöne Bilder haben, Rosen lieben und dabei eloquente Bildbeschreibungen zu schätzen wissen.

Das Vorwort zu "Frauen und Rosen" hat Elke Heidenreich verfasst. Hier lässt sie uns an ihren Gedanken in Sachen Rosen teilhaben, bevor Dr. Binkert Gemälde vorstellt, in denen Rosen eine Rolle spielen und ihre Betrachtungen zu diesen Bildern in nachdenklichen Texten darbietet. Die Bilder des Buches ergeben tatsächlich, wie angekündigt, einen opulenten Strauß, in dem Geschichten und Mythen, Wissenswertes und Poetisches zum Thema Rosen eingebunden sind.

Die Kapitel tragen u.a. die vielsagenden Untertitel "Von der Melancholie und Vergänglichkeit", "Eine Blume für Königinnen", "Vom Duft der Sinne berauscht". Die einzelnen Kapitel beginnen jeweils mit einem Rosengedicht, verfasst von namhaften Lyrikern von der Antike bis ins Heute. Das Gedicht von Sappho, das ich auf Seite 82 las, hat mir besonders gut gefallen. Deshalb auch möchte ich ihn zitieren:

Es erröten wie Mädchen nun die

Hecken, seht nur hin,

Oh die Rose, ach, die Rose ist der Blumen König!

Rosen beschatten alle Hänge;

Traumlos rieselt der Schlaf

Von ihren bebenden Blättern.

Wenn Zeus den Blumen eine Königin

Geben wollte,

müsste die Rose

diese Krone tragen

(Sappho)

Jedes Kapitel beginnt mit einer speziellen Rosenbetrachtung. So liest man gleich zu Beginn, dass die Schönheit der Rose seit Urzeiten und in allen Kulturen, die sie kennen, Bewunderung erregt und zwar nicht anders als eine umworbene Frau zu allen Zeiten und in jedem Winkel der Welt. Von daher auch ist die Rose zum Symbol der Liebe und deren Göttin Aphrodite geworden.

Die Autorin beschreibt vortrefflich alle einzelnen Bilder, die im Buch gezeigt werden, darunter "Das Erwachen des Adonis", 1899 von John William Waterhouse, "La Ghirlandata", 1871-1874 von Dante Gabriel Rossetti, "Das Fest des Pan" von August Renoir, "The Beloved", 1865-1866 von Dante Gabriel Rossetti, "Madame de Pompadour", 1756 von Francois Boucher, "Die blutenden Rosen", 1930 von Salvador Dali, "Potpouri", 1897 von Herbert James Draper, "Süßer Sommer", 1912, John William Waterhouse und auch das von mir sehr geschätzte Rosenbild "Die Rosen des Heliogabus", 1888 von Sir Lawrence Alma -Tadema.

Man erfährt viel historisch Wissenswertes im Hinblick auf Rosen, manches davon wird auf den Bildern visualisiert. Im 19. Jahrhundert hat der Maler Dante Gabriel Rossetti die klassische Mythologie in seinen Bildern erneut aufleben lassen. Dabei vermischen sich in seinem präraffaelitischen Bild der Venus vieldeutige Symbole, die die Autorin in ihrer Bildbesprechung sehr gut entschlüsselt. Rosenschönheiten und Rosenschmuck bleiben nicht ausgespart in den Bildbetrachtungen, auch nicht die Rose des Kavaliers.

Beeindruckend ist das Gemälde von Dali, das ich bislang nicht kannte. Sein Gemälde "Die blutenden Rosen" stellt dar, wie eine Frau von ihrer Leidenschaft und Sehnsucht geradezu zerrissen wird. Alles um sie ist in nüchternen, kalten Grautönen und abweisenden glatten Formen gehalten. Dali macht hier deutlich, dass es nicht viel Hoffnung auf Erfüllung gibt, (vgl.: S.107).

Ein Kunstband der besonderen Art. Nur geeignet für Menschen mit einer Vorliebe für Poesie und für schöne Dinge.

Sehr empfehlenswert.

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Rezension:Pierre Bonnard (Gebundene Ausgabe)

2012-02-08T20:32:00.001+01:00

Dies ist der Katalog zur gleichnamigen Ausstellung "Pierre Bonnard", die vom 29.1.2012-13.Mai 2012 in der Fondation Beyeler in Basel/Schweiz gezeigt wird.

Der französische Maler Pierre Bonnard (1867-1947) ist der Hauptvertreter des Neoimpressionismus. Bei seinen Hauptwerken handelt es sich um Landschaften, Porträts, intime Interieurs und um Akte subtil abgestufter Farbigkeit. Von Seite 159-166 hat man Gelegenheit sich in eine von Fiona Hesse zusammengestellte Biografie über Bonnard zu vertiefen und auch Privatfotos des Künstlers kennenzulernen.

Zum besseren Verständnis der Werke Bonnard ist es sinnvoll, die im Buch enthaltenen Essays zu lesen und zwar:

-"Der Unfassbare" Notizen zu Pierre Bonnard- Evelyn Benesch

-Pierre Bonnards Häuser. Zum Konzept der Ausstellung- Ulf Küster

-Pierre Bonnard und das Paris der Belle Epoque- Mischiko Kono

-Das Interieur der Welt: Zu Pierre Bonnards - Gartenbildern- Andreas Beyer

-Badezimmer. Vom Zuber zur Badewanne: Bonnards Akte- Marina Ferretti Bocquillon

-Abstand nehmen. Bonnards Welt-Beate Söntgen

Der Maler wurde von japanischen Farbholzschnitten beeinflusst. Wie man den Essays und mehr noch gezeigten Bildern entnehmen kann, malte Bonnard wie eingangs bereits erwähnt viele Landschaften, auch Portraits und intime Interieurs und hielt hierbei die Flüchtigkeit des Augenblicks fest.

Die großen Badewannen-Akte wurden in Bonnards künstlerischem Schaffen zum Äquivalent der letzten Seerosen-Bilder von Claude Monet und zwar verstanden als Triumph eines Lichts, das die Realität verklärt, (vgl.: S.118).

Interessant auch ist das das große aufklappbare Bild La Terrasse ensoleillée" (1939-1946), das die Freude des sinnlich erfahrbaren Lebens durch das Licht und die Farben wiedergibt.

Das Buch enthält übrigens 121 Abbildungen.

Empfehlenswert.

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Rezension:Claude Lorrain - Die verzauberte Landschaft (Gebundene Ausgabe)

2012-02-04T14:48:00.000+01:00

Vom 3.2. 2012 bis zum 6. Mai 2012 wird im Städelmuseum in Frankfurt/Main die Ausstellung "Claude Lorrain- Die verzauberte Landschaft" gezeigt, die ich bereits Gelegenheit hatte zu besichtigen. Das vorliegende Kunstbuch ist der offizielle Ausstellungskatalog.

Der aus Lothringen stammende Claude Lorrain verbrachte fast sein gesamtes Leben in Rom, wo er sich von Anfang an mit Landschaftsmalerei befasste. Seine Gemälde waren zu seinen Lebzeiten schon sehr begehrt. Zu seinen Auftraggebern zählten der Papst, mächtige Kardinäle und europäische Fürsten. Trotz dieser Tatsache arbeitete der Künstler fast ohne Schüler und besaß keine Werkstatt im üblichen Sinne und dennoch umfasst sein Werk rund 250 Gemälde, 1200 Zeichnungen und 44 Druckgrafiken.

Nichtkenner Lorrains sollten vielleicht zunächst die zweiseitige Kurzbiografie lesen. Hier kann man die wichtigsten Daten dieses Künstlers, der von 1600 oder 1604/08 bis 1682 lebte in Erfahrung bringen.

Das Buch beginnt mit einem Grußwort Dr. Karl-Georg Altenburg von J. P. Morgen, dem exklusiven Förderer der Ausstellung, gefolgt von einem Vorwort von Max Hollein, Direktor des Städel Museums und Dr. Christopher Brown, CBE, Direktor, Ashomolean Museum, University of Oxford.

Dr. Martin Sonnabend, der Kurator der Ausstellung, wartet zu Beginn mit Beitrag "Claude Lorrain- Die verzauberte Landschaft" auf. Hier bringt er den Lesern durch einen aufschlussreichen Text das Leben Lorrains, dessen Frühwerk, seine Erfolge auch dessen "Liber Veritas" nahe. Der Künstler begann nämlich um 1636 seine Werke, sobald sie fertiggestellt waren, zu kopieren sowie diese Zeichnungen zu verwahren und ließ sich ein eigenes Buch daraus binden. Die Motivation für sein Tun beruhte auf der Tatsache unliebsamer Plagiate, die unter seinem Namen auftauchten und ihn in Misskredit brachten. Sein "Buch der Wahrheit" war ein Echtheitsbeweis und zudem ein Katalog seines Lebenswerkes.

Dr. Sonnabend nimmt auch zu dem Phänomen Stellung, dass in Lorrains Werken stets eine innere Bewegung erkennbar ist, die durch den kunstvollen Einsatz von Gegensätzen entsteht. Gemeint sind damit: Reales und Irreales, Harmonie und Konflikt, Vergangenheit und Gegenwart, Geborgenheit und Weite, Ruhe und Bewegung sowie das Einzelne und das Ganze, (vgl.: S.18). Auch Lorrains Nachwirkung bleibt nicht ausgespart, speziell wird hier auf William Turner(1775-1851) Bezug genommen.

Der Katalogteil ist untergliedert in den Katalog der Gemälde, den Katalog der Zeichnungen und den der Radierungen. Die gezeigten Werke werden ganz hervorragend seitens Dr. Martin Sonnabend und Dr. Jon Whiteley beschrieben. Dabei wartet Jon Whiteley zusätzlich mit einem erhellenden Aufsatz über die Zeichnungen des Künstlers auf. Er thematisiert die Einflüsse und Vorbilder, die Bücher mit Zeichnungen, Figurenstudien u.a. mehr und macht damit die zeichnerischen Werke für den Betrachter noch zugänglicher.

Dr. Sonnabend thematisiert in einem weiteren Beitrag Claude Lorrain als Radierer. Die Druckgraphik hat im Werk des Künstlers im Vergleich zur Malerei und zu den Zeichnungen nur eine geringe Rolle gespielt. Er schuf insgesamt nur etwa 40 Radierungen, (vgl.: S. 151). Man erfährt in diesem Beitrag, was man unter einer Radierung zu verstehen hat und weshalb sie für Lorrain interessant war. Ausführlich wird man über seine "Feuerwerk-Radierungen" informiert, die mich aufgrund ihrer Genauigkeit, mit der sie die Festmaschinen und deren Verwandlung wiedergegeben, sehr beeindrucken.

Alles in allem ein gelungener Katalog zu einer Ausstellung, die man sich nicht entgehen lassen sollte.

Empfehlenswert.

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Rezension: All About Eve (Gebundene Ausgabe)

2012-01-30T21:28:00.003+01:00

Dieser Fotoband enthält eine Fülle von wundervollen Schwarzweiß-Fotos der jüngst verstorbenen, amerikanischen Starfotografin Eve Arnold, (21.4.1012- 4.1.2012).

Alle Fotos werden von knappen, sie erläuternden Texten begleitet. Die Motive sind höchst unterschiedlich und visualisieren die ganze Bandbreite des Könnens dieser Fotografin.

Gezeigt werden sozialkritische Bilder von Einwanderinnen auf Long Island im Jahre 1950, die dort Kartoffeln lesen oder Wäsche waschen. Man erlebt deren Kinder am ersten Schultag im Jahre 1951. Die Väter dieser Migrantenkinder wurden während ihrer harter Arbeit abgelichtet. Arnold gelingt es hier und auf weiteren Bildern die Geschichte der Armut und der Sorgen dieser schwarzen Einwanderer zu erzählen, die, von wo auch immer, nach New York kamen, um ihr Glück zu suchen.

Diesen bedrücken Fotos folgen andere von sehr aparten Damen der New Yorker Gesellschaft in den 1950er Jahren, anschließend sehr kunstvolle Aufnahmen, von denen man kaum glauben kann, dass es Schnappschüsse sind.

Sehr schön ist ein Bild, das eine alte Vogelbeobachterin im Jahre 1964 zeigt und beeindruckend sind die Fotos vom schwarzen Debütantinnenball in New York 1964 sowie verschiedene Fotos, die Arnold in China realisierte.

Eine tolle Aufnahme von Richard Burton und Elisabeth Taylor aus dem Jahre 1963 und eine ebenso gelungene von der lachenden Marilyn runden diesen Bildband ab und zeigen das Eve Arnold einen Blick für das hatte, was sich hinter der spontanen Erstwahrnehmung verbirgt. Genau das lichtete sie hintergründig ab und erzählt auf diese Weise mit jedem Bild eine packende Geschichte, deren Ende jeweils ungewiss ist.

Empfehlenswert.

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Rezension:Vermeer: Das Gesamtwerk. Jubiläumsausgabe 175 Jahre Belser (Gebundene Ausgabe)

2012-01-26T23:38:00.001+01:00

Der vorliegende reich bebilderte Kunstband befasst sich mit dem Gesamtwerk des holländischen Malers Jan Vermeer (1632-1675).

Der Herausgeber des Buches, Arthur K Wheelock, Jr., thematisiert in einem Textbeitrag gleich zu Beginn das Leben dieses Künstlers und reflektiert in diesem Zusammenhang auch die Kunst Vermeers. Dabei geht es um Überlegungen zur Delfter Stiltradition, um Fragen nach etwaigen Mäzenen und um Vermeers Künstlertum. Für das Verständnis Vermeers Werdegangs ist der historische und künstlerische Kontext, in dem Vermeer sich entwickelt hat, wichtig, denn dieser Künstler soll sich während der gesamten Laufbahn auffallend häufig von den stilistischen und thematischen Ideen anderer beeinflussen haben lassen, (vgl.: S.23).

Im Rahmen der Betrachtung seines Künstlertums erfährt man, dass er verschiedene Mittel anwandte, um eine dreidimensionale Wirklichkeit vorzutäuschen und aus Gründen der Komposition nicht selten den Maßstab und die Form von Gegenständen veränderte. Vermeer soll sogar das Licht manipuliert haben, um dem Augenblick Dauer zu schenken, indem er die flüchtige Wirkung der Schatten auf ein Mindestmaß beschränkte, (vgl.: S.25).

Wie Vermeer-Kenner wissen, setzte dieser Künstler die "Camera obscura", die das Prinzip der gebündelten Lichtstrahlen nutzt, bei seiner Arbeit ein. Besagte Lichtstrahlen geben den Gegenstand, auf den sie gerichtet sind, direkt oder indirekt wieder. Auf welche Weise Vermeer die Camera obscura einsetze, wird gut erklärt und auch deutlich gemacht, dass dieses Instrument vielen Künstlern der damaligen Zeit völlig neue Ausdrucksmöglichkeiten bot, indem sie ihr Blickfeld einrahmte und optische Effekte möglich machte, die normalerweise nicht sichtbar waren, (vgl.: S.25).

Albert Blankert beleuchtet in dem dann folgenden Beitrag Vermeers moderne Themen und hier solche wie etwa: Junker und Jungfrauen, der Weingenuss, Briefe, die Toilette, nützliche Tätigkeiten und das Musizieren, die auf seinen Gemälden zum Tragen kommen.

Zur Sprache gebracht werden ferner Vermeers Kundenkreis und von Jorgen Wadum dann auch das Thema Perspektive bei diesem Maler. Dabei muss man wissen, dass Vermeer und andere Künstler seiner Zeit sehr daran interessiert waren, eine perfekte Zentralperspektive zu erhalten, ohne sich mit komplizierten Theorien herumschlagen zu müssen, (vgl.: S.71).

Man liest des Weiteren Wissenswertes über Vermeers Atelier, auch über den Erwerb von Malutensilien, bevor man sich in die chronologischen Lebenddaten des Malers vertiefen und sich daraufhin mit seinen Werken beschäftigen kann, die alle großformatig und von guter Qualität abgelichtet sind sowie textlich vortrefflich erläutert werden.

Mein Lieblingsbild ist "Das Mädchen mit dem Perlenorgehänge". Die Ausdruckskraft des Mädchens mit den feuchten Augen beeindruckt mich zutiefst. Allerdings schätze ich auch das Gemälde "Der Geograph" sehr, weil es Vermeer hier gelungen ist, einen mit intellektuellem Wissendrang erfüllten Menschen auf bemerkenswerte Art darzustellen.

Empfehlenswert.

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Rezension:Stillleben: Die italienischen, spanischen und französischen Meister (Gebundene Ausgabe)

2012-01-26T23:33:00.001+01:00

Claus Grimm stellt in diesem Bildband "Stillleben" der italienischen, spanischen und französischen Meister vor. Der zeitliche Rahmen reicht vom Ende des Mittelalters bis zum Beginn der Moderne. Dabei haben die jeweiligen Kunstauffassungen und Bildtraditionen zu unverwechselbaren Motivverbindungen und Ausdrucksformen geführt.

Stillleben ist eine Bildgattung der Malerei, die durch die Darstellung toter oder auch regloser Dinge wie auch Gegenstände gekennzeichnet ist.

Das Buch stellt sich die Aufgabe, den unterschiedlichen "Geschmack", die unmittelbar sinnfällige Wirkung, welche die Stillebenmotive in den jeweiligen Perioden und Regionen entwickelt haben, herauszuarbeiten. Dabei geht es um den vergleichenden Blick aus den unterschiedlichen parallelen Stilllebentraditionen als auch die auffälligen Neuentwicklungen. Es geht aber auch um die Frage der künstlerischen Qualität.

Im umfangreichen Texteil sind stets korrespondierende Bildteile zugeordnet, die man an dieser Stelle leider nicht breitgefächert erörtern kann. Die Themenkreise bei den Bildteilen fokussieren u.a. die barocke Lebensfülle- Von Cavaraggio bis Corazza oder auch die Versenkung und Distanz in der spanischen Malerei.

Die Abbildungen der Gemälde werden allesamt sehr gut erläutert.Man sollte sich die Erläuterungen nicht entgehen lassen, weil man aufgrund dieser Erklärungen die Bilder in ihrer Tiefe und das Können das Malers besser erfassen kann.

Mich beeindrucken die Stillleben auf denen Blumen- oder Früchtekörbe abgebildet sind am meisten. Hier gilt mein Augenmerk speziell Pierre Dupuis "Früchtestilleben mit Trauben und Pfirsichen", dessen Feinmalerei durch einen gleichmäßigen Schmelz der Oberfläche gekennzeichnet ist und auch Juan de Arellandos "Blumenkorb", dessen pastose Maltechnik zur Betonung abwechslungsreicher Bewegung eingesetzt wird.

Ein Buch, das Stilllebenfreunde begeistern wird.

Empfehlenswert.

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Rezension:Canaletto in Venedig: Der Meister und seine Rivalen (Gebundene Ausgabe)

2012-01-22T23:12:00.002+01:00

Dies ist der offizielle Katalog zur gleichnamigen Ausstellung, die in der National Gallery in London vom 13.10.2010-16.1.2011 gezeigt worden ist.

Die sogenannte "Ansichtenmalerei", das Genre des "vendutisimo" fand in Venedig eine herausragende Blüte, möglicherweise deshalb, weil sich dort die geeignete Kulisse bot. Der Künstler Antonio Canal, genannt Canaletto (1664?- 1768) und seine Konkurrenten, allesamt herausragende Vendutenmaler, werden im vorliegenden Buch vorgestellt.

Charles Beddington, ein Privatgelehrter und Kunsthändler aus London, unterrichtet in seinem lesenswerten Essay zu Beginn des Buches die Interessierten ausführlich über die venezianische Vendutenmalerei im 18. Jahrhundert, dem Genre, das im hohen Grad die Schöpfung von Gaspare Vanvitelli war. Über diesen Künstler informiert Beddington breitgefächert, bevor er sich Canaletto zuwendet, für den die 1730er Jahre das große Jahrzehnt seiner venezianischen Venduten waren, die er in reifem Stil malte und die allgemein als seine "charakteristischen" bewerten werden, (vgl.:S 24).

Die Leistungen der venezianischen Vendutenmaler und hier namentlich Canalettos wird teilweise der Verwendung der Camera obscura zugeschrieben. Dabei handelt es sich im einen Vorläufer der Fotokamera. Über die einzelnen Perioden von Canalettos Schaffen schreibt Beddington detailliert, auch über das Verhältnis zu seinen Rivalen, die um die Gunst der Auftraggeber mit ihm buhlten.

Man hat Gelegenheit sich in eine Fülle wunderschöner Ansichten von Venedig zu vertiefen, auch identische Motive, von unterschiedlichen Malern realisiert, kennenzulernen.

Dem aufschlussreichen Essay Beddingtons folgen sehr informative Künstlerbiografien und Gemäldeablichtungen. Thematisiert werden die Vendutenmaler Gaspare Vanvitelli, Luca Carlevarijs, Johann Richter, Canaletto, Giovanni Battista Cimaroli, Antonio Joli, Michele Marieschi, Bernardo Bellotto, Pietro Bellotti, Francesco Teroni und Francesco Guardi. Man lernt Gemälde von all diesen Malern kennen, wobei die meisten Gemälde von Canaletto stammen. Beim Betrachten der Bilder ging es mir nicht um den Vergleich, sondern um die Freude an den einzelnen Gemälden, die wahrlich groß ist.

Dem Beitrag "Stadt und Zeremonell" von Amanda Bradley (selbstständige Kunstwissenschaftlerin und Expertin für die venezianischer Kunst) am Ende des Buches entnimmt man Wissenswertes im Hinblick auf die Republik Venedig, auf Örtlichkeiten und Architektur sowie auf Zeremonien und Ereignisse, wodurch man die Motive der Gemälde besser versteht.

Die alten Stadtansichten Venedigs näher kennenzulernen, macht ebenso viel Freude wie die Auseinandersetzung mit den einzelnen Künstlern.

Empfehlenswert.

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Rezension : Das Stundenbuch der Katharina von Kleve (Gebundene Ausgabe)

2012-01-15T15:33:00.000+01:00

Autoren dieses textreichen Bildbandes sind Dr. Anne Margreet W. As-Vijvers (1969), Dr. Saskia van Bergen (1972), Prof. Dr. Claudine A. Chavannes- Mazel (1949) und Dr. Kathryn M. Rudy.

Thematisiert wird das Stundenbuch der Katharina von Kleve. Dieses gilt als der absolute Höhepunkt der nordniederländischen Buchmalerei. Das Original soll in einem guten Zustand sein, obschon es die Jahrhunderte nicht unversehrt überstanden hat. Zu dieser Tatsache und vielen anderen erfährt man im Buch Wissenswertes.

Das Stundenbuch wurde 1440 für Katharina von Kleve (1417-1476) gefertigt. Katharina wusste das Buch sehr zu schätzen und wählte zum Anfertigen des Werks einen sehr begabten Buchmaler, der bis heute allerdings anonym geblieben ist. Obschon der Künstler das Buch für die Herzogin von Geldern schuf (so hieß Katharina nach ihrer Eheschließung), ist der Künstler als "Meister der Katharina von Kleve" in die Geschichte eingegangen.

Das vorliegende Buch führt den Leser mittels vielen Abbildungen und gut nachvollziehbaren Textbeiträgen in die Welt des Stundenbuchs und des Meisters der Katharina von Kleve ein.

Stundenbücher, so erfährt man, gehörten zu den beliebtesten Andachtsbüchern des Spätmittelalters. Ihr Inhalt geht auf das Brevier, das in Klöstern für das Chorgebet verwendet wurde, zurück. Die Texte des Chorgebets lasen einst Geistliche zu bestimmten Zeiten. Diese nannte man übrigens Horen (horae). Das Herzstück eines Stundenbuches ist das Marien-Offizium. Es setzt sich aus einer Reihe von Psalmen, Lobgesängen, kurzen Lesungen und Gebeten zu Ehren Marias, der Mutter Jesus, zusammen.

Stundenbücher werden in der Regel mit reicher Illumination in Gestalt von Miniaturen, Initialen und Randverzierungen versehen, die dokumentieren, das der Auftraggeber bereit war, viel für ein solches Buch zu zahlen. Das Stundenbuch der Katharina ist umfangreicher illustriert als andere Stundenbücher der nördlichen Niederlande. Nicht wenige Texte enthalten mehr als zehn bis sechzehn Miniaturen. Auf der allerersten Miniatur hat sich Katharina abbilden lassen. Hier kniet sie am Rande der Miniatur, ihr Stundenbuch in den Händen haltend und blickt zur Madonna vor ihr auf.

Das Stundenbuch der Katharina von Kleve enthält sowohl ein Toten-Offizium als auch ein Stundengebet für die Verstorbenen. Hier vermittelt die Miniaturmalerei einen Einblick in das mittelalterliche Verständnis vom Tod.

Es macht viel Freude, die Illustrationen der einzelnen, im vorliegenden Buch gezeigten Illustrationen zu studieren und über die künstlerische Welt des Meisters der Katharina von Kleve Wissenswertes seitens Prof. Dr. Claudine A. Chavannes-Mazel zu lesen. Die Autorin setzt den Leser über die Vorgeschichte, d. h. die Kunstproduktion in Holland um 1400 in Kenntnis und lässt uns auch über das unmittelbare Arbeitsumgebung des Künstlers (das waren Utrecht und Geldern), nicht im Ungewissen.

Dr. Anne Margreet W. As- Vijvers informiert in einem Textbeitrag über die Randverzierungen, die die Textstruktur verdeutlichen. Hier auch wird man über Geschichten und Symbole aufgeklärt, die der Künstler in schönen Farben visualisiert hat. Die Arbeitsweise der mittelalterlichen Illuminatoren, sprich, die ständige Variation von Mustern, beeinflusste nicht nur die Form, sondern auch die Bedeutung der Darstellung in der Bordüre. Was das zu bedeuten hat, wird sehr gut erläutert.

Thematisiert werden des Weiteren Kinder und häusliche Szenen in den Miniaturen, so etwa Kinder beim Lesen und Schreiben. Zudem wartet das Buch mit einer umfangreichen Übersicht des Bildprogramms im Stundenbuch der Katharina von Kleve auf, bevor Dr. Anne Margreet W. As- Vijvers die fünfunddreißig durch Bilder dargestellten schönsten Seiten des Stundenbuchs beschreibt. Als Ergänzung zu den fünfunddreißig Miniaturen sind im vorliegenden Bildteil auch einige Doppelseiten reproduziert, die die kostbare Gestaltung der Textseiten vor Augen führen.

Besonders gut gefällt mir die Miniatur, die den hl. Martin zeigt. Hier betont der Meister der Katharina von Kleve die Interaktion zwischen Martin und dem Bettler, deren Blicke sich begegnen, während der Heilige seinen Mantel mit dem Schwert durchtrennt.

Ein sehr guter Kunstband, den ich gerne weiterempfehle.

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Rezension:Liebende: Künstler und ihre Musen. 40 Porträts von Raphael bis Man Ray (Gebundene Ausgabe)

2012-01-15T10:18:00.000+01:00

Juliet Heslewood stellt in Ihrem Buch Gemälde folgender Künstler vor: Filippo Lippi, Raffael, Christofano Allori, Peter Paul Rubens, Rembrandt van Rijn, Allan Ramsay, Francisco de Goya, Théodore Chassériau, John Everett Millais, Edouard Manet, Anselm Feuerbach, Dante Gabriel Rossetti, Pierre-Auguste Renoir, Charles Auguste Emil Duran (Carolus-Duran), Vincent Van Gogh, Pierre Puvis de Chavannes, Auguste Rodin, Henri de Toulouse- Lautrec, George Seurat, Giovanni Segatini, Maurice Denis, Paul Gauguin Camille Claudel, Anna Klumpke, Gustav Klimt, Augusts John, Susanne Valadon, Egon Schiele, Marc Chagall, Dora Carrington, Amedo Modigliani, Man Ray, Frida Kahlo, Salvador Dali, Pablo Picasso, Stanley Spencer, Eric Miller, Astrid Kirchherr, David Hockney.

Auf den vorgestellten Gemälden sieht man die Geliebten, Musen, Ehepartner oder Gefährten des Lebens der obenstehenden Maler. In den beigefügten Texten liest man dann Wissenswertes zu den Gemälden und einzelnen Beziehungen zwischen den Malern und jeweiligen Frauen.

In der Einleitung reflektiert Heslewood zunächst den Begriff der Liebe und fragt danach, wie Künstler ihre Liebe beschrieben haben, fragt anschließend weiter, ob die Geliebten im Werk eines Künstlers als Musen gelten können und auch, ob eine Muse den schöpferischen Geist mehr inspiriert als ein gemeines Modell.

Anselms Feuerbachs Gemälde "Lucrezia Borgia" (1866) habe ich schon oft im Städelschen Kunstinstitut in Frankfurt bewundert und natürlich neugierig Näheres über die Beziehung zwischen dem Maler und der Frau, die auf dem Gemälde die historische Figur Lucrezia Borgia darstellt, gelesen. Feuerbach lernte Anna Risi in Italien kennen, deren markantes Gesicht und deren statuengleiche Physis der Vorstellung damaliger Künstler von einer antiken Schönheit entsprach. Sie wurde zu Feuerbachs Lebenspartnerin in Italien.

Von Gustave Klimt (1862-1918) lernt man dessen Gemälde "Emilie Flöge" näher kennen. Hier fragt die Autorin, in welcher Beziehung diese Frau tatsächlich zu Klimt stand und interpretiert das Gemälde auf subtile Art und Weise.

Mein Lieblingsgemälde im Buch ist Marc Chagalls (1887-1985) "Bella Rosenfeld". Das bezaubernde Gemälde begann er kurz vor der Hochzeit mit ihr zu malen. Es versinnbildlicht den Moment, in dem Bella den Raum betritt, und verdeutlicht nicht nur die Gefühle des Malers und seiner Frau zueinander, sondern es spiegelt auch das universelle Wesen einer jungen Liebe wider.

Es führt zu weit, hier über alle gezeigten Bilder und die textlichen Porträts etwas zu schreiben. Interessant sind die Beschreibungen der Bilder aufgrund des Hinzuziehens des Beziehungshintergrundes allemal.

Der liebende Blick auf das Modell visualisiert meines Erachtens Züge der abgebildeten Person, die sich den Künstlern bei "Arbeitsmodellen" möglicherweise verschließen. Die Bilder werden auf diese Weise m.E. beseelt. Besonders deutlich ist dies bei Dalis "Bildnis Galas mit zwei Lammkoteletts auf den Schultern" zu sehen.

Empfehlenswert.

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Rezension:Armin Reumann: 1889-1952 (Gebundene Ausgabe)

2012-01-12T20:56:00.000+01:00

Autor dieses wunderschönen Kunstbandes ist Prof. Dr. Siegfried Wichmann, der dem Leser hier Werke des deutschen Impressionisten Armin Reumann (1889-1952) näherbringt.

Bevor ich mich in die Texte und Bilder vertieft habe, las ich zunächst auf den letzten Seiten die mehrseitigen biographischen Daten, um mir einen Überblick über das Leben und Wirken des Malers zu verschaffen.

Der in Sonnenberg geborene Künstler ging 1907 nach München, um sich dort an der Akademie in der Klasse Hugo von Habermann ausbilden zu lassen.

Wie der Autor bereits eingangs erwähnt, ermöglicht die Wiederentdeckung des Künstlers einen Einblick in das Zeitgeschehen während der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts anhand der künstlerischen Entwicklung dieses Malers, der die Menschen und die Gegend, in der er lebte, gut kannte. Das wird auf seinen Gemälden deutlich.

Den im Buch gezeigten Kunstwerken sind drei Textteile vorangestellt, die sich mit der Entwicklung dieses Künstlers befassen aber auch mit seiner Zeit im Umkreis der Münchener Secession sowie seinen reifen Jahren in Sonnenberg auseinandersetzen.

Im Bildteil finden sich eingangs dann eine Reihe beeindruckender Bilder nackter Frauen. Auffallend dabei ist, dass die Frauen zumeist rauchen und ein wenig frivol anmuten.

Bildern von Gesellschaftsdamen mit riesengroßen Hüten folgen Gemälde, die Kriegshandlungen aus dem 1. Weltkrieg zeigen. Anschließend lernt man wunderschöne Landschaftsbilder, Stillleben und unterschiedlichen Impressionen, wie etwa "Die Tochter des Künstlers im Garten" (1946) kennen, auf der Reumann einen Spätstil aus einer pantheistischen Natursicht entwickelt, der dokumentiert, dass alles im Fluss ist und sich alles bewegt. Auch auf dem Folgebild, einem Blumenstillleben, ist das Kommen und Gehen thematisiert.

Reumanns Blumen- und Gartengemälde, auch der sonnendurchflutete "Eingang zum Friedhof" oder "Die Steintreppe im Garten" finde ich besonders gelungen, vielleicht weil diese Bilder einseitig lichterfüllt und die Objekte bloße Erscheinung für das Auge sind.

Die Gemälde im Buch werden sehr gut erklärt. Für den Künstler war der Garten übrigens sein Atelier. Das Gemälde "Der Garten des Künstlers" lässt erahnen, welche Bedeutung sein kleines Paradies für ihn hatte.

Empfehlenswert.

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Rezensionen:Linda McCartney Trade Edition: Life in Photographs (Gebundene Ausgabe)

2012-01-09T11:46:00.000+01:00

Dieser Bildband enthält eine Fülle traumhafter Fotos, die von der Fotografin Linda McCartney realisiert wurden. Sie war einst die führende Fotografin in der Musikszene der 1960er Jahre und seit 1969 die Ehefrau Paul McCartneys, die 1998 im Alter von 56 Jahren verstarb. Ihre Fotos wurden in mehr als 50 Museen vorgestellt. Dabei werden die wichtigsten im Buch genannt.

Herausgeberin des Werks ist Alison Castle. Die Autoren sind die Starfotografin Annie Leibovitz sowie der Kunst- und Fotografiehistoriker Martin Harrison.

Unter 200 000 Fotos entstand in enger Zusammenarbeit mit Paul McCartney und seinen Kindern dieser Prachtband, der eine Fülle einzigartiger Fotos enthält. Fotos von Janis Joplin, Brian Jones und Jimi Hendrix aus den späten 1960er Jahren faszinieren zu Beginn den Betrachter, gefolgt von Porträtfotos, die Charles Aznavour(1968) und Waren Beatty (1968) zeigen.

Ein sehr schönes Foto von den Beatles (1967) beginnt den Reigen der Beatles-Bilder, wobei ich das Coverfoto von Paul McCartney als besonders gelungen empfinde.

Weniger kokett als Paul auf vielen Bildern war Jim Morrison, den die Fotografin ebenfalls abgelichtet und dabei dessen Hingabe zur Musik erkennbar eingefangen hat.

Lange verweilte mein Blick auf dem zauberhaften Foto, das Twiggy (1969) zeigt. Ihr wollten alle jungen Mädchen einst nacheifern. Eine zarte, sehr hübsche Frau, wie das Bild verdeutlicht.

Die Fotos von Paul machen deutlich, dass er schon als junger Mensch 10 Jahre jünger aussah als seine Altersgenossen. Jungen Mädchen gefiel er nicht nur wegen seiner Stimme und seiner Songs, sondern weil er ein sehr femininer, gut aussehender Mann war. Berührend ist das Foto, das ihn mit seiner Tochter Mary 1970 zeigt. Pauls seelenvolle Augen lassen keinen Zweifel aufkommen, dieser Mann verkörperte die Liebe. Er schenkte diese Liebe auf privater Ebene seiner Frau und seinen Kindern und durch seine Songs im öffentlichen Bereich der ganzen Welt.

Die Fotos von Lindas Kindern habe ich mit viel Freude betrachtet. Es sind glückliche Kinder liebevoller Eltern, Kinder, die frei aufwachsen durften.

Einige sehr schöne Naturaufnahmen, aber auch Stadtimpressionen zeigen, dass Linda für alles ein Auge hatte, auch für die Schönheit einer einfachen gläsernen Teekanne (1996).

Paul McCartney schreibt, dass seine Frau eine lebenslustige, äußerst loyale Person gewesen sei, die die Familie über alles stellte. Er berichtet in seinem kleinen Text-Beitrag von Lindas Liebe zur Fotografie und ihrem stets richtigen Timing, wenn es darum ging, auf den Auslöser zu drücken.

Ein tolles Buch. Empfehlenswert.

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Rezension: Paris- Porträt einer Stadt

2012-01-01T22:40:00.002+01:00

Mein Rezensionsjahr 2012 möchte ich mit einem Prachtbildband beginnen, der meine Lieblingsstadt zum Thema hat: Paris.

Kein Ort auf dieser Erde inspiriert mich so sehr wie dieser. Deshalb auch bin ich besonders begeistert von den 500 Fotos auf sechshundert Buchseiten, mittels denen ein Stück Pariser Stadtgeschichte erzählt wird.

Den Schwarz-Weiß- und Farb-Fotos unterschiedlicher, namhafter Fotografen sind kleine Texte beigegeben, die die Fotos erläutern. Zu Kapitelbeginn gibt es stets einen Kurzbericht über die mittels der dann folgenden Bilder fokussierte Zeit in dieser Metropole. Alle Texte im Buch sind in englischer, französischer und deutscher Sprache abgedruckt.

Herausgeber des Werkes ist der Historiker und Experte in Sachen Fotografie Jean Claude Gautrand. Zu Ende des Buches hat man Gelegenheit die Biografien der weit mehr als 130 Fotografen der gezeigten Bilder nachzulesen.

Die fünf Kapitel im Buch lauten:

-Von der Julimonarchie bis zur Pariser Kommune

-Von der dritten Republik bis zum Ersten Weltkrieg

-Vom ersten Krieg zum nächsten

-Von einer Republik zur anderen

-Paris heute

Im ersten Kapitel fasziniert mich ein Bild, das Hippolyte Bayard 1842 realisiert hat und die einstigen Mühlen von Montmartre darstellt. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts zählte man übrigens dort noch 13 Mühlen. Erstaunt bin ich über die vielen sehr malererlisch anmutenden Bilder aus den Tagen der Anfänge der Fotografie, wie etwa das 1877 von Ferrier et Soulier gemachte Foto junger Wäscherinnen bei ihrem Tun. Fasziniert auch haben mich die Porträtfotos, so etwa von der Comtesse de Castiglione, die als Mätresse Kaiser Napoleons III. einst die berühmteste Kurtisane von Paris war.

Beeindruckend sind Henri Giffards Fesselballon, die Hauptattraktion der Weltausstellung von 1878 und die Bilder vom Eiffelturm, besonders jenes, das das Pariser Wahrzeichen mit Gustav Eiffel zeigt. Die Gebäude aus jenen Tagen wirken zum Teil fast abgerissen, vielleicht weil ihnen der Anstrich fehlt. Die Frauen tragen noch lange Röcke und Kutschen werden anstelle von Autos durch die Straßen von Paris bewegt.

Maurice Guibert hat den Maler Toulouse Lautrec 1894 gemeinsam mit einem nackten Model abgelichtet, während diese amüsiert Gemälde Lautrecs begutachten. Sechs Jahre danach: Paris zuzeiten der Weltausstellung von 1900 muss eine Reise wert gewesen sein. Es war die Zeit als Damen mit Wagenrad großen Hüten ihre Hündchen spazieren führten und aufgrund der langen Röcke leider nicht Fahrräder zu fahren vermochten.

Anschließend sieht man irgendwann Bilder aus der Stadt während der Goldenen Zwanziger Jahre. Es ist die Zeit von Josephine Baker und Edith Piaf, auch von Gabrielle Chanel. Man erlebt barbusige Schöne, die im Moulin Rouge tanzen und nimmt ungern den Bilderwechsel zur Kenntnis, der dann folgt. Paris während des 2. Weltkrieges. Die Stadt belagert von der braunen Pest. Einfach nur schrecklich.

Erfreut ist man als man die Kämpfer der Résistance erblickt, die sich gegen die Eindringlinge zur Wehr setzen und dann endlich das doppelseitige Bild, das die begeisterte Menge zeigt, die die Befreiung von den Nazis feiert und glücklich die Marseillaise anstimmen. Wie schön all die Umarmungen zu sehen, die aufgrund der Tatsache stattfinden, dass der Terror zu Ende ist.

1946... ein Foto von Sartre auf dem Pont de Art und ein anderes von Simone de Beauvoir, gleich danach "Der Kuss vor dem Hotel de Ville", ein berühmtes Foto, realisiert von Robert Doisneau im Jahre 1950. Es folgen wunderschöne Bilder eleganter Frauen und Bilder, die Menschen in Cafes zeigen oder auch spielende Kinder. Wie schön das Leben in friedlichen Zeiten sein kann, so die Aussage der Fotos. Ein kleiner Pariser Junge mit einem Baguette in der Hand, nach Hause laufend mit glücklichem Gesicht... und immer wieder liebende Paare vor traumhaften Kulissen. Das ist Friede pur.

Im letzten Kapitel dann sieht man u.a. Bilder von berühmten Schauspielerinnen, wie die Bardot und Romy Schneider, auch das Foto, das Helmut Newton realisierte und welches als Titelbild gewählt wurde: "Bergström über Paris", 1974. Alles ist vergänglich, leider auch Schönheit. Was bleibt ist die Liebe und der liebevolle Blick.

Das letzte Bild zeigt eine hübsche Frau, die Luftballons in der Hand hält und über Paris schwebt, fast wie ein Engel. Nicht verwunderlich, denn alle Pariserinnen sind bekanntermaßen Engel.

Ein tolles Buch, das ich gerne empfehle.

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Rezensionen: Luc Tuymans (Broschiert)

2012-01-01T22:28:00.001+01:00

Dieses Kunstbuch thematisiert den belgischen Künstler Luc Tuyman und dessen Werk. Er zählt zu den wichtigsten zeitgenössischen Malern. Sein Stil und seine Herangehensweise an historische Themen haben eine ganze Generation von Malern geprägt. Die Motive findet Tuyman in den traumatischen Ereignissen des letzten Jahrhunderts.

Das Buch beinhaltet zahlreiche Essays, die das Werk des Künstlers facettenreich fokussieren. Seine Gemälde sind laut Helen Molesworth von einer hintergründigen Schönheit, wie man sie bei getrockneten Muscheln findet, wenn sich die Sonne auf ihnen nicht mehr spiegelt. Gleichwohl sollen seine Gemälde Studien der Fahlheit sein, wobei Farben einem Übermaß an Licht ausgesetzt seien, das jeglichen intensiven Farbton, der einmal vorhanden gewesen sein mag, ausbleiche und ein Graublaugrünbraun zurücklasse. Hinzu komme sein berühmter Pinselstrichduktus, der den Betrachter auf Distanz halte und ein Gefühl von Desinteresse und Gleichgültigkeit erzeuge. Wie man im Zusammenhang mit seinem Akt des Malens erfährt, könnte sein Werk geradezu als Ausstellung der Gräueltaten des 20. Jahrhunderts beschrieben werden. Diesen Eindruck kann ich bestätigen.

Im Buch lernt man eine zahlreiche Gemälde des Künstlers kennen und kann sich anhand der Bild-Beschreibungen über die Werke intellektuelle Klarheit verschaffen. Themen sind der Holocaust, die postkoloniale Geschichte des Kongo, die Ereignisse 9/11 und die Konsequenzen für die amerikanische Außenpolitik.

Auf mich wirken die Bilder sehr bedrückend. Sie machen mich sehr traurig, vielleicht, weil ich die Distanz nicht wahre. Wieso können die Menschen nicht im Frieden leben? Wieso immer wieder diese Gräuel?

Empfehlenswert.

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WOHA: Architektur atmet / Breathing Architecture (Gebundene Ausgabe)

2012-01-01T21:40:00.002+01:00

Dieses reich bebilderte Buch ist das Begleitbuch zur Ausstellung "WOHA: Breathing Architecture/Atmende Architektur", die vom 2.12.2012- 15.4.2012 im Deutschen Architekturmuseum in Frankfurt gezeigt wird.

Gleich zu Beginn erfährt man, dass die baulichen Strukturen in traditionellen Dorfgemeinschaften in Südostasien (malaiisch Kampong) sich über Jahrhunderte stetig entwickelt haben. Diese Häuser, deren Entwicklung kurz beschrieben wird, sind perfekt dem tropisch heißen Klima angepasst, weil Querlüftung ermöglicht wird, es ferner natürliche Belichtung mit genügend Sonnenschutzvorrichtungen vor den Fenstern gibt und auch an Schutz vor Hochwasser und Bodenbefeuchtung gedacht worden ist. Die Baumaterialien eines Kampong-Hauses stammen stets aus der näheren Umgebung.

Nachdem die Bevölkerungszahlen im 20. Jahrhundert explodierten, traten Hochhäuser an ihre Stelle. In Südostasien müssen Häuserfassaden atmen und sollten die direkte Sonneneinstrahlung fernhalten. Peter Cachola Schmal und Michaela Busenkiel haben im Winter 2007 während der Nominierungsphase für den "International Highrise Award" ein schlankes, intensiv begrüntes Hochhaus in Singapur entdeckt. Dabei handelt es sich um die Newton Suites von WOHA. Die 100 Meter begrünte Wand schien zunächst nicht glaubhaft. Diese Gebäudeart bietet in naher Zukunft in Südostasien die Möglichkeit grün, luftig und durchlässig zu bauen und beinahe so schön wie einst im Kampong.

Im Buch lernt man u.a. Hochhäuser in Singapur, Bangkok und andere Gebäude, primär in Singapur kennen und anhand der Texte zu begreifen, worin die Zukunft in der Architektur liegen könnte, vielleicht nicht nur in Ostasien. Ein Konzept wie dieses habe ich mir schon vor Zeiten für unsere Städte gewünscht, um den Betonwüsten Leben einzuhauchen.

Empfehlenswert.

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Rezension:Die Sprache der Baukunst im Habsburgerreich und in seinen Nachfolgestaaten, 1867-1933 (Gebundene Ausgabe)

2011-12-22T23:12:00.001+01:00

Der Autor dieses Buches, Anthony Alofsin, ist Professor für Architektur und Professor für Kunst und Kunstgeschichte von Texas in Austin.

Das Buch beschäftigt sich mit der Behauptung, Architektur sei Sprache. Dabei gibt es in der Architekturtheorie eine lange Tradition, Architektur mit Sprache in Verbindung zu bringen. Allerdings wurden lt. Alofsin Annahmen darüber, wie Architektur spricht, selten gründlich untersucht oder auf einzelne Bauwerke innerhalb eines spezifischen kulturellen Kontextes bezogen.

Der Autor thematisiert ein breites Spektrum von Gebäudetypen und führt einen neuen Ansatz ein, mit dem sich die Sprache der Architektur interpretieren lässt. Im Fokus steht die Architektur der Spätzeit der österreichisch-ungarischen Monarchie und ihrer Nachfolgestaaten. Die unterschiedlichen Baustile, so zeigt Alofsin in seinem Buch auf, kommunizieren mit uns auf eine Art und Weise, die unserer Sprache gleicht.

Der Autor geht auf fünf Sprachen der Architektur Österreich-Ungarns ein. Diese Sprachen lassen Aspekte wie Nationalismus, Identität, Ausdruck von Kultur oder Modernisierung, ästhetische Standpunkte, Nostalgie, Rückblicke in die Geschichte und Hybridität erkennen.

Bei den Sprachen handelt es sich um: die Sprache der Geschichte, des Organischen, des Rationalismus, des Mythos, der Hybriden. Was dies im Einzelnen ist, wird genau erläutert.

Die Hauptthese des Autors lautet, dass unterschiedliche Sprachen in einem Gebäude nebeneinander auftreten können und hier mehrere ineinander verwobene Schichten bilden.

Erkundet werden soll auf diesem Hintergrund, was Architektur sagen möchte und was nicht. Angesprochen wird, also die Fähigkeit der Architektur Ideen auszudrücken und die Grenzen dieser Fähigkeit, mit denen sich Architekten immer wieder aufs Neue konfrontiert sehen.

Das Buch ist reich bebildert, sodass man einen visuellen Eindruck von dem erhält, was in den Texten näher erörtert wird.

Empfehlenswert.

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Rezensionen:Art and Design for All - The Victoria and Albert Museum: Die Entstehungsgeschichte des weltweit führenden Museums für Kunst und Design (Gebundene Ausgabe)

2011-12-22T12:13:00.001+01:00

Dies ist der Katalog zu Ausstellung "ART AND DESIGN FOR ALL"-The Victoria and Albert Museum- Die Entstehungsgeschichte des weltweit führenden Museums für Kunst und Design, die vom 18.12.2011- 15.4.2012 in Bonn in der Bundeskunsthalle gezeigt wird.

Das Buch beinhaltet u.a. sehr bemerkenswerte Essays und zeigt ein große Anzahl von Objekten aus dem Victoria and Albert Museum, das übrigens 2,5 Millionen Objekte in seinem Bestand hat.

Unterrichtet wird man im Rahmen der Essays u.a. über die deutschen Quellen des Museums, über das South Kensington Museum, das bereits 1857 eröffnet wurde und als Meilenstein in der Museumsgeschichte gilt. Dieses Museum nämlich widmete sich als erstes ausschließlich dem Kunstgewerbe, den angewandten und industriellen Künsten und den schönen Künsten. Das Museum war aus der Weltausstellung hervorgegangen, knüpfte eine Verbindung zwischen Kunst und Industrie, die in der Folge von anderen Museen kopiert wurde.

Thematisiert auch wird die Sammlung Minutoli, das als Prototyp und Vorbild für die Wiederbelebung der Kunst in der Industrie gilt. Auch zur Sprache gebracht wird das Sammeln als Inspiration und ferner der Renaissancekünstler Raffael in deutschen und englischen Sammlungen zwischen 1815-1871.

Es führt zu weit all die Essayinhalte zu erwähnen. Das South Kensington Museum wird jedenfalls facettenreich fokussiert, bevor die Objekte der Ausstellung, darunter Skulpturen, Möbel, Porzellan und Textilien, Zeichnungen etc. gezeigt und näher erläutert werden.

Mich haben die Objekte, die dem Kapitel "Anregungen aus Indien" zugeordnet sind am meisten begeistert, speziell eine kleine Gewürzdose aus dem Mogulreich, 18 Jahrhundert, schön und die Fantasie anregend auch sind die Objekte, die dem Kapitel "Anregungen aus dem Islam" zugeordnet sind, wie etwa die Tischplatte, die aus neun Keramikfliesen zusammengesetzt ist und der aus dem Iran stammende, um 1590 geknüpfte Medaillon-Teppich.

Wer Freude an schönen Dingen hat und mehr darüber wissen möchte, wird Spaß an diesem Buch finden.

Empfehlenswert.

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Rezension:Norbert Wolf Jugendstil (Gebundene Ausgabe)

2011-12-19T22:49:00.000+01:00

Der Jugendstil "ist das Träumen, man sei erwacht." (Walter Benjamin)

Norbert Wolf ist der Autor dieses wunderschönen, reich bebilderten Kunstbuches, das sich ausführlich mit dem Jugendstil befasst. Jugendstil ist die deutsche Bezeichnung für eine Kunstströmung zu Beginn des letzten Jahrhunderts.

Der Autor hat das Buch in acht Kapitel untergliedert. Bei diesen handelt es sich um:

-Der neue Stil -Eine Annährung

-Stilfragen

-Die Physiognomie des Stils

-Präludien

-Aufbruch allerorten

-Bild Systeme

-Jugendstil und Avantgarde

-Resümee und Ausblick

Jugendstilkünstler, speziell die Repräsentanten des Kunstgewerbes hatten in der Regel keine Berührungsängste gegenüber dem Kommerz und dem modernen Warenverkehr. Die Plakatkunst prosperierte nicht nur in Paris und London, auch in anderen Großstädten Europas.

In Deutschland wurden nicht selten Bildmotive des Malers Franz von Stuck verwendet. Man liest von der neuen Lichtästhetik, den Reformkleidern jener Tage und erfährt überhaupt, wie der Jugendstil auf die moderne Konsumwelt reagierte. Erläutert wird u.a., ob das im Jugendstil ausgedrückte Selbstbewusstsein dazu berechtigt, im kunstwissenschaftlichen Sinne von einem Stil zu sprechen.

Es wird der Frage nachgegangen, ob der Jugendstil wegen seines Hangs zu Einheitsvisionen und spiritualisierter Ästhetik für den Bau und die Ausstattung von Kirchen prädestiniert gewesen sei. In diesem Zusammenhang lernt man bekannte Sakralarchitekturen des Jugendstils kennen und sollte wissen, dass dieser Stil in summa recht wenige Kirchenbauten von Format hervorgebracht hat.

Thematisiert wird der paradigmatische Vergleich mit dem Renaissancestil, der den Hang des Jugendstils zum Gesamtkunstwerk zu verstehen hilft.

Man liest von dem Kult der Schönheit, der Magie des Schmucks im Jugendstil und hat Gelegenheit sich in viele Bilder zu vertiefen, sich mit gebauten Symphonien zu befassen und kann immer wieder schöne Objekte bestaunen. Ornamente und Linien werden beleuchtet und man erfährt, dass die Virulenz der Blüten, der bewegten Frauenleiber und des wallenden Frauenhaars in der Jugendstil-Ornamentik nicht so schnell vorbei war, wie es van der Velde wünschte. Auch kommt der Japonismus zur Sprache, sowie der englische Weg und hier nicht zuletzt die Präraffaeliten.

Die französischen Propheten wie Toulouse -Lautrec werden nicht ausgespart, der Symbolismus ist ein weiteres Thema und der Aufbruch allerorten.

Mich haben die vielen wunderbaren Bilder und Fotos überwältigt, natürlich auch jene von Mucha. Seine dekorative Graphik ist einfach schön.

Beeindruckend auch sind die Glasschöpfungen von Gallé. Er hatte für seine Manufaktur in Nancy ein exzellentes Team von Glaskünstlern zusammengestellt, auch gehörte einer der führenden Designer Frankreichs, Jaques Gruber, dazu. Man lernt viele Größen des Jugendstils kennen, unmöglich sie alle hier zu benennen. Victor Horta, der bedeutendste belgische Architekt, ein Pionier der Moderne, ist einer von ihnen. Man hat Gelegenheit einige Arbeiten dieses Architekten anhand von Fotos zu bewundern. Großartig. Sehr beeindruckend.

Antoni Gaudi wird vorgestellt. Hier kann man seine wunderschönen Bauten in Barcelona bestaunen und Wissenswertes über den Künstler und sein Werk erfahren.

Worpswede wird nicht vergessen und auch nicht die Künstler der Darmstädter Mathildenhöhe. Weimar ist nicht nur mit den Namen Goethe und Schiller, sondern auch mit Van de Velde und Walter Gropius verbunden. Über deren Aktivitäten in Weimar wird man aufgeklärt und über den Jugendstil in Wien und in den USA.

Leben und Werk der Künstler Franz von Stuck, Gustav Klimt, Ferdinand Hodler und Eduard Munch werden breitgefächert erörtert und man liest vom Verhältnis des Jugendstils zum Funktionalismus des frühen 20. Jahrhunderts. Dieser wollte die Kunst im Gebrauchszweck aufgehen lassen und wollte aus diesem Grunde auf "überflüssige" Dekoration verzichten.

Auf den letzten Seiten, hier wird ein Resümee gezogen, habe ich einen Satz von Walter Benjamin entdeckt, der mir so gut gefällt, das ich ihn für die Kopfzeile verwende.

Diesen Bildband kann man nicht genug loben. Abgesehen von den eloquenten Texten, ist das Buch ein Fest für die Augen. Nicht nur der Goldschnitt macht es selbst zu einem Kunstwerk.

Empfehlenswert.

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Rezension: Alte Meister- 1300-1800 Im Städel Museum

2011-12-18T16:03:00.001+01:00

In diesem Kunstband werden 200 herausragende Werke aus der Altmeistersammlung des Städel Museums in Frankfurt am Main vorgestellt.

Die Werke sind einzelnen Kapiteln zugeordnet, in die erklärende Textbeiträge eingebunden worden sind. Dabei geht es um:

-Schaulust und Erlösungshoffnung- Altarretabel im öffentlichen Raum der Kirche von Jochen Sander

-Vom religiösen Gebrauchsgegenstand zum Sammlerstück- Kleinformatige Tafeln des Spätmittelalters und der Renaissance von Fabian Wolf

-Seelenheil und Repräsentation- Bildaufgabe Porträt- Katrin Dyballa

-Spiegelungen der Wirklichkeit- Niederländische und deutsche Malerei im 15. Jahrhundert- Gabrielle Dette

-Neue Bildwelten- Die italienische Renaissance- Katrin Dyballa

-Am Vorabend der Reformation- Deutsche Malerei im frühen 19 Jahrhundert- Gabriel Dette

-Kunst und Künstlichkeit- Was sagt ein Bild in der Zeit vom Manierismus und katholischer Reform?- Almut Pollmer-Schmidt

-Markt und Moden- Die Antwerpener Malerei im 16. Jahrhundert- Almut Pollmer-Schmidt

-Alltagsszenen?-Sterotyp und ideal in der Genremalerei- Almut Pollmer-Schmidt

-Zwischen Himmel und Erde- Bilder der Landschaft- Almut Pollmer Schmidt

Komposition, Zeichnung, Farbe und Ausdruck- Ideale der Kunst in Barock und Rokoko- Almut Pollmer Schmidt

Im Vorwort von Max Hollein, dem Direktor des Städel Museums erfährt man Wissenswertes zur dessen 200 jährigen Geschichte, die ihren Anfang nahm mit dem Frankfurter Bankier und Kunstsammler Friedrich Städel (1728-1816), der das Städelsche Kunstinstitut in sein Erbe eingesetzt hatte. Hollein berichtet in der Folge von dem Frankfurter Künstler David Passavant, der vom Tag der Gründung des Museums (1817) als Berater und Kunstvermittler in Erscheinung trat. Er ist es, dem die Altmeister-Abteilung bis heute ihre internationale Bedeutung verdankt.

Hollein vergisst in seinem Vorwort weder die Dauerleigaben zu erwähnen, noch auf die neue Farbgestaltung der Wände und die neue Hängung sowie auf den Neuerwerb des Gemäldes „Bildnis des Papstes Julius II.“ von Raffael hinzuweisen.

Prof. Dr. Jochen Sander lässt nicht unerwähnt, dass die heutige Präsentation der ursprünglichen Sammlung Städels im Haupttreppenhaus des Städels am Eingang der Altmeister-Sammlung in einer entsprechenden „Petersburger Hängung“ vorgestellt werden, so wie die Bilder einst in der Villa des Bankiers präsentiert wurden.

Es führt zu weit auf die einzelnen Kunstbeiträge im Rahmen der Rezension einzugehen. Wer die Abt. „Alte Meister“ im Städel besucht, sollte dies aber tun, um die Bilder in einem gewissen Kontext zu begreifen.

Die einzelnen Gemälde werden alle näher erläutert, auch erfährt man, wann das Museum sie erworben hat, wie groß die Bilder sind und andere wichtige Eckdaten mehr.

Mein Lieblingsbild im Städel konnte ich gestern beim Besuch der Altmeister-Abteilung leider nicht bewundern, weil es derzeit auf einer großen Ausstellung in Mailand befindet. Es handelt sich um Sandro Botticellis „Weibliches Idealbildnis“, das man im Buch allerdings bewundern kann.

Ein gelungener Katalog mit vielen Sachinformationen zu den beeindruckenden Bildern.

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Rezension:Olaf Otto Becker Under the Nordic Light: Eine Zeitreise. Island 1999-2011 (Gebundene Ausgabe)

2011-12-13T22:21:00.003+01:00

Dieser Bildband enthält eindrucksvolle Bilder des Fotografen Olaf Otto Becker, die er in den Jahren 1999-2011 in Island realisiert hat.

Am Ende des Buches hat man Gelegenheit, sich über die Auszeichnungen und über eine Auswahl der Veröffentlichungen des 1959 geborenen Fotografen, der in Augsburg Kommunikationsdesign und in München an der Maximiliansuniversität Philosophie studierte, kundig zu machen.

In den Anmerkungen zu den Fotografien, die man auf den Seiten 154ff in englischer und deutscher Sprache nachlesen kann, berichtet Becker davon, dass er nicht nur Orte, die ihm bislang unbekannt waren, fotografiert hat, sondern auch Plätze, die er in den vier Sommern von 1999 bis 2002 besuchte.

Es erstaunte ihn, dass sich nur wenig verändert hatte und so interessierte ihn sehr bald die unmerkliche Veränderung und das fast Unveränderte mehr als die deutlich sichtbaren Spuren.

Becker lässt seine Leser wissen, dass es die Landschaft, das Wetter und das Licht und nicht er sind, die Stimmungen auf seinen Bilder produzieren, gleichwohl bringt aber jeder Fotograf nach seiner Meinung Assoziationen, Erfahrungen, Sichtweisen, Beobachtungen und Gefühle beim Realisieren von Fotos mit. Nicht unwichtig sei es übrigens auch, dass es beim Wahrnehmen eines Bildes eine Rolle spielt, wenn man Zusätzliches über das Gesehene erfahre. Das kann ich so weit bestätigen. Ich habe mir die Fotos im Buch zunächst angesehen, ohne Infos über die Motive zu haben und nahm die Bilder tatsächlich anders wahr als zu dem Zeitpunkt, als ich die Erklärungen auf den letzten Seiten dazu las.

Petra Giloy-Hirtz erwähnt in ihrem Essay "Olaf Otto Beckers Fotografien von Island", den man in englischer und deutscher Sprache nachlesen kann, u.a. auch ein Zitat Beckers, wonach ihn am meisten Grenzlandschaften und Grenzstimmungen interessierten. Für die Essayistin reflektieren Beckers Fotografien das Glück und das Geschenk, auf dieser Erde zu leben, und die Verpflichtung, die aus diesem Privileg wächst. Sein Werk sei in all seiner künstlerischen Qualität auch ein Zeugnis des dramatischen Wandels und darin ein Plädoyer zur Bewahrung der Schöpfung und Appell zum Handeln.

Die Fotos zeigen eine unwirkliche Welt, der es an Lieblichkeit mangelt. Becker dokumentiert mit seinen beeindruckenden Bildern die Ergebnisse des Klimawandels. Die geballte Freudlosigkeit wirkt auf mich beklemmend, aber sie rüttelt mich auch auf.

Empfehlenswert.

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Henri de Toulouse-Lautrec: Die menschliche Komödie (Gebundene Ausgabe)

2011-12-06T22:22:00.002+01:00

Dieser Kunstband enthält eine Vielzahl von Werken des französischen Malers Toulouse -Lautrec (1864-1901), dessen Biographie man auf den letzten Seiten des Buches nachlesen kann. Der Künstler litt an einer erblich bedingten Knochenkrankheit und wurde nur 152cm groß. Nach seinem Abitur konzentrierte er sich ausschließlich auf die Malerei. Wie es dann weiterging, erfährt man ab Seite 161 ff.

Neben Abbildungen seiner Werke, enthalten das Buch mit dem Untertitel "Die menschliche Komödie", sehr aufschlussreich Texte und viele Fotos.

Untergliedert ist das Buch in die Abschnitte:

-Die menschliche Komödie

-Der Akteure

-Der Markt und die Kultur

-Die Großstadt als Bühne

-Die Kulissen des Alltags

Die Textbeiträge sind von Brigitte Andernberg und Vibeke Vibold Knudsen. Gleich im ersten Beitrag erfährt man von der großen Leidenschaft dieses Malers, den Menschen. Alles andere soll er als "Zubehör" betrachtet haben. Stets steht bei ihm die menschliche Gestalt im Mittelpunkt und zwar unabhängig davon, ob Männer oder Frauen in ihren Beziehungen dargestellt werden. Der Raum ist immer zweitrangig, deshalb auch wird er mehr oder weniger fragmentarisch angedeutet, (vgl.: S.12).

In seiner Interpretation des modernen Großstadtlebens, wie es sich im Pariser Vergnügungsviertel darstellte, verfügte Lautrec nicht selten über ein außergewöhnliches Gespür für Karikaturen. Dabei konstruierte er die Gestalten in seinen Gemälden als Karikaturen. Lautrec entwickelte eine Ästhetik des Hässlichen und seiner inhärenten Schönheit, die zum festen Bestandteil des Ausdrucksrepertoires der Avantgarde werden sollte, (vgl.: S.15).

In jenen Tagen wurde Paris mit einem Theater verglichen, einer Metapher für die Künstlichkeit und das Theatralische der sozialen Beziehungen und performativen Handlungen auf der Bühne der Großstadt und hinter den Kulissen, (vgl. S.17).

Für Lautrec war die Großstadt kein eigenständiges Thema. Seine Produktion fokussierte er auf eine körperliche und mentale Bestandsaufnahme der neuen Verhaltensweisen und Bewusstseinsformen, die die Metropole auf potenzierte Weise in mehr oder weniger begrenzten Räumen des Vergnügungslebens inszenierte. Der Maler verdichtete den modernen Großstadtmenschen in dessen Isolation und seinem anonymen Dasein in der Menschenmasse, in der er für kurze Augenblicke auf der Jagd nach ewiger Zufriedenstellung der Begierde aufgehoben ist, (vgl. S.17).

Man hat Gelegenheit sich Fotos von der neuen Metropole Paris zu Ende des vorletzten Jahrhunderts anzusehen, kann auch die Tänzerinnen im Moulin Rouge auf Fotos bewundern, bevor man über die Vergnügungen in diesem Haus zu jener Zeit Näheres erfährt. Lautrec kannte viele Darsteller persönlich. Mit Jane Avril, den er auch malte, war er eng befreundet.

Viele der Bilder, Lithographien und Plakate Lautrecs werden im Buch näher besprochen. Die Besprechungen sind sehr aufschlussreich und bringen den Bildgegenstand näher ins Bewusstsein. Lautrec interessierte sich übrigens nicht nur für das, was auf der Bühne stattfand, sondern auch für die soziale Komödie, die sich in den Theaterlogen ereignen, wie diverse Werke verdeutlichen.

Erläutert wird auch das graphische Werk des Künstlers und seine Lithografien, die Teil einer performativen Publicitykultur waren. Der Künstler stellte in der Regel kurze Augenblicke dar und auf einigen der Werke wird die sapphische Liebe thematisiert. Man erfährt, dass Lautrecs Bilder von Transvestiten und Lesben keinen moralischen Standpunkt gegenüber jenen einnehmen, die diese verkörpern, sondern stattdessen scharfsinnige Beobachtungen von Geschlechterperformativität und fließender, subversiver Verschiebungen der visuellen Diagnose einer in Bewegung befindlichen urbanen Kultur sind, (vgl.: S.115).

Lesenswert auch sind die Erläuterungen zum Thema "Die Kulissen des Alltag". Lautrecs Gemälde aus dem Prostitutionsmilieu entstanden zwischen 1892-1895. Sie waren Ausdruck seines Bestrebens, eine umfangreiche Interpretation seiner Zeit zu schaffen. Es sind beeindruckende Bilder eines Genres, die man im Buch Gelegenheit hat zu bewundern.

Ein gelungenes Buch, das ich gerne empfehle.

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Rezension:Max Beckmann: Von Angesicht zu Angesicht (Gebundene Ausgabe)

2011-12-06T19:29:00.000+01:00

Dies ist der Katalog zur gleichnamigen Ausstellung "Max Beckmann- Von Angesicht zu Angesicht", die vom 17.9.2011 -22.1.2012 in Leipzig im Museum der bildenden Künste gezeigt wird.

Das Buch beginnt mit einem Beitrag des Herausgebers Hans-Werner Schmidt, der den Titel trägt, "Max Beckmann- aus Leipzig in Leipzig". Diesem Beitrag folgen sechs aufschlussreiche Essays unterschiedlicher Verfasser, die die Beckmann-Thematik facettenreich ausloten. Des Weiteren hat man Gelegenheit fünf Aufsätze, die sich mit Erinnerungen an Beckmann befassen, zu lesen.

Der sich dann anschließende Katalogteil enthält neben den in Leipzig ausgestellten Werken Textbeiträge von Frédéric Bussmann, Markus Andrew Hurtig und Susanne Petri.

Neben einer Kurzbiografie zu diesem Maler hat man Gelegenheit sich in den erhellen Text "Max Beckmann in der Gesellschaft: ein Who is Who" und in einen weiteren mit dem Titel "Max Beckmann und der Widerstand in den Niederlanden- Personenverzeichnis" einzulesen.

Nichtkenner Beckmanns sollten meines Erachtens zunächst die Biografie des Künstlersn von Alexandra Linea lesen, um den Werdegang des Künstlers und dadurch auch seine Bilder zu verstehen, die natürlich Ausdruck seines Erlebens sind.

Es ist unmöglich im Rahmen dieser Rezension auf die Essays näher einzugehen. Es sind wissenschaftliche Arbeiten mit vielen Fußnoten, Texte, die man nicht auf wenige Zeilen verdichten kann, weil die Inhalte dadurch zwangsläufig verflachen würden.

Die Bilder sind bewundernswert. Man liest in den die Bilder begleitenden Texten u.a., dass das beherrschende Thema in Beckmanns Werk das irritierende Wechselspiel zwischen Individuum und Masse sei. Das lässt sich auf den gezeigten Bildern gut nachvollziehen.

Im Buch werden übrigens 417 Abbildungen, davon 208 farbige gezeigt.

Am meisten beeindruckt mich das "Selbstbildnis als Clown", das Beckmann 1921 malte. Wie alle Clowns ist Beckmann ernst, auch ein wenig traurig. Ein malender Clown vermag seine Zuschauer nicht mit Tränen, sondern wohl eher mit seinen Bildern zu berühren.

Beckmann Bilder waren den Nazis ein Dorn im Auge waren, weil sie seine Kunst nicht begriffen haben, weil sie unfähig waren zu erkennen und so beschlagnahmten sie diese unberührt.

Empfehlenswert.

Rezension:Verlorene Bilder, verlorene Leben - Jüdische Sammler und was aus ihren Kunstwerken wurde (Gebundene Ausgabe)

2011-12-06T19:19:00.000+01:00

Melissa Müller und Monika Tatzkow thematisieren in diesem Buch jüdische Kunstsammler und was aus ihren Kunstwerken wurde, nachdem diese ihnen während der Nazi Zeit geraubt worden sind.

Die schrittweise Ausplünderung jüdischer Kunstsammlungen war Bestandteil der Politik der Nazis. Im Buch wird deutlich gemacht, dass der "Entzug" nicht nur einzelner Kunstwerke, sondern auch ganzer Sammlungen dem Muster folgte, dass Hitler bereits in "Mein Kampf" skizziert hatte.

Wie die Autorinnen bereits in der Einleitung unterstreichen, wurden in wenigen Jahren Lebensmittelpunkte, manifestiert in der gesellschaftlichen Anerkennung, dem Beruf, den familiären Verbindungen und auch im privaten Besitz für immer vernichtet. Dabei analysieren die Damen richtig, wenn sie konstatieren, dass die Juden ein historisch tradiertes Feindbild waren, mittels welchem sich die Profitgier des Nazi-Staates ideal verschleiern ließ.

Ab Mitte der 1930er Jahre wurden die Juden mit diskriminierenden, gesetzlich verordneten Abgaben gezielt in die Zahlungsunfähigkeit getrieben. Jüdische Kunstsammler verschleuderten aus Geldnot ihre Kunstsammlungen auf "Judenauktionen". Nach dem Novemberpogrom von 1938 beschlagnahmten die Nazis ungeniert jüdischen Kunstbesitz. Die verschiedenen Facetten des größten Kunstraubes aller Zeiten spiegeln sich in den 15 Biographien wieder, die in diesem Buch packend erzählt werden.

Neben den einzelnen überaus lesenswerten Berichten, warten eine Fülle von Fotos, Gemäldeablichtungen und Dokumente auf den Leser. All das stimmt mich sehr nachdenklich, nicht nur im Hinblick auf die Habsucht der Nazis den jüdischen Sammlern gegenüber, sondern auch hinsichtlich des habsüchtigen Verhaltens vieler Museen, Institutionen, Auktionshäuser, Politiker und Privatbesitzer in der Zeit seit 1945. Habsucht ist nicht grundlos eine der Todsünden.

Empfehlenswert.

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Rezensionen: Kunst der Moderne 1800-1945 im Städel Museum (Broschiert)

2011-11-25T19:38:00.001+01:00

In diesem Kunstband werden 200 bedeutende Werke aus der Sammlung des Städel Museums Frankfurt und hier im Bereich des 19. und frühen 20. Jahrhunderts vorgestellt und kommentiert.

Im Vorwort erfährt man, dass Goethe dem reichen Kaufmann und Kunstmäzen Johann Friedrich Städel, der eine Generation älter war als er, verbunden gewesen sei. Wie Goethe berichtet, vermachte Städel sein gesamtes Vermögen und seine Kunstsammlung der Öffentlichkeit zur Gründung des Städelschen Kunstinstitutes.

Wie man weiter liest, kamen viele der in der heutigen Sammlung vereinten Werke als Schenkung an das Haus, übrigens auch Tischbeins "Goethe in der römischen Campagna". 1899 dann gründete man den "Städelschen Museums-Verein". Es führt zu weit hier den weiteren Verlauf des Hauses wiederzugeben. Den kann man sehr gut im Buch nachlesen und erfährt dort auch, dass bis heute diese Sammlung des Städelmuseums im Hinblick auf die Eigentumsverhältnisse auf vier Pfeilern beruht: den Werken des Museums-Vereins, denjenigen der Städtischen Galerie als auch den der Stiftung von selbsterworbenen Werken und einigen wenigen Dauerleigaben.

Gemeinsam mit dem Erscheinungsbild des Städel Museums entwickelte die Peter Schmidt Group das Gestaltungskonzept für die Reihe der Sammlungspublikationen.

Im vorliegenden Buch schließlich hat man dann Gelegenheit, sich zunächst mit einem Essay von Felix Krämer zu befassen, das den Titel "Durch Wandel lebend- Die Kunst der Moderne" trägt. Hier erhält man einen guten historischen Überblick, der mit der Reflexion der Neupräsentation der über 200 Jahre gewachsenen Sammlung endet.

In der Folge kann man 11 Essays namhafter Persönlichkeiten zu ausgewählten Bildern lesen. Hierbei handelt es sich um:

Eva Demski- Die verkleidete Frau

Neo Rauch- Meeresungeheuer und die Schaumgeburten

Wilhelm Genzanino- Das Schönste am Fluss sind seine Ränder

Martin Mosebach- Stillleben mit Jagdaufseher

Roger Willemsen- Das Kind mit dem Knacks

Ulla Hahn - Die Sehnsucht wachhalten

Wolf Singer- Der Körper in der Kunst

Durs Grünbein- Der singt, ist nicht immer glücklich

Katharina Hacker- Die Größe der Katze

Peter André Alt- Fantasie der Sterblichkeit

Mathias Döpfner- Don`t play the saxophone. Let it play you.

Zudem hat man die Chance, sich in eine Interview mit Helmut Schmidt zu vertiefen, dass den Titel "Geniale Einfachheit: Gespräch über seine Liebe zum Expressionismus" trägt.

Den Essays und dem Interview sind Kurzinformationen über die Autoren beigegeben. Da ich gestern im Städel den Vortrag Roger Willemsens über "Bewusstsein und Patina" hörte, möchte ich kurz zu seinem Essay etwas sagen, in dem er sich zu den Fotos von Lewis Carroll äußert und hier auch zu "Alexandra "Xie" Kitchen als chinesischer Tea-Merchant (on Duty)" 1873, etwas schreibt, und festhält, dass die Fotos von Carroll zu einem Zeitpunkt einfrieren, der noch nicht von der Nemesis ereilt sei, aber dennoch blühten diese Mädchenbilder nicht. Willemsen fragt: "Schauen diese Kinder nicht aus den Bildern wie Wissende? Wie Opfer gar? War Carroll bedenklich, Angst einflößend, wie man aus dem Ernst der Mimik schließen wollte? Wohl kaum. Die Belichtungszeiten der Fotos lagen zwischen 45 Sekunden im Sommer und eineinhalb Minuten im Winter. Solange steht kein Lächeln, nicht einmal im Frühling des Lebens," (Zitat: S. 35).

Mit großer Begeisterung habe ich das Interview, das man seitens des Städel Museums mit dem Altbundeskanzler Helmut Schmidt führte, gelesen. Ich wusste bislang nicht welch großer Kunstfreund Helmut Schmidt ist. Er liebt die "geniale Einfachheit Noldes", das kann ich sehr gut nachvollziehen.

Im Anschluss an die Essays lernt man dann die eingangs erwähnten 200 Gemälde visuell kennen. Eingebunden sind in die Präsentation aufschlussreiche Essays: Die Sehnsucht nach dem Süden, d. h. die Malerei am Beginn der Moderne, der Realismus und Idealismus als Spielarten der Moderne, die Malerei des Impressionismus, vom Symbolismus zum Surrealismus, die Künstlergruppe Brücke, die Kunst Max Beckmanns und der Aufbruch zur Avantgarde.

Da ich im Laufe meines bisherigen Lebens schon unzählige Male im Städel-Museum war, weil es direkt vor meine Haustür liegt, kenne ich viele der Bilder sehr genau, darunter Max Liebermann "Freistunde im Amsterdamer Waisenhaus", ein frühes Schlüsselwerk des Malers, das ich des Motivs und der Aussage wegen sehr schätze.

Feiningers "Dorfteich von Gelmroda" gehört zu meinen Lieblingsbildern, natürlich auch Tischbeins "Goethe in der römischen Campagna"(allerdings nur aufgrund der Darstellung von Goethe, dem meine ganz große Bewunderung gilt). Renoirs "Nach dem Mittagessen" wird sehr schön beschrieben, das gilt auch für Degas "Die Orchestermusiker" und das bezaubernde Gemälde Renoirs mit dem Titel "Lesendes Mädchen". Eine Kopie davon hängt übrigens in Renoirs Villa in Südfrankfreich. Eine Tatsache, die mich nachdenklich stimmte, als ich sie dort sah und die mir klar machte, dass wirkliche Kunst immer allen gehört und insofern nach dem Prozess des Schaffens ihren Weg zu einem der großen Museen gehen muss. Es ist ihre Bestimmung.

Dieser Katalo

g ist ein wirklicher Genuss. Ich werde am Sonntag erneut das Städel Museum besuchen, um mich wie so oft an tristen Herbst- oder Wintersonntagen vor das 68x 200 cm große Gemälde von Charles Francois Daubigny mit dem Titel "Französischer Obstgarten zur Erntezeit" zu setzen, das das Städel Museum bereits 1909 erworben hat, um mich in diesen Garten hinzuträumen, der in meiner Fantasie in St. Paul de Vence gelegen ist, dem schönsten Ort, den ich kenne. Es ist übrigens der Ort, wo Chagall seine letzte Ruhe gefunden hat.

Empfehlenswert.

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Rezension:Marc Chagall - Dessins pour la Bible: Bilder für die Bibel - Drawings for the Bible (Gebundene Ausgabe)

2011-11-25T09:53:00.002+01:00

Dieses Kunstbuch enthält Werke des Künstlers Marc Chagall. Dem umfangreichen, in drei Sprachen (Deutsch, Englisch und Französisch) verfassten Vorwort ist zu entnehmen, dass viele der Werke dieses Künstlers von biblischen Texten angeregt worden sind.

Mit diesen Werken beschäftigt sich eine neue Studie. Einige der Werke lernt man in dem vorliegenden Buch kennen. Aus Briefen geht hervor, dass Chagalls Interesse am Thema der Bibel bereits 1925/1926 seinen Anfang nahm, demnach bereits vor der Arbeit der Bibel für Vollard und vor seiner Reise nach Palästina.

Diese Werke sind oft in Schwarz-Weiß von ihm geschaffen worden und unterscheiden sich insofern von den farbenfrohen Bildern, die man ansonsten von Chagall kennt.

Auf den letzten Seiten des Buches sind wiederum dreisprachig die Textstellen der Bibel abgedruckt, auf die sich die Bilder beziehen.

Es hat mir Freude bereitet, die alten Bibelgeschichten zu lesen, die ich fast schon vergessen hatte und mich anschließend auf Chagalls künstlerische Interpretationen einzulassen. Chagalls Bilder transportieren Emotionen, die hinter den Worten der Bibel spürbar sind und halten einen bestimmten emotionalen Zeitpunkt im Bild für die Ewigkeit fest, so etwa im Bild mit dem Titel "Lots Frau". Irritierend dabei ist, dass nicht Lots Frau, sondern Lot sich umwendet und auf mich den Anschein erweckt, dass er ihr nicht beigestanden hat als sie den Untergang von Sodom und Gomorra entsetzt mit eigenen Augen sah, all das Leid....

Auch alle anderen Bilder halten Momente fest, die man beim Lesen des Textes nicht unbedingt im Auge hat. So sieht man bei dem Bild "Rückkehr Davids nach dem Sieg über Goliath" König Saul und David alles andere als siegestrunken, sieht sie in Demutshaltung, während das Volk tanzt und musiziert. Man spürt, dass die beiden der erschlagenen Feinde gedenken. Ein Grund zum Feiern ist das gewiss nicht.

Die Bilder zum Thema "Das Lied der Lieder" gefallen mir am besten, vielleicht weil Chagall Liebesmomente auf subtile Art in Bildern festhalten kann. Liebe ist nicht vergänglich, sie erlebt stets nur Transformationen. Das stellt die Botschaft der Bilder dar und ist eventuell auch die Botschaft der Bibel überhaupt.

Empfehlenswert.

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Rezension:Einfach schön! (Gebundene Ausgabe)

2011-11-23T13:28:00.002+01:00

"Einfach schön!" ist ein Buch für Menschen, die dem Anblick von schönen Dingen viel abgewinnen können. Ich zähle zu diesem Personenkreis und benötige für mein seelisches Wohlbefinden besagten Anblick wie die Luft zum Leben. Schönheit ist für mich stets Ausdruck von innerer Harmonie, ein Ausdruck dafür, dass alles stimmt: das Licht, die Komposition, die Momente, die Zeit, die Farben und man im Grunde nur noch staunen kann.

Das vorliegende Buch enthält eine Fülle schöner Momentaufnahmen, realisiert von unterschiedlichen Fotografen von National Geografic. Die Fotos sind den Kapiteln: Licht, Komposition, Momente, Zeit, Farben, Staunen zugeordnet. Dabei hat man die Gelegenheit am Ende des Bildbandes, sich im Verzeichnis der Fotografen einen namentlichen Überblick über all die Fotokünstler zu verschaffen.

Den Kapiteln ist jeweils ein kurzer einführender Text vorangestellt, beginnend mit dem Licht, ohne das Fotografie überhaupt nicht möglich ist, weil es ohne dieses kein Sehen, keine Farben, auch keine Kunst in der Fotografie gäbe. In der jeweiligen Fotoschau sind immer wieder Sentenzen zu den einzelnen Themen eingebunden. Sehr gut gefallen mir beim Thema Licht die Worte Ralph Waldo Emersons, die ich hier zitieren möchte: "Ob von innen heraus oder von hinten, das Licht fällt durch uns auf die Dinge und macht uns bewusst, dass wir nichts sind aber das Licht alles", (Zitat: S.65).

Besonders berührt bin ich von dem Foto auf dem ein junges nigerianisches Mädchen in die Kamera lächelt. Durch das Sonnenlicht erstrahlen die Augen des Kindes in einer Weise, dass sie selbst zu Lichtquellen werden. Auf einem weiteren Foto lächelt ein junger Mann im dinarischen Gebirge in die Kamera. Auch hier wird das Sonnenlicht durch das Lächeln verstärkt. Lächeln und Licht bilden eine Einheit. Durch ein Lächeln können wir selbst für andere zur Lichtquelle werden. Das machen die Bilder deutlich.

Die Landschaften im Sonnenlicht sehen sofort schöner aus, auch vermeintlich Hässliches wird durch Licht schöner und ein dunkler Keller oder ein Pharaonengrab beginnt zu leben, wenn sie Licht zugeführt bekommen.

Es ist natürlich unmöglich im Rahmen einer Rezension alle Bilder zu beschreiben. Ich versuche das ein oder andere hervorzuheben, nicht um zu sagen, diese sind schöner als die anderen, sondern um Neugierde auf die anderen Bilder, die ebenso schön sind, zu wecken.

"Bildkomposition" sei nichts anderes als das bewusste Arrangieren der in einem gewählten Rahmen enthaltenen Elemente. Dadurch ließen sich vertraute Gegenstände in abstrakte Muster verwandeln oder die Aufmerksamkeit im Durcheinander einer chaotischen Szene auf einen bestimmten Aspekt lenken, (vgl.: 122).

Mein Herz begann schneller zu schlagen als ich die Komposition "Mexikanischer Goldmohn umsäumt die Überreste eines Cylinddropuntia-Kaktus" sah. Dieses Bild macht klar, dass eine gelungene Komposition Freude beim Betrachter auslöst,auch ein Lächeln ins Gesicht zaubert und so ergeht es mir bei Anblick aller weiteren Fotos, die durch ihre Komposition einen schönen Ausdruck erhalten.

"Momente" sind in der Fotografie jener präziser Augenblick, indem alle Element in einem fesselnden Bild zusammenfinden, (vgl.: S. 210). Liebe, Zärtlichkeit und Sehnsucht drückt sich durch das Foto "Die Löwenmutter und ihr Junges blicken über die sonnenbeschienenen Gräser in die Ferne hinweg aus". Vertrauen und Liebe zeigt sich in dem Bild "Ein Mädchen trägt eine Miniaturversion des Erntekorbes ihrer Großmutter auf dem Rücken". Die kämpfenden Leopardenweibchen sehen in dem gezeigten Moment wie Liebende aus. Ein Foto, das nachdenklich stimmt.

Was bedeutet Zeit in der Fotografie eigentlich? Über dieses Gestaltungsmittel in der Fotografie liest man ebenfalls Aufschlussreiches, zusammengefasst in dem Satz: "Wären Fotos wie Noten, ließe sie der Fluss der Zeit zu einer Melodie werden, (Zitat: S.285). "Die Gräser im Buffalo Gap National Grasland neigen sich im Wind" lassen diese Melodie erahnen.

Dann schließlich die Farben: "Ein Fotograf kann die Farbpalette dazu nutzen, um zu komponieren, zu erhellen, anzuregen und zu beglücken," (Zitat: S. 352).

Stimmt. Das erkennt man besonders bei der Holzschaukel, die irgendwo in Schottland von einem Baum herabhängt, seit ewigen Zeiten. Die Narzissen blühen, im Jahre 1510, 1610, 1710 und immer. Irgendwann im April blühen sie, während der Baumstamm jedes Jahrhundert an Umfang zunimmt und die Schaukelnden immer sicherer in die Lüfte trägt, wo sie sich des Lichtes lächelnd erfreuen können und für alle hörbar rufen: "Einfach schön!".

Doch dann gibt es noch dieses Staunen in der Fotografie. Es zeigt sich am intensivsten bei dem lachenden Mädchen, auf dessen Stirn ein bunter Schmetterling sitzt. Auf diesem Bild kommen m.E. alle Kriterien zusammen. Dieses Kind sehe ich vor meinem geistigen Auge auf der Schaukel und mir fällt dazu nur ein Wort ein: Glück.

Empfehlenswert.

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Rezensionen:Hundertwasser: Die Kunst des grünen Weges. The Art of the Green Path (Gebundene Ausgabe)

2011-11-20T17:56:00.005+01:00

1998 habe ich in Darmstadt die große Hundertwasser-Ausstellung auf der Mathildenhöhe gesehen und war überwältigt vom Können dieses begnadeten Künstlers. Die Farben, die Formen und die Fantasie, die auf seinen Bildern zum Ausdruck kommen, faszinierten mich damals wie heute.

Das vorliegende Buch enthält eine Vielzahl von Ablichtungen seiner Kunstwerke, enthält auch Fotos und erklärende Texte, darunter sehr aufschlussreiche Gedanken von Hundertwasser selbst.

Nach einem Vorwort des Direktors von "Kunst Haus Wien", Franz A. Patay, schreibt Andreas Hirsch in seinem Essay "Die Kunst des grünen Weges - Hundertwassers Renaissance", dass nun die Zeit reif sei für die "Wiedergeburt" dieses Künstlers. Hundertwasser, der im Jahre 2000 starb, galt als Anwalt für einen Friedensschluss mit der Natur. Dieser Mensch hat seine Ideen und Visionen nicht nur gelebt haben, sondern er hat konkrete Lösungen vorgeschlagen und umgesetzt. Diese Gedanken werden von der heutigen Wissenschaft in ihrer Weitsicht und Gültigkeit bescheinigt. Viele von Hundertwassers Projekten zur Wiederbegrünung der Stadt durch Dachgärten und aus den Fenstern wachsende Bäume, seine Konzepte zur Wiederherstellung natürlicher Kreisläufe und seine Aktionen zur Ermächtigung des Einzelnen zu ökologisch bewusstem Handeln finden sich heute in Trends wie "vertical gardening" oder "guerrilla gardening" wieder, (vgl.: S.10).

Für Hundertwasser war der Baum der Bruder der Menschen. Im Buch erfährt man aber nicht nur Wissenswertes über seine Naturverbundenheit, sondern einfach alles über sein Leben und sein Werk. Die Texte sind in deutscher und englischer Sprache abgedruckt. Der Künstler Ernst Fuchs schreibt, sich zurückerinnernd, wie der junge Maler Hundertwasser (mit bürgerlichem Namen hieß er Friedrich Stowasser) auf ihn wirkte. Hier liest man u.a.: "Er hatte etwas Schlotterndes, Schlenkerndes in allen Bewegungen und in seinen Augen den sanften Glanz des unbedingten Glaubens an eine wunderbare Kunst, die alle verstehen können. Und so sprach er auch von seiner Malerei, wie der Tor vom Paradies."(Zitat. S.33)

Man liest von seinen Ausstellungen, von seinen Aufenthalten im europäischen Ausland, aber auch von seinem Jahr, das er in Japan (1961) verbrachte. Nicht ausgespart bleiben die "Hundertwasser Happenings", wie etwa seine "Nacktrede für das Anrecht auf die dritte Haut" und sein Film "Hundertwassers Regentag". In dem Film sagt er: "Wenn ich male, träume ich ja. Das ist so, wenn der Traum zu Ende ist, erinnere ich mich nicht mehr an das, was ich geträumt habe, das Bild aber bleibt. Es ist das Resultat des Traumes, aber ich kann den Ursprung des Traumes nicht mehr entdecken. Also wenn der Maler nicht mehr völlig erstaunt ist über das, was er malt, dann ist es kein gutes Bild, denn ich selber möchte mich von meinen Bildern überraschen lassen. Ich möchte ständig meine eigenen Bilder entdecken. Dadurch schalte ich einen Teil meiner Persönlichkeit aus, es kommt dann von ganz wo anders, d.h. ich schalte meinen Intellekt aus, um etwas anders wirken zu lassen, das von ganz weit her kommt, ganz, ganz weit her kommt", (Zitat:S.138).

Ich zitiere diese Aussagen Hundertwassers nicht grundlos, denn ich glaube hier offenbart er sich als Künstler, der sich bewusst ist, dass künstlerisches Können jenseits der philosophischen Denke Descartes verortet ist.

Seit ich in Darmstadt erstmals von Hundertwassers Freude am Regen (.."wenn es regnet, bin ich glücklich, und wenn es regnet, weiß ich, dass mein Tag beginnt."), habe ich begriffen, dass der Regen die Farben in der Natur einfach nur schöner macht, das Grün vor allem intensiver. Kein Grund also traurig zu sein. Hundertwasser fängt die Regentropfen in seinen Bildern auf und begeistert den Betrachter. Solche Bilder kann man auch im vorliegenden Buch bestaunen.

Gerne schaue ich mir fast zum Schluss des Buches sein Gemälde "Grüne Stadt" an und freue mich über seinen Satz : "Der Künstler hat in unserer Gesellschaft die wichtigste Aufgabe zu erfüllen, nachdem alle Sparten scheinbar Schiffbruch erleiden...Deswegen hat der Künstler dafür zu sorgen und dazu beizutragen, dass die Welt sich erneuert." (Zitat: S.172).

Hoffen wir, dass in Zeiten, der durch Andreas Hirsch ausgerufenen Renaissance Hundertwassers, viele Künstler, den von ihm vorgezeichneten grünen Weg gehen und auf diese Weise zur Wiedergeburt unserer Erde und des Guten in uns allen beitragen.

Empfehlenswert.

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Rezension:Blumen der Renaissance: Symbolik und Bedeutung (Gebundene Ausgabe)

2011-11-17T23:59:00.003+01:00

Celia Fischer bringt den Lesern mit diesem reich bebilderten Buch die Symbolik und Bedeutung der Blumen auf Gemälden aus der Epoche der Renaissance nahe. Es geht konkret um die Blumendarstellung der europäischen Renaissancekunst des 15. und 16. Jahrhunderts, doch es wird auch auf das 14. Und 17. Jahrhundert zurückgegriffen, um den Kontext zu beleuchten.

Thematisiert werden: Der Renaissancegarten, Rosen, Lilien, Schwertlilien, Akeleien, Nelken, Tulpen, Mohn und Pfingstrosen, Goldlack und Levkojen, etwas Blaues, die Blumenwiese, Korbblütler, Narzissen, Veilchen und Stiefmütterchen als auch Disteln.

Man wird zunächst mit dem sogenannten Renaissancegarten vertraut gemacht, liest u.a. von den Vorstellungen des Florentiners Fra Angelo, aber auch von jenen des von mir hochgeschätzten Hieronymus Bosch, die er in seinem berühmten Triptychon zum Ausdruck gebracht hat.

Zur Sprache gebracht werden in der Folge die Gärten der nördlichen Renaissance und deren italienisches Pendant, bevor einzelne Blumen in den Fokus geraten, allen voran übrigens die Rosen. Weiße Rosen waren ein Symbol für Reinheit. Der Rosensymbolismus nahm zu aufgrund der großen Kathedralen, in die man im nördlichen Europa monumentale Glasfenster mit runden Mustern einbaute. Man erfährt, dass der Rosenkranz einen Komplex aus Rosenbildern verkörperte, liest Wissenswertes über Botticellis Rosen und hat Gelegenheit eine Manuskriptbroschüre aus dem 15. Jahrhundert zu bestaunen, die Rosen aus allen Blickwinkeln zeigt. Der Rosenroman der Franzosen Guillaume de Lorris und Jean bleibt nicht ausgespart, auch das Stundenbuch der hl. Elisabeth ist ein Thema sowie natürlich auch die Tudorrose. Rosensymbolik all überall, beeindruckend dargestellt und zu bewundern, aufgrund der schönen Bilder im Buch.

Es ist unmöglich, auf alle Blumen näher einzugehen. Die Schwertlilie wurde als Botin Gottes betrachtet und die von mir wegen ihres filigranen Aussehens geschätzten Akeleien als die Blumen der Melancholie. Man lernt immer wieder Buch-Bordüren kennen, auf denen diese Blumen eine Rolle spielen. Dürers Akeleistudie kannte ich bislang noch nicht. Sie stammt aus dem Jahre 1526 und man kann sie in Wien in der Albertina bewundern.

Man lernt Tapisserien mit gestickten Nelken kennen und kann den Kurfürsten Johann den Beständigen von Sachsen mit einem roten Nelkenkranz auf seinem Haupt bewundern, den er offenbar zu seiner Hochzeit trug.

Über Tulpen und deren Geschichte sowie deren Symbolik liest man Wissenswertes und hat Gelegenheit sich in Stillleben mit Tulpen zu vertiefen, bevor jene Blumen thematisiert werden, die mehr meinem Geschmack entsprechen. Gemeint sind Mohn und Pfingstrosen, die schon in der Antike für ihre schmerzlindernde Eigenschaft verehrt wurden, aber auch Goldlack und Levkojen.

Die vielen Abbildungen verdeutlichen, zukünftig bewusster auf die Blumen auf Renaissancebildern zu achten, besonders auf die Blumenwiesen, wie etwa bei Botticelli auf dem Gemälde "La Primavera", doch auch auf Frau Angelos "Noli me tangere".

Dürers "Das große Rasenstück" wird näher erläutert und man liest auch Wissenswertes zur Symbolik der Ringelblume, ferner der Narzissen, Veilchen und Stiefmütterchen und hat die Chance, sich auf Abbildungen einen visuelle Eindruck von dem, was man liest, zu erhalten.

In Hieronymus Boschs "Garten der Lüste" sind Erdbeeren eine Frucht der Versuchung und auf alten Wandteppichen stellen diese Früchte ein Symbol der romantischen Liebe dar.

Letztlich künden Blumen und Früchte in der Renaissance - und das macht dieses Buch deutlich- von der Freude an der Natur und der Begeisterung dafür, deren Geheimnisse zu lüften und sie genau darzustellen.

Ein sehr informatives, vor allem aber sehr schönes Buch.

Empfehlenswert.

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Rezension:Magritte von A - Z (Gebundene Ausgabe)

2011-11-17T13:33:00.001+01:00

"Magritte A-Z" beinhaltet über 200 Meisterwerke des bedeutenden, belgischen Surrealisten René Francois Ghislain Magritte (1898-1967). Die Herausgeber dieses Buches sind Christoph Grunenberg und Darren Pih. Es handelt sich dabei übrigens um den Ausstellungskatalog zur Ausstellung "René Magritte. Das Lustprinzip", die vom 9.11. 2011- 26.2.2012 in der Albertina in Wien gezeigt wird.

Anders als bei üblichen Ausstellungskatalogen gibt es eine Fülle von Texten, in denen der Vielschichtigkeit des Lebens und des Werkes des Malers nachgespürt wird.

Dem Nachschlagewerk von A-Z sind die Abbildungen seiner Werke beigefügt.

Unter dem Buchstaben A findet man u.a. das Wort "Anonymität" und sein Gemälde "Gollconda", 1923. Man erfährt, dass die dort abgebildeten Männer mit Melone im Zusammenhang mit seiner allgemeinen Auseinandersetzung mit der Darstellung von Anonymität, etwa in "Die Liebenden", 1928 stehen, als auch späteren Fassungen des Werks, wo die Gesichter in weiße Tücher gehüllt sind und weiteren Werken, die näher dort benannt werden, (vgl.: S.23.)

Unter dem Begriff "Belgien" liest man u.a. das der Künstler zu der Brüsseler Gruppe von Surrealisten zählte, die sich 1926 gebildet hatte. Was man unter "Surrealismus und Surrealisten" zu verstehen hat, liest man auf Seite 202. Die Brüsseler Surrealisten unterschieden sich von den Pariser Surrealisten und besonders von Breton dadurch, dass sie Musik liebten und sie in Schriften wie "Correspondance"(näheres zum Begriff Seite 52) förderten, (vgl.: S. 203).

Nachdem man die Erläuterungen zu dem Begriff "Bildfragmentierung" gelesen hat, versteht man seine Gemälde "Die Übungen der Akrobatin" und "Die weiße Rasse" besser.

Interessantes auch findet sich unter dem Begriff "Erotik". Magritte assoziierte das Erotische mit einem Ja zum Leben, durch ein intensives Erleben von Lust, die zur Motivation des Schaffens wird, (vgl.: S.66).

Mein Lieblingsbild von Magritte "Die Liebenden" ist im Buch doppelseitig abgelichtet. Die psychologische Deutung auf einer der Folgeseiten finde ich bemerkenswert.

Man liest von der Bedeutung der zumeist nackten "Frauenkörper", die sich in vielseitiger Form durch sein Schaffen ziehen, aber auch von Magrittes Vorlieben im Bereich "Philosophie" und "Poesie".

Es ist ganz unmöglich über alle Begriffe im Buch hier kurz etwas zu sagen. Wie Mosaiksteine fügen sie sich zu einem Bild zusammen, das das Werk Magritte begreifbarer macht.

Auf einem der Bilder sieht man einen Philosophen mit einem Löwen in einem Zimmer. Vielleicht wurde Sibylle Lewitscharoffs aufgrund dieses Bildes von Magritte zu ihrem Roman "Blumenberg" inspiriert. Ich halte dies für sehr wahrscheinlich.

Nicht zu vergessen der Begriff "Lust". Magritte plädierte für eine "Herrschaft der Lust" durch das Vermeiden von Unlust und entsprach damit Sigmund Freuds "Lustprinzip". Dessen Theorie der Sublimierung findet bei Magritte ein Pendant in der Transformation und Metamorphose, (vgl.S.120).

Auf den letzten Seiten hat man übrigens Gelegenheit, sich mit der Kurzbiographie Magrittes zu befassen.

Empfehlenswert.

PS: Das von Amazon gezeigte Titelbild ist nicht idententisch mit dem Titelbild auf dem Buch. Hier werden nämlich "Die Liebenden" gezeigt.

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Rezension:Perugino - Raffaels Meister (Gebundene Ausgabe)

2011-11-15T19:57:00.001+01:00

Dies ist der Katalog zu Ausstellung "Perugino- Raffaels Meister", die vom 13.10.2011 bis zum 15.1.2012 in München in der Alten Pinakothek gezeigt wird.

Neben dem Katalog der ausgestellten Werke und einer mehrseitigen Auflistung der Fakten zu diesem italienischen Renaissancemaler, der der Hauptmeister der sogenannten "Umbrischen Schule" und der Lehrer Raffaels war, beinhaltet dieses Buch fünf Essays, die sich mit diesem Künstler und seinem Werk näher befassen. Bei den Essays handelt es sich um:

"Il Perugino: Ein umbrischer Klassiker in Florenz"- Andreas Schumacher

"Die wahre Methode ihrer Ausführung. Peruginos Landschaften und das Naturideal des Humanismus"- Annette Hojer

"Loggia und Zentralbau. Bildarchitektur im Werk Peruginos"- Jens Niebaum

"Vasari und Perugino. Geschichte einer Verleumdung" Rudolf Hiller von Gaertringen

"Die Immunität Raffaels. Lehre, Nachahmung und Wettstreit in der Begegnung mit Piotro Perugino"-Matteo Burioni

Es führt zu weit, auf die einzelnen Essays näher einzugehen. Im Essay von Anette Hojer, der sich mit Peruginos Landschaften und dem Naturideal des Humanismus befasst, erfährt man u.a. Wissenswertes zur zeitgenössischen Kunstanschauungen, genauer zu Savanarola und zum Florentiner Neuplatonismus.

Erwähnen möchte ich die vielen Fußnoten zu den Essays, die bereits Rückschlüsse auf den wissenschaftlichen Anspruch der Texte zu lassen. Trotz dieses Anspruches sind die Texte allerdings auch für den Laien bestens zu verstehen.

Sehr gut erläutert werden die Gemälde im Katalog, wie etwa "Die Vision des hl. Bernhard", "Büßender hl. Hieronymus", "Hl.Sebastian" und viele andere mehr.

Am meisten beeindruckt hat mich das Gemälde "Christus mit der Dornenkrone", das Perugino zugeschrieben ist. Obgleich müde und leer, trifft der Blick des Gepeinigten den Betrachter, (vgl.: S. 224). Der Blick ermahnt dazu in, sich zu gehen und über das eigene Tun nachzudenken.

Ein gelungener Katalog, empfehlenswert.

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Rezension:50 jüdische Künstler, die man kennen sollte (Broschiert)

2011-11-14T09:25:00.000+01:00

Edward van Voolen stellt in diesem Buch 50 jüdische Künstler aus den letzten 200 Jahren vor. Zunächst allerdings erläutert er sehr aufschlussreich, was man unter dem Begriff "Judentum" zu verstehen hat. Wissen muss man, dass es in der zeitgenössischen Kunst keinen typisch jüdischen Kunststil gibt, sondern dass jüdische Künstler in allen möglichen Kunstbewegungen der modernen pluralistischen Gesellschaft eine wesentliche Rolle spielen, wissen sollte man auch, das im heute erneut aufkommenden Nationalismus und Fundamentalismus prophetische Träume von Frieden und Gerechtigkeit für einige namhafte jüdische Künstler in ihren Bildaussagen von Bedeutung sind, (vgl.: S.14).

Man lernt jeweils ausgewählte Werke der einzelnen Künstler anhand von farbigen Abbildungen kennen. Die Bilder werden textlich sehr gut erklärt. Des Weiteren erfährt man im Rahmen von Kurzbiographien Näheres über die einzelnen Künstler.

Bei den Künstlern handelt es sich um: Moritz Daniel Oppenheim, Solomom Alexander Hart, Jozef Israels, Camille Pissarro, Max Liebermann, Isidor Kaufmann, Maurycy Gottlieb, Lesser Ury, Samuel Hirszenberg, Arnold Schönberg, Otto Freundlich, Maurycy Minkowski, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, El Lissitzky, Ossip Zadkine, Man Ray, Jacques Lipchitz, Reuven Rubin, Chaim Soutine, Jankel Adler, Mordecai Ardon, Issachat Ryback, Ben Shan, Louise Nevelson, Mark Rothko, Felix Nussbaum, Barnett Newman, Lee Krasner, Morris Louis, Charlotte Salamon, Larry Rivers, Nancy Spero, Sol Lewitt, Dani Karavan, R. B.Kitaj, Menashe Kadishman, Zelig Segal, Ilja Kabakow, Jim Dine, Eva Hesse, Moshe Gershuni, Richard Serra, Micha Ullmann, Jonathan Borofsky, Grisha Bruskin, Michal Naaman, Anish Kapoor, William Kentridge und Sigalit Landau.

In wenigen Sätzen wird jeweils zu Beginn der Künstlerporträts versucht, die Geisteshaltung des fokussierten Künstlers auf den Punkt zu bringen. So liest man bei dem von mir hochgeschätzten Max Liebermann(1849-1935) einen Ausspruch, den er 1933 machte als die Nazis durchs Brandenburger Tor marschierten: "Ich kann nicht so viel fressen, wie ich kotzen möchte."

Über den polnischen Künstler Samuel Hirszenberg (1865-1905) liest man, dass er für seine Darstellungen jüdischen Leides bekannt sei und er durch seine Bilder versuchte jüdisches Selbstbewusstsein zu wecken.

Dass Amedeo Modigliani (1884-1920) Jude war, war mir bislang nicht bekannt, wohl aber, dass er einer der bekanntesten Künstler des frühen 20. Jahrhunderts war und wie jüngst an anderer Stelle ebenfalls gelesen, in Montmartre und Montparnasse Künstler aus aller Welt, darunter auch mehrere Juden kennenlernte. Berühmt wurde er übrigens wegen seiner Gemälde und Skulpturen sinnlicher, verführerischer Frauen, deren mutmaßliche jüdische Erotik, ebenso zum jüdischen Selbstbewusstsein, wie auch zur Pariser Moderne passte, (vgl.: S. 53).

Einer meiner Lieblingsmaler, Marc Chagall (1887-1985), wird sehr gut porträtiert. Man erfährt nicht zuletzt auch, dass Chagalls Werk die menschliche Liebe und das jüdische Leben in den "Schtetln" feiert. Bei ihm verbinden lebhafte Farben und abstrakte Formen mit Motiven aus der traditionellen Volkskunst Osteuropas die künstlerischen Höhepunkte seines umfangreichen Oeuvres, (vgl.: S. 57).

Es führt zu weit alle Künstler im Rahmen der Rezension hier kurz zu streifen. Die Werke des in Ausschwitz ermordeten Felix Nussbaum (1904-1998) werde ich demnächst im Rahmen einer Rezension näher beleuchten, denn ich habe bei den Notizen zur weiterführenden Literatur, die jedem einzelnen Porträt beigefügt worden sind, gesehen, dass es einen Ausstellungskatalog zu seinen Werken gibt. Seine Werke spiegeln seine persönlichen Erfahrungen von Exil und Flucht, Ausschluss und Einsamkeit, Tod und Zerstörung wieder, (vgl.:93). Er soll wie kaum ein anderer die Vorahnung des Grauens ausdrucksstark dargestellt haben.

Die Marginalisierung und Verfolgung des jüdischen Volkes und schließlich die Ermordung von sechs Millionen Juden durch die Nazis spiegeln sich natürlich in den Bildern jüdischer Maler bis ins Heute wieder, in den Farben und in den Formen, in dargestellter Ohnmacht, Melancholie und Depression. Nur bei Chagall ist alles anders. Er lässt seine Menschen tanzen und sich in die Lüfte steigen, lässt sie schweben und fliegen. Er feiert der Realität zum Trotz auf seinen Bildern die menschliche Liebe und war in meinen Augen nicht nur ein begnadeter Maler, sondern auch ein unglaublicher Hoffnungsträger.

Empfehlenswert.

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Rezension:Havanna - Michael Eastman

2011-11-11T18:58:00.002+01:00

Der Fotograf Michael Eastman hat gemeinsam mit der Autorin Achy Obejas und der Fotografiekritikerin Vicki Goldberg diesen traumhaften Bildband mit Impressionen von Havanna auf den Weg gebracht.

Achy Obejas hat das Vorwort verfasst. Hier schreibt sie eingangs, dass sie gleich beim ersten Mal, als sie auf Eastmans Fotos stieß, von "der Stille und den Geistern" dort beeindruckt war. Die kubanische Hauptstadt Havanna wurde 1515 gegründet und wirkt laut Obejas in Eastmans Bilderwelten abwechselnd wie Madrid, Sevilla, Paris, Leningrad, Harlem, Lagos und Beirut. Dem kann ich nur bepflichten.

Der Fotograf durchstreifte auf vier Reisen zwischen 1999 und 2010 die Insel, öffnete mit "Charme, Bitten und Geld" die Türen, die ihm an sich nicht offen standen und "hielt mit seiner Kamera die Zeit an".

Vicky Goldberg schreibt zum Ende des Buches in ihrem Essay, dass die exquisit verfallenen Räume nicht nur vom Geschmack oder der Klasse der einstigen Bewohner erzählen, sondern auch vom Sturz der Erfolgreichen und Reichen durch die Revolution und der Tatsache, dass das Land anschließend von seinen sowjetischen Unterstützern im Stich gelassen und von den USA boykottiert worden sei. Dennoch begreift Eastman seine Bilder als unpolitisch: "Wahrscheinlich, weil ich kein Recht habe, ein politisches Statement abzugeben. Ich verstehe die Fotografie vom Herzen her, nicht vom Kopf, und je weniger Wirrwarr, desto freier fühlt mein Herz",(Zitat: S.130).

Goldberg weist darauf hin, dass die leidenschaftliche Liebe der Menschen Havannas zu Farben- als könnten große Mengen von Grün und Türkis, Rot, Blau und Mattgold die Seele nähren - ein unverzichtbarer Teil ihrer Geschichte sei. Sie zitiert Eastmann, der erklärt, es gäbe wenig Wandfarbe in Kuba. Aus diesem Grunde werden die Wände nicht gestrichten. Die Farbe sei nicht selten fünfzig Jahre alt. Schön seien die Farbtöne, weil sie unberührt geblieben sind und die Lage am Meer, Salz, Feuchtigkeit sowie die grelle Tropensonne wirkten auf die verschiedenen Schichten, die allmählich von Wind, Wasser, Sonne, Zeit, Zufall und Menschenhand freigelegt werden, (vgl.: S.131). Auch das stimmt.

Es führt zu weit, den ganzen Essay inhaltlich wiederzugeben. Gesagt werden kann, dass man die Bilder besser begreift, wenn man den Essay gelesen hat.

Das schöne Morbide kennt man in anderer Form auch aus Venedig oder im Herbst, wenn die Blätter fallen. In Havanna ist der Verfall enorm fortgeschritten. Man bangt bei jedem Foto, ob der nächste Tag nicht schon das Ende für einen der abgelichteten Räume bedeutet. Ich zwinge mich, alle Bilder unpolitisch zu betrachten und mich ausschließlich am morbiden Schönen zu ergötzen. "Alles Vergängliche ist nur ein Gleichnis". Goethe hat Recht, wie so oft.

Auf einem der ersten Bilder sieht man einen herrschaftlichen Raum, die Farbe an den Wänden ist abgeblättert. Eine chinesische Porzellanvase wirkt beinahe neu. Ob der Raum noch bewohnt ist, bleibt offen, wie bei den meisten der gezeigten Räume, allerdings lassen einige Kleinigkeiten darauf schließen, dass es Bewohner gibt. Wie viel kubanische Musik muss man hören, um den abblätternden Putz und den Schimmel nicht mehr zu sehen?

Nein, es hat mich nicht belustigt, die frisch gewaschene Wäsche in einem heruntergekommenen Salon hängen zu sehen, an dessen Decke ein schwerer, kostbarer Lüster prangt. Erneut fällt mir Goethes Sentenz ein: "Alles Vergängliche ist nur ein Gleichnis".

Etwas Neues entsteht nur dort, wo das alte absolut tot ist. Hier in Havanna ist es nicht tot, es vegetiert, kann nicht sterben, sondern verfault und verwest am lebendigen Leib. Alle Bilder mache das deutlich.

Es fällt mir schwer, mich an der morbiden Schönheit zu weiden. Ich gebe zu, ich kann es nicht. Der Verwesungsprozess ist eine Zumutung für die Bewohner.

Wer wohnt heute in diesen alten Patriziergebäuden? Die Häuser sind vermutlich bewohnt, man ahnt es aufgrund von Kleinigkeiten (Blumen, Bücher, Schallplatten) auf den Bildern. Lieben die Menschen ihre Stadt? Würden sie lieber die morbide Pracht, durch neue zeitgemäße Häuser ersetzen, wenn sie die Mittel dazu hätten? Was sind die Reichen dieser Welt dem Weltkulturerbe schuldig? Fehlt ihnen die Liebe, um für den Erhalt der alten Gebäude zu kämpfen?

Empfehlenswert.

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Rezension: Surrealismus in Paris (Gebundene Ausgabe)

2011-11-08T22:08:00.008+01:00

Vor mir liegt der Ausstellungskatalog zur gleichnamigen Ausstellung "Surrealismus in Paris", die vom 2.10.2011 bis zum 29.1.2012 in der Fondation Beyeler, Riehen in der Schweiz gezeigt wird.

Das Buch enthält eine große Anzahl aufschlussreicher Essays und Texte von Kennern des Surrealismus, wie etwa Philippine Büttner, Julia Drost und Marlene Schneider. Es erklärt umfassend, was man unter dem Begriff Surrealismus zu verstehen hat und wartet mit über 100 Meisterwerken aus berühmten Museen und Privatsammlungen auf.

Sehr lesenswert finde ich den Essay "Wenn Bilder die Welt verändern könnten" von Robert Kopp. Hier auch liest man, das André Breton immer wieder betont hat, dass der Surrealismus eine Antwort auf den ersten Weltkrieg gewesen sei, den Ersten und den Zweiten, (vgl.: S.23). In diesem Essay thematisiert er Kunst und Politik und Kunst und Revolution, aber auch Kunst und Exil, denn Breton hat fünf Jahre im amerikanischen Exil zugebracht. Hier fühlte sich der Begründer des Surrealismus sehr isoliert. Seine wohl wichtigste Stütze war Peggy Guggenheim, für die er unter dem Titel "Art of The Century" den Katalog ihrer Sammlung erstellte, für die sie unter dem gleichen Namen am 20 Oktober 1942 in New York mit einer Galerie kombiniertes Museum eröffnete, (vgl.: S26).

Man liest hier über die Manifeste des Surrealismus, gemeint sind neben Flugblätter, offene Briefe und Pamphlete, eine typische Gattung der Avantgardebewegung. Breton hat einige Manifeste verfasst, die die Grundlage seiner Poetik, seiner Kunsttheorie und Lebensphilosophie bilden. Kopp berichtet Wissenswertes über die einzelnen Manifeste und man hat sogar Gelegenheit in das handschriftliche Original des 2. Manifests Einblick zu nehmen.

Man lernt die berühmte Illustration aus Bretons "Nadja" kennen. Eine Schlange möchte vier Augen und zwei Herzen verschlingen. Ein Rezensent schreibt in seiner Rezension zu Nadja (Bibliothek Suhrkamp): "Die Phantasie bezwingt die Wirklichkeit, sie zwingt sie, über sich hinauszugehen; sie ist das Jenseits im Diesseits." Genau das kommt in dem Bild zum Ausdruck. Wer ist die Schlange? Ist sie die Phantasie?

Lesenswert auch ist der Essay von Oliver Wick zu Joan Miro und beeindruckend sind die Bilder Miros im Buch. Man erfährt, dass Miro eine gespaltene Haltung zu Bretons Bewegung einnahm. Das wird durch die Realität des Bildes deutlich, die kämpferisch gegen die surrealistische Vereinnahmung antritt, (vgl.: S.56).

Marlen Schneider schreibt in ihrem Essay Erhellendes zu Max Ernst. Die Gemäldeablichtungen im Buch finde ich sehr beeindruckend, besonders "Lecons obsures", 1929, ein Bild, das ich bislang noch nicht kannte.

Es führt zu weit, auf alle Künstler im Buch einzugehen und alle Essays inhaltlich zu durchstreifen, geschweige denn, den Versuch unternehmen zu wollen, alle Bilder und Objekte hier zu interpretieren. An anderer Stelle interpretierte ich bereits Dalis "Objet scatologique à fonctionnement", ein Objekt, das auf mich sehr inspirierend wirkt.

Man lernt Wissenswertes zur Sammlung Simone Collinet durch den Essay von Julia Drost kennen, wird auch mit den entsprechenden Gemälden vertraut gemacht und kann sich dann in die Sammlung Peggy Guggenheim vertiefen, über die man in dem Essay Philipp Ryland aufgeklärt wird. Sehr beeindruckt bin ich hier von Paul Delvauy "Laurore", auch von Picassos "Composition au Minotaure", der den erotisierten Mann in seiner ganzen Hilflosigkeit vortrefflich darstellt.

Gemälde des von mir hochgeschätzten Renè Magritte sind auch dabei. Ulf Küster meint diesbezüglich, dass Magrittes Botschaft möglicherweise in dem Gedanken, alle Kunst sei surreal, bestanden habe.

Ich staune über die Vielfalt der Sammlung Peggy Guggenheim, darunter auch eines meiner Lieblingsbilder von Sali "Métamorphose de Narcisse". Das Gemälde wird von Philippe Büttner hervorragend beschrieben.

Zum Schluss hat man Gelegenheit sich in den Essay "Die Ausstellung als Werk" von Annabelle Görgen zu vertiefen und sich des Weiteren mit der Schmucksammlung CLO Fleiss zu befassen, wie auch sich durch die Chronologie des Surrealismus einen sehr guten Überblick über diesen zu verschaffen.

Der Katalog begeistert mich so sehr, dass ich am liebsten sofort in die Schweiz reisen möchte, um die Originale zu bewundern.

Empfehlenswert.

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Rezension:Frauen in Gold - Musen und Modelle des Malers Gustav Klimt (Gebundene Ausgabe)

2011-11-05T23:58:00.001+01:00

Dr. Dörthe Binkert ist die Autorin dieses wirklich gelungenen Buches mit dem schönen Titel "Frauen in Gold", das sich mit den Musen und Modellen des Malers Gustav Klimt befasst. Bei diesem Buch handelt es sich um das dritte Buch zum Thema Klimt, das ich rezensiere. Es enthält die qualitativ bislang besten Abbildungen und zudem hervorragende textliche Betrachtungen, die mit der Einleitung "Eine Welt voller Frauen" ihren Anfang nehmen.

Klimt malte Frauen, doch wir wissen nicht, ob er sie auch liebte, denn er hat sich dazu nie geäußert. Begehrt hat er sie, verrät uns Dr. Binkert. Vielleicht blieb er deshalb Junggeselle..., müßig darüber nachzudenken. Fest steht, dass er in der Wahrnehmung und in seinen Darstellungen des Weiblichen einen Nerv getroffen hat, weil sich ansonsten die Frauen von heute schon lange nicht mehr für die Bilder Klimts interessieren würden, (vgl.: S.13)

Die Autorin berichtet zunächst über das Leben des am 14. Juli 1862 in Wien-Baumgarten geborenen Künstlers, der gemeinsam mit anderen Neuerern in der österreichischen Kunstszene 1897 die "Wiener Session" gründete. Klimt war zu Lebzeiten bereits ein hochbezahlter Künstler. Für seine Porträts erhielt er

10 000 Kronen, wobei (nur zur Veranschaulichung) eine Villa mit Inventar 40 000 Kronen kostete, (vgl.: S.16).

Ich sehe davon ab, die Biographie Klimts an dieser Stelle in Kurzform wiederzugeben, sondern möchte mich stattdessen lieber mit seinen Musen und Modellen befassen.

Dr. Binkert schreibt, dass Klimts erotische Attraktivität, die er offenkundig besaß, eine Steigerung dadurch erfuhr, dass sich bei ihm Kraft und Männlichkeit mit Sensibilität und Raffinesse verbanden, (vgl.: S.39). Wie auch immer, Klimt wurde von dem liberalen Bürgertum, speziell den Damen nicht nur seines künstlerischen Könnens wegen hochgeschätzt und er hielt seine Mäzeninnen, Sammlerinnen und Musen in repräsentativen Bildnissen fest.

Die wichtigste von allen war Emilie Flöge, von der auch Fotos vorliegen und über die man Näheres im Buch erfährt, so auch über das Bildnis aus dem Jahre 1902, das sie selbst nicht mochte.

In der Folge lernt man sowohl textlich, vor allem aber auf Bildern seine Mäzeninnen und Auftraggeberinnen kennen und wird Kapitel für Kapitel mit wunderschönen Damen vertraut gemacht.Ob dieser Künstler sie "alle hatte", will ich gar nicht wissen, kann es mir aber vorstellen.:-))

Zwischendrin erfährt man, dass Klimt eine Unzahl von Aktzeichnungen hinterlassen hat, die Frauen in provozierender Nacktheit und intimsten Posen zeigen. Die Autorin vermutet, das Klimt sich mit unersättlicher Neugierde in den weiblichen Körper und seine Erogenität hineinzuversetzen versucht habe, so als könne dieser große Erotiker in unbegrenzter Weise die männliche und weibliche Lust gleichzeitig genießen, in Besitz nehmen und sich hineinbegeben, (vgl.:S.86).

Sehr aufschlussreich schildert Dr. Binkert die einzelnen Gemälde, natürlich auch die grausam Schönen, wie "Judith I." nebst ihrer vernichtenden Seite der Weiblichkeit.

Klimts namenlose Modelle aus der Wiener Vorstadt und seine erotischen Gemälde und Zeichnungen bleiben nicht ausgespart, auch die Nixen und Wasserschlangen und all die anderen bezaubernden Frauengemälde nicht.

Im zehnten und letzten Kapitel lernt man nicht nur das berühmte Gemälde "Der Kuss" näher kennen, sondern auch das wundervolle Allegoriebild "Diesen Kuss der ganzen Welt". Dieses Bild beeindruckt mich am meisten, weil es am aussagekräftigsten ist. Hier übersteigt die Liebe den einzelnen in seiner Individualität, hier ist die Liebe ein Menschheitsgeschehen, (vgl.:S.146).

Eine wahre Freude für Liebhaber schöner Bilder und eloquenter Kunstinterpretationen.

Empfehlenswert.

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Rezension: Max Beckmann: Landschaften (Gebundene Ausgabe)

2011-10-31T21:35:00.001+01:00

Dieses Kunstbuch ist der Katalog zur gleichnamigen Ausstellung "Max Beckmann- Die Landschaften", die vom 4.9.2011 bis zum 21.01.2012 gezeigt wird.

Das Buch enthält neben diversen Essays unterschiedlicher Verfasser 147 Abbildungen, davon sind 117 farbig.

Gleich zu Beginn sind alle Leihgeber der ausgestellten Exponate aufgelistet, dann folgt ein Vorwort des Direktors des Kunstmuseums Bernhard Mendes Bürgi, der den Leser wissen lässt, dass Beckmanns künstlerische Entwicklung sich in den Landschaftsbildern in Reinform zeigt.

Folgende Essays warten auf den Leser:

Hans Belting - Biografie und Landschaft

Eva Demski- Max Beckmanns Nizza in Frankfurt am Main

Nina Peter - Heimatgefühl im Kosmos- Naturereignisse in den Landschaften Max Beckmanns

Beatrice von Bormann- Landschaften des Exils- Max Beckmanns niederländische Jahre 1937-1947

Mit besonderem Interesse habe ich den Essay von Eva Demski gelesen, die ich vor vielen Jahren Gelegenheit hatte, in Kelsterbach persönlich kennenzulernen, als sie sich dort für den damaligen Stadtschreiber beeindruckend und mutig engagierte. Sie berichtet in ihrem Essay davon, dass Beckmann 1925 das Meisteratelier an der Städelschule leitete, bis ihn die Nazis 1933 vertrieben. Demski übermittelt Hintergrundwissen zu Beckmanns Gemälde "Das Nizza in Frankfurt am Main".

Es handelt sich bei diesem Motiv um ein Stück Mainufer, das die Frankfurter seit 1875 "Nizza" nannten. Demski beschreibt das farbenprächtige Bild sehr gut und konstatiert "Es ist klar, dass die Nazis Bilder wie diese gehasst haben, ein Augenfest, ein für immer festgehaltenes Stück Lebendigkeit, wie es strahlender nicht sein könnte. Es ist der Glanz der Alltäglichkeit, die Festlichkeit und die Würde des kleinen, gewöhnlichen Lebens, die Beckmann so wunderbar hinkriegt. Das können Diktatoren nicht ausstehen", (Zitat: S.24). Die Essayistin gelangt schließlich nach längeren Ausführungen zum Ergebnis, dass alle, die Beckmanns Gemälde mit dem Herzen anschauen, begreifen, was das Essentielle ist: "Ein ganz normales Fleckchen Erde wird einzigartig, ein Frühlingstag vor neunzig Jahren leuchtet. Wie kostbar sie sind, die ganz normalen Fleckchen Erde und die Frühlingstage!" (Zitat: S.25).

Im Katalogteil der ausgestellten Werke, der den Essays folgt, sind die Einführungstexte von Nina und Maren Stotz sehr lesenswert und machen die Bilder begreifbarer.

Eines meiner Lieblingsgemälde ist das von Eva Demski fokussierte "Das Nizza in Frankfurt am Main, 1921", allerdings beeindrucken mich Beckmanns Süd-Frankreich-Gemälde ebenfalls sehr, vielleicht der mediterranen Farbgebung wegen. Eines meiner Lieblingsbilder trägt den Titel "Strand mit Booten an der Reviera", 1938, doch auch das Gemälde "Monaco", 1939 macht deutlich, wie sehr der Künstler von den Farben des Südens beeindruckt war.

Lesenswert ist übrigens die Kurzbiografie zum Ende des Buches. Hier lernt man das "Selbstbildnis Florenz", 1907, kennen und hat Gelegenheit diverse Fotos zu betrachten, auf denen man auch Beckmanns hübsche Frau bewundern darf.

Die Bilder im Katalogteil sind qualitativ hervorragend und das Buch in seiner Gesamtheit ein Hochgenuss.

Empfehlenswert.

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Rezension:Preußischer Bilderbogen (Gebundene Ausgabe)

2011-10-29T09:28:00.002+02:00

Nächstes Jahr feiern wir den 300. Geburtstag Friedrichs des Große von Preußen. Aus diesem Anlass werde ich einige Bücher, die sich mit ihm und mit Preußen generell befassen, demnächst rezensieren.

Beginnen möchte ich mit Rainer Ehrts "Preußischer Bilderbogen". Ehrt ist 1960 in Elbingrode im Harz geboren, absolvierte in Halle an der Hochschule sein Studium für Kunst und Design und erhielt als Cartoonist sowie als Illustrator zahlreiche renommierte Preise und zwar weltweit.

Im vorliegenden Buch lernt der Leser die Geschichte Preußens kennen und zwar häppchenweise, jeweils mit den wunderschönen, dabei witzigen und hintergründigen Illustrationen des Künstlers verquickt.

Nach einem aufschlussreichen dreiseitigen Text, der offenbar das Vorwort ersetzen soll und in dem man auch erfährt, dass der Name Preußen vom baltischen Volksstamm der Pruzzen herrührt, liest man u.a. Näheres über die Wurzeln der preußischen Tugenden, die in dem preußisch-calvinistischen Arbeitsethos begründet liegen, verbunden mit "vergottenen Soldatentugenden von Selbstlosigkeit, Pflicht, Dienstbeflissenheit und lustvollem Gehorsam".

Wir erfahren hier weiter, dass letztlich von diesen Preußen der Entdeckergeist der Humboldts, die Philosophie Kants, Hegels, Schleiermachers und Fichtes, die schöne Literatur Hoffmanns, der Arnims, Kleists, Fontanes und der aufklärerische Geist Moses Mendelssohns, Ossietzkys und Tucholskys geblieben sei und doch zeigt Rainer Ehrt all das andere auch, vor allem die Persönlichkeiten, zu denen man stets etwas Charakteristisches erfährt.

Über den Soldatenkönig Friedrich Wilhelm I., den Vater des Geburtstagskindes, gibt es nichts Gutes zu berichten. Künstler, Gelehrte und Schriftsteller nannte er "Salbader" oder "Narren". Die Illustrationen, die diesen König zeigen, lassen erkennen, wie man den Herren einzuschätzen hat.

Die langen und kurzen Kerls lernt man kennen, bevor die Sprache auf den jungen Friedrich kommt und hier natürlich auch auf das Drama mit Katte. Friedrich war nicht nur ein Philosoph und erster Diener seines Staates, sondern auch ein Mensch, der seine Künstlerfavoriten förderte. Er war ein Preuße, der alle Facetten des Preußentums in sich trug. Das auch übermittelt Ehrt durch seine Illustrationen. Sehr schön ist die Darstellung der Tafelrunde in Sanssouci und das doppelseitige Bild von Friedrich den Großen und Voltaire beim Schachspiel.

Friedrich der Große und Bach werden textlich und visuell thematisiert, auch Friedrichs Flötenkonzerte in Sanssoussi aber auch der Erlass im Hinblick auf das Kaffeetrinken.

Es folgen weitere geschichtlich interessante Momente. Man liest über Johann Gottfried Schadows "Quadriga" auf dem Brandenburger Tor. Man liest des Weiteren Anekdotisches darüber, wie Mozart in Potsdam weilte und über Luise von Preußen erhält man einen nicht uninteressanten Eindruck. Sehr bezeichnend ist der Satz und die daran anschließenden Fragen: "Luises Bild- nach frühem Tod scheinbar ewig jung- schillerte, phosphoreszierte und irrlichterte in allen Regenbogenfarben durch die deutsch-preußische Geschichte. Bürgerkönigin? Märtyrerin? Preußische Madonna?". Ich finde die Illustrationen im Hinblick auf diese Frau mehr als gelungen und überaus aussagekräftig. Sie beantworten die Fragen auf subtile Weise.

Es ist unmöglich, die einzelnen Bilder hier alle zu benennen. Die Texte dazu sind so brillant, wie die Bilder selbst und vermitteln spielerisch preußische Geschichte. Über die Salondamen wird man aufgeklärt, über den Vormärz, über Schinkel und seine Werke, auch Fürst Pückler kommt zur Sprache, ein Bild von der fiktiven preußischen Philosophenschule: Kant, Schopenhauer, Humboldt, Marx, Engels, Feuerbach, Fichte etc. lauschen aufmerksam einem Lehrer, nur Nietzsche ist in die Ecke verbannt. Ob der Lehrer gute Gründe hatte ihn abzustrafen, sei dahingestellt.

Preußisches Kriegsroulette wird visualisiert, Bismarck sowie Versailles 1871 werden nicht vergessen und Heinrich Mann und sein "Untertan" werden fokussiert, doch auch die Künstler Liebermann, Kollwitz und Zille.

Schön, dass man einen Originaltext von Kurt Tucholsky lesen darf, der sich 1922 in einem Zeitungsarikel gegen die Monokelpotentaten ausspricht und den Preußen zuruft: "Ihr sollt nicht strammstehn. Ihr sollt nicht dienen. Ihr sollt frei sein. Zeigt es ihnen."

Ein tolles Buch, das Preußen nicht glorifiziert, sondern die Protagonisten so zeigt wie sie waren. Gewisse Urteile werden dem einen oder anderen nicht schmecken. Mir schon.

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Rezension:Tafelfreuden in der Kunst: 38 Werke aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien (Gebundene Ausgabe)

2011-10-19T19:52:00.002+02:00

Dieses reich bebilderte Kunstbuch des Autors Daniel Uchtmann enthält Abbildungen von 38 Werken aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien. Das Vorwort hat die Generaldirektorin Sabine Haag verfasst.

In der kurzen Einleitung erfährt man, worum es in dem Buch generell geht, auch, dass Essen und Trinken ein universales Thema in der Kunst ist und eine lange Tradition hat, die bis zu den frühesten kreativen Äußerungen der Menschheit zurückreicht. Es wird erläutert, welche Bedeutung Marktbilder haben, welche Botschaft eine üppige Anhäufung von kostbaren Gegenständen auf einem gedeckten Tisch vermitteln und welche Symbolik die in diesem Buch behandelten Gemälde, Gefäße und Tischgeräte aus der reichhaltigen Sammlung des Kunsthistorischen Museums in Wien grundsätzlich haben.

Das Buch ist in fünf Kapitel untergliedert. Diese tragen folgende Titel:

Auf dem Markt

Fleisch und Herd

Der gedeckte Tisch

Die Festtafel

Nur Augenschmaus

Die einzelnen Bilder werden jeweils als Gesamtbild gezeigt und es wird des Weiteren stets ein Bildausschnitt fokussiert. In den die einzelnen Bilder begleitenden Texten werden besagte genau beschrieben und die Bildinhalte auf ihren Symbolgehalt untersucht.

Die Bilder stammen von Malern wie etwa Joachim Bueckelaer, Maerten van Cleve, Jan Brueghel d. Ä., Georg Flegel, Cornelis de Heem, Pieter Bruegel d. Ä..

Den jeweiligen Textüberschriften kann man bereits entnehmen, worum es bei den Bildinhalten geht. Ich nenne, damit Sie einen Eindruck erhalten, fünf Überschriften. "Zwischen Himmel und Hummer", "Wenn Götter speisen", "Brennpunkt Wirtshaus", "Der Luxus der Symbolik" und "Beflügelte Opulenz".

Besonders beeindruckt hat mich das Bild mit dem Titel "Frühstücksstillleben" von Cornelius de Heem. Es handelt sich dabei um ein Gemälde, das typisch ist für das Barockzeitalter, denn die dargestellte Sinnesfreude und Lebenslust enthält auch eine belehrende Einschränkung, indem auch ein Symbol der Endlichkeit des eigenen Lebens eingebaut ist und zwar mit der Mahnung der Pflege des Geistes mehr Gewicht zu verleihen als der Befriedigung der körperlichen Genüsse.

Im letzten Kapitel werden kunstvolle Gefäße und Tischgeräte gezeigt u.a. ein Tischbrunnen aus Bergkristall in Gestalt eines Löwendrachens. Offenbar wurde dieser Tischbrunnen, der Mitte des 17. Jahrhunderts gestaltet worden ist, nie benutzt. Man erfreute sich an der bloßen Idee und der theoretischen Möglichkeit, (vgl.: S. 106).

Ein schönes, informatives Buch, das ich gerne empfehle.

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Rezension:Sequentially Yours (Gebundene Ausgabe)

2011-10-09T20:30:00.002+02:00

Der 1928 geborene Fotograf Elliott Erwitt zeigt in diesem Buch eine Serie unterschiedlicher Charakterszenen. Diese bestehen jeweils aus einer schnellen Folge von Einzelaufnahmen.

Das Vorwort zum Buch hat Marshall Brickmann verfasst. Es wurde genau wie die Kurzbiografie in 5 Sprachen wiedergegeben und zwar in Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch und Italienisch.

Die Bilder sind Schwarz-Weiß-Aufnahmen und erzählen kleine Geschichten. Zu Beginn wird man mit zwei Aufnahmen (1961) konfrontiert, die bei mir sofort Entsetzen auslösten. Auf dem ersten Foto sieht man ein Paar, das Rock "n" Roll tanzt, in schneller Bewegung. Der Tänzer hält die Tanzpartnerin an den Füßen und dreht sich mit ihr im Kreis. Gelangweilt schaut das Publikum zu. Auf dem 2. Bild liegt die Frau - ist sie tot? - auf der Tanzfläche. Sie ist dem Tänzer aus den Händen geglitten. War sie zu schwer? Die Frau auf dem Boden, deren pralles Gesäß man sehen kann, dürfte gut 85 Kilo wiegen. An einem solchen Schwergewicht kann man sich leicht überheben. Hier hat sich der Tänzer eindeutig überschätzt. Frauen sollten sich genau überlegen, welchen Männern sie sich beim Tanzen und überhaupt anvertrauen. Nicht alle haben wirklich starke Arme.

Sehr schön ist eine Bilderfolge, bestehend aus drei Bildern, die eine junge Bikinischöne und einen ebenso jungen Mann an einem Strand in Brasilien zeigen. Die Bilder entstanden 1990. Thema ist ein kleiner Flirt im Vorbeigehen, bei dem beide zum Schluss sehr amüsiert sind. Worüber mögen die beiden sich kurz ausgetauscht haben. Man ahnt es:-))

Es ist unmöglich im Rahmen der Rezension alle Bilder in Augenschein zu nehmen. Ich werde einige, die ich besonders interessant finde, hervorheben. Etwas sonderbar scheint mir eine Bilderserie, die eine sehr spießig aussehende ältere, betont rechthaberisch anmutende Frau am Meer zeigt, die einen kleinen Jungen zum Schwimmen auffordert. Er tut, was die hässliche Alte ihm heißt und ist nicht mehr zu sehen. Ist er ertrunken oder hat ihn eine gute Fee vor dieser Alptraumtante gerettet?

Sieben Momentaufnahmen Marilyn Monroes beim Dreh "Das verflixte siebte Jahr", die sie zeigen, wie am Luftschacht ihr Kleid nach oben geblasen wird, gefallen mir sehr gut, weil die Schönheit dieser Frau in jeder Pose sichtbar wird, ähnlich wie die Schönheit Che Guevaras, die man auf den Folgeseiten bewundern kann. Beide Personen hatten viel Sexappeal. Gemeinsam wären sie optisch unschlagbar gewesen, einzeln wurden sie letztlich zu tragischen Gestalten des 20. Jahrhunderts, denen vieles aber nicht das Wesentliche geschenkt wurde. Dies ist das Schicksal fast aller schönen Menschen.

Eine Frau und ein Mann 1958 in New York an einer Bar. Sie ist gelangweilt, raucht, flirtet mit einem unsichtbaren Dritten, während ihr Begleiter sich angeregt mit einem Mann (vermutlich über Geschäfte) unterhält. Als ihr Begleiter sich ihr zuwendet, konzentriert sie sich visuell ganz auf ihn. Ihre Körperhaltung allerdings spricht eine andere Sprache...

Beeindruckend auch ist die Bilderserie, die einen Pfarrer im Beichtstuhl zeigt, aufgenommen in Italien im Jahre 2002. Der Pfarrer wirkt beim Hören der zugeflüsterten Sünden sehr gelassen. Die Sünden können demnach keine schweren Verstöße gewesen sein. Vermutlich hat die Sünderin ein paar Mandelplätzchen genascht.:-))

Irgendwo in Griechenland trinkt ein älterer Herr eine Tasse Kaffee und geht. Er hat auf niemand gewartet, sondern einfach den Augenblick genossen. Dieses Genießen des Moments, im Bewusstsein, dass das Leben aus vielen unterschiedlichen Momenten besteht, macht möglicherweise die Botschaft des Buches aus.

Empfehlenswert.

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Rezension: Michael Apitz- Rheinreise

2011-10-03T23:06:00.008+02:00

Der in Eltville/Rheingau geborene Künstler Michael Apitz stellt in diesem beeindruckenden Kunstband Ablichtungen seiner Werke vor, die Landschaftsmotive aus dem mittleren Rheintal zum Thema haben. Dieser Abschnitt des Rheines ist seit 2002 von der UNESCO zum Weltkulturerbe anerkannt.

Apitz schlägt mit seinem Stil eine Brücke von der Romantik zur Moderne. Die Originale dieser Bilder sind, wie man dem Bildnachweis entnehmen kann, zumeist Acryl- Gemälde auf Leinwand, doch es zählen auch einige wenige Tuschezeichnungen dazu.

Die beinahe abstrakten Bilder in primär Blau-, Rot-, Grün- aber auch Grautönen zeigen u.a. die Loreley, den Ehrenbreitenstein, das Rheintal, das Binger Loch, den Höllenberg und andere Glanzlichter der Rheinromantik.

Zu Beginn des Buches hat man Gelegenheit auf eine Landschaftsskizze die wichtigsten Orte des mittleren Rheintals kennenzulernen und dadurch nachzuvollziehen, wo in etwa die Bilder entstanden sind.

Diesen Bildern sind Prosatexte und Gedichte namhafter Schriftsteller und Dichter beigefügt, die der Region, welche Apitz auf seinen Werken festgehalten hat, textlich huldigen.

Gedichte von Heinrich Heine, Clemens von Brentano, Rosa Ausländer, Joseph von Eichendorff, Erich Kästner, Karl Valentin und Ulla Hahn befassen sich mit dem Loreleyfelsen, den Apitz auf zahlreichen Bildern in stets anderen Farben und Perspektiven abstrakt, doch für den Kenner noch wahrnehmbar, künstlerisch darbietet.

Wenn es um die alte Sage der Loreley geht, gefällt mir noch immer die entsprechende Ballade von Clemens Brentano am besten und ich finde, dass dieser romantische Text sich sehr gut mit dem Bild des Loreleyfelsens von Seite 37 ergänzt, vielleicht der intensiv roten Farbe wegen, vielleicht auch, weil hier Gegensätzliches aufeinanderprallt und für Aufregung sorgt.

Ein zauberhaftes Triptychon mit dem Titel „Weinlandschaft“ wird von einem Vers Friedrich Hölderlins begleitet. Fast hat man den Eindruck, dass der Künstler von diesem Text inspiriert wurde als er das Triptychon malte.

„Am Rhein

Seliges Tal des Rheins! Kein Hügel ist ohne den Weinstock,

Und mit der Traube Laub Mauer und Garten bekränzt,

Und des heiligen Tranks sind voll im Strom die Schiffe

Städt und Inseln, sie sind trunken von Wein und Obst.“

Es folgen Gedichte und Prosatexte wie z.B. "Der Rabbi von Bacharach", der die "Wernerkapelle" textlich begleitet. Man hat die Gelegenheit "Die Sage von der Teufelsleiter bei Lorch" und von dem "Mäuseturm von Bingen" nachzulesen und auf diese Weise die Farbgestaltung der entsprechenden Motive besser zu verstehen.

Von all den Bildern des Künstlers im Buch habe ich mich am meisten in ein Acrylgemälde verliebt, welches er 2011 malte und das er „Rheintal“ (S. 94) nennt. Nichts lenkt farblich ab von dem Fluss, der eine große Vergangenheit und hoffentlich eine ebenso große Zukunft hat.

Empfehlenswert.

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Rezension:Der Petersdom: Mosaike - Ikonografie - Raum (Gebundene Ausgabe)

2011-10-03T09:43:00.002+02:00

Dieser beeindruckende Bildband zum Petersdom in Rom zeigt in eigens neu fotografierten großformatigen Farbabbildungen alle Mosaike des wichtigsten Bauwerks der Christenheit im Detail.

Vorliegender Band über die Vatikanische Basilika in der Reihe "Monumenta Vaticana Selecta" wurde vom Herausgeber, die Fabbrica di San Pietro, Seiner Heiligkeit Papst Benedikt XVI. anlässlich dessen 60. Jahrestag der Priesterweihe gewidmet. Es geht dabei darum, den ikonografischen Reichtum des Petersdoms darzustellen und dem Leser neue Erkenntnisse diesbezüglich zu vermitteln.

Das Buch enthält neben einem Vorwort von Angelo Comostri, eine umfangreiche ikonographische Übersicht und acht Kapitel mit den Titeln:

-"Der heilige Raum der Basilika St. Peter" - Christof Thoenes

-"Ein ikonografischer Rundgang durch die Basilika St. Peter" - Die künstlerische und spirituelle Botschaft der Mosaike- Vittorio Lanzani

-"Das Mosaikdekor der Hauptkuppel" - Gabriele Mattiacci

-"Die christologischen Bilder" - Assunta die Sante

-"Die Marienbildnisse im Mosaikdekor der Basilika" - Simona Turrziani

-"Das Bild des hl. Petrus in der Basilika" - Pietro Zander

-"Märtyrer und Heilige" - In Verehrung am Grab Petri- Antonio

Grimaldi

"Maler und Mosaizisten vom 16. Bis 21.Jahrhundert in der Fabbrica die San Pietro" - Assunta di Sante

Im ersten Kapitel erhält man einen Überblick über die komplexe Baugeschichte des Vatikanischen Tempels, der trotz immer wieder neuer Lösungen nie von jener Tradition abwich, die das an dieser Stelle verehrte Grab des Apostelfürsten als Zentrum des Baus bewahrte.

Die Gesamtfläche der musivischen Kunstwerke beträgt rund 10 000 Quadratmeter. Aus dem einzigartigen Bildrepertoire werden die wichtigsten Themen herausgegriffen und näher erläutert, die dann in den Folgekapitel thematisch repräsentiert werden. Hieraus ergibt sich dann ein umfassendes Bild mit vielen neuen Erkenntnissen zur Geschichte einzelner Mosaike und dem Schaffen der an ihrer Entstehung beteiligten Maler und Mosaizisten.

Der Mosaikdekor der Hauptkuppel wird nicht nur ausführlich beschrieben, sondern man hat auch Gelegenheit einen visuellen Eindruck zu bekommen. Das Gewölbedekor und auch die Ikonografie des Kuppeldekors werden bestens dargestellt. Es werden technische und ikonografische Fragen zum Dekor der Hauptkuppel beantwortet und in der Folge dann die christologischen Bilder und musivischen Werke zur Marientheologie näher beleuchtet.

Dem Bild des hl. Petrus in der Basilika, so etwa wie er den Lahmen heilt, folgen ikonografische Werke von Märtyrern und Heiligen und eine Liste von Malern und Mosaizisten, die seit dem 16. Jahrhundert bis heute dazu beigetragen haben, den Glanz und die Herrlichkeit des Vatikans zu mehren.

Wohl am meisten beeindruckt bin ich von einer Ikonografie, die den Erzengel Michael zeigt, der einen Dämon bezwingt. Ob man das Böse nur mit dem Schwert besiegen kann, weiß ich nicht, mitunter soll eine Umarmung angeblich auch zu positiven Ergebnissen führen.

Ein grandioses Buch. Empfehlenswert.

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Rezension:Bedeutende Künstlerinnen: Ich mache es auf meine Art (Gebundene Ausgabe)

2011-10-03T09:36:00.001+02:00

Die Autorin Ulrike Halbe- Bauer und die selbstständige Lektorin, Redakteurin, Autorin und Herausgeberin Brigitta Neumeister-Taroni stellen in diesem Buch 12 Künstlerinnen vor.

Bei den Damen handelt es sich um Artemisa Gentileschi (1593-1654), Rachel Ruysch 1664-1750), Rosalba Carriera (1673-1757), Rosa Bonheur (1822-1899), Lilly Martin Spencer (1822-1902), Käthe Kollwitz (1667-1945), Helene Schjerfbeck (1862-1946), Paula Modersohn-Becker (1876-1907), Louise Modersohn-Breling (1883-1950), Sophie Taeubner-Arp (1889-1943), Lee Krasner (1908-1984) und Louise Bourgeois (1911-2010).

Man lernt von jeder der vorgestellten Künstlerinnen einzelne Werke bildlich kennen, liest über die Lebenswege sowie vom Schaffen der Damen und kann sich einen Eindruck davon machen, wie schwierig es für diese Frauen war, erfolgreich zu sein, weil die Gesellschaft andere Erwartungshaltungen an sie hatte.

Schon die Beinamen im Buch, wie etwa die Kämpferin, die selbstbewusste Hosenträgerin, die hochbegabte Einzelgängerin oder die Widerspenstige lassen erahnen, welch Geistes Kind diese Frauen waren und auch sein mussten, um sich durchzusetzen.

Die Kurzporträts sind sehr gut und eindringlich verfasst. Man erhält eine Idee von der Energie und dem Willen, den die einzelnen Künstlerinnen neben ihrem Können aufbringen mussten, um künstlerische Anerkennung zu finden. Hochbegabung hat bei Frauen in allen Jahrhunderten niemals ausgereicht, wenn sie ihren Weg machen wollten. Sofern sie keine Beziehungen hatten, benötigten sie einen eisernen Willen, eiserne Disziplin und mussten sich Schwerzlosigkeit antrainieren, um die mentale Tritte ihrer männlichen Konkurrenten auszuhalten, die auch als Lob verkleidet ausgeteilt werden konnten: "Das ist so gut, man würde nicht merken, das es von einer Frau gemalt ist." (Zitat: Hans Hofmann im Hinblick auf das Können Lee Krasners)

Empfehlenswert.

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Rezension:Spirituelle Frauen - Himmlisch und heilig, schön und rebellisch (Gebundene Ausgabe)

2011-09-28T13:49:00.008+02:00

Antje Southern stellt in diesem Buch Gemälde von spirituellen Frauen vor, beschreibt diese näher und liefert auch Hintergrundwissen zu den einzelnen Bildern. Natürlich erfährt man auch stets, wer das jeweilige Bild gemalt hat, wie es heißt, wann er entstanden ist und wo man das Original besichtigen kann.

Southern lässt den Leser wissen, dass nicht nur Künstler sich in ihre Modelle verliebt haben, sondern in früheren Zeiten Männer und Frauen gleichermaßen von Heiligen fasziniert waren. So erzählen Heiligenlegenden von charismatischen Frauen, die furchtlos und entschieden für ihren christlichen Glauben eintraten und für ihre moralischen Überzeugungen einstanden, (vgl.: S. 103).

Reizvoll wurden diese weiblichen Heiligen aufgrund ihrer Mischung aus Jugend, Schönheit, Intelligenz, Stärke und Verletzlichkeit. Dabei fühlten sich primär männliche Maler von deren Reinheit, Glaubensfestigkeit und Unfehlbarkeit zu großartigen Gemälden inspiriert. Damit Heiligenporträts für den Betrachter interessanter wurden, malten die Künstler Frauen mit Sexappeal und versahen ihre Bilder mit erotischen Anspielungen. Besagte verschleierte Erotik sprach die unterdrückten Begierden des Publikums an, (vgl.: S.106).

Die Bilder der Heiligen spielten für den katholischen Glauben eine große Rolle, denn sie dienen der Bewältigung kleinerer Alltagsprobleme, indem man die dargestellten Heiligen, um Hilfe für die Bewältigung besagter Probleme bittet. In allen katholischen Kirchen findet man solche Bilder, vor denen ein Reihe kleiner brennender Kerzen stehen.

Der Inbegriff des reinen spirituellen Lebens war Maria. Sie wurde stets als die schönste weibliche Heilige dargestellt, wobei in der Renaissance Schönheit nicht nur nach der Liebenswürdigkeit des Gesichtes beurteilt wurde, sondern auch nach der Liebenswürdigkeit und Bescheidenheit der Person, (vgl.: S.112).

Man lernt im vorliegenden Buch Gemälde kennen, die die Königin des Himmels darstellen, kann sich einen Eindruck von tugendhafte Schönheiten, Märtyrerinnen und Rebellinnen, von Maria Magdalena, von begnadeten Helferinnen, Mystikerinnen und Visionärinnen und von der hl. Cäcilia verschaffen.

Die gezeigten Gemälde stammen von Malern, wie etwa: Raffael, Lucas Cranach, Francesco Cairo, Peter Paul Rubens, Gabriel Cornelius von Max, Carlo Saraceni John Everett Mallais u.a.m.

Von all den abgelichteten Gemälden im Buch beeindruckt mich "Die Märtyrerin des Solway"(1871) von John Everett Millais am meisten. Auf diesem Gemälde ist eine schöne Märtyrinnen (sie hat rote Haare) an den Uferfelsen der schottischen Küste gekettet. Sie war zum Tod durch Ertrinken verurteilt. Auf dem Gemälde demonstriert die Heldin Margret unbeugsamen Widerstand und strahlt eine verführerische Anziehungskraft aus, (vgl.: S.49). Für Ihre Widersacher ist ihr Anblick gewiss sehr schmerzhaft.

Berührend auch finde ich die "Heilige Cäcilia" von John William Waterhouse. Hier hat man die Möglichkeit, beim Betrachten des Bildes Kunst als "Augenmusik" nachzuempfinden, (vgl.: S.98).

Empfehlenswert.

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Rezension:Licht und Schatten: Vom Hell und Dunkel in der Kunst (Gebundene Ausgabe)

2011-09-26T20:40:00.002+02:00

Der Kunsthistoriker Dr. Hajo Düchting befasst sich in diesem Buch mit Lichtphänomenen der Malerei. Er hält dabei bereits in seinem Eingangsessay fest, dass kaum ein Bild der älteren und neueren Kunstgeschichte ohne die Darstellung von Licht und Schatten auskommt, ohne die Modellierung von Helldunkel. Selbst die abstrakte Malerei kenne helle und dunkle Farbtöne und setze diese in starken Kontrasten ein, (vgl.: S.6).

Vor der Erfindung der elektrischen Beleuchtung im 19. Jahrhundert waren die Nächte pechschwarz, unheimlich, bedrohlich, auch magisch anziehend und mit der beleuchtungstechnisch möglich gewordenen Durchdringung und Erhellung der Nacht- dies war ein Ergebnis der Aufklärung und des industriellen Zeitalters- haben sich die Grenzbereiche weitgehend aufgelöst, (vgl.S.8).

Düchting reflektiert in seinem Essay "Künstler entdecken Licht und Schatten" die Lichtphänomene in der Malerei in unterschiedlichen Epochen, sogar auf Platons "Höhlengleichnis" kommt der Autor zu sprechen. Dort vergleicht der griechische Philosoph das Leben des Menschen mit einer Schattenwelt in einer Höhle.

Man erfährt, dass Rembrandt sakrale Lichtmystik malte, (vgl.: S.9) und liest auch wie diese sich dem Betrachter offenbart. Ferner wird man in Kenntnis gesetzt, ab wann das Licht das Schicksal der Farbe teilt und dass seitdem das Licht in der Kunst als wirkende Kraft erfunden wurde, seine Hauptfunktion darin bestand, den Betrachter über sein eigenes Dunkel, sein Lebensschicksal hinwegzutrösten, (vgl.: S.10).

Das Buch enthält eine Fülle von Gemäldeablichtungen vieler bekannter Künstler, die alle sehr gut erläutert werden.

Untergliedert sind diese Bilder in die Kapitel in:

Sonnenaufgang- Lichtphänomene am frühen Morgen

Im vollen Sonnenlicht- Licht wird Farbe

Schattenspiele- Die flüchtige Welt der Schatten

Abenddämmerung- Der Zauber des Zwielichts

Dunkelheit und Finsternis- In der Hitze der Nacht

Interessant finde ich atmosphärische Lichtstimmungen, wie sie auf Caspar David Friedrichs "Frau vor der aufgehenden Sonne" den Betrachter beeindrucken. Man liest vom Leuchten jenseits des Himmels bei William Turners "Sonnenaufgang hinter Dunst: Landbrücken in Calais", vom Sonnenaufgang als impressionistisches Bildlicht und wird anhand von weiteren Bildern mit den Lichtvisionen des 20. Jahrhunderts vertraut gemacht.

Ich bin ein Mensch, der das Sonnenlicht, sprich jenes, das zur Farbe wird, dem Schatten, der Abenddämmerung und der Dunkelheit vorzieht. Insofern bin ich von Bildern wie "Mittagsrast" von Vincent van Gogh sehr angetan. Licht ist die Voraussetzung unseres Lebens. Durch neue Techniken konnte das Farblicht in der Malerei gesteigert werden. Monet suchte beispielsweise noch an alltäglichen Gegenständen die kleinsten Lichtreflexe zu erfassen und in Farbe umzusetzen. Einige seiner Lichtstudien kann man anhand von gezeigten Gemäldeablichtungen nachvollziehen.

Renoirs "Frühstück der Ruderer" wird thematisiert und Cezanne Berge im Licht, aber auch das Licht, das George Seurat aus Farbpunkten auf die Leinwand zauberte.

Lichtmomente in Bildern der Moderne lernt man kennen. Düchting erläutert u.a. die Maltechnik des Künstlers Gerhard Richter, bei dem in gestischen Farbprozessen, die er auf die Leinwand aufträgt, lichthafte Elemente durch Kontraste von Hell und Dunkel wie von Komplementärfarben gegeben sind, (vgl.: S.59).

Es führt zu weit, auf alle Lichtmomente im Buch hier in der Rezension näher einzugehen. Natürlich begeistern auch die gezeigten Schattenspiele, besonders dann, wenn sie Bilder lebendig machen, doch auch, wenn sie Gefühlswelten thematisieren. Der Zauber des Zwielichts, die blaue Stunde ist gewiss die magischste Lichtstimmung, die nach meinem Gefühl auf dem Gemälde "Straße im Dämmern" von Lyonel Feininger am besten wiedergeben wird.

Man liest im Zusammenhang mit der Abendstimmung auch von William Turner, der in der Malweise seinen Zeitgenossen voraus war. So hat er über einige Schichten dünner lasierender Farbe mit einem breiten Pinsel pastose Massen gelber Farbe gestrichen und diese mit krustigen Brauntönen gekrönt, (vgl. S. 101).

Das Buch endet mit der textlichen Beleuchtung der Nacht. Hier kommen nicht nur der Himmel voller Sterne, sondern auch die Geheimnisse der Nacht, die Einsamkeit der Großstadtnacht, sondern auch der Trost des Firmamentes zur Sprache. Doch sind dies nicht meine Lieblingsbilder, ich schätze stattdessen weit mehr die gedämpfte Glut der Sonne, wie sie Gustave Caillebotte auf den von ihm gezeigtem Bildern dem Betrachter entgegenbringt. Nicht grell, nicht direkt, sondern weich, mit fließenden Schattenwürfen (siehe Seite 46-47).

Empfehlenswert.

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Rezension:Momente der Muße - Frauen und ihre Rückzugsorte (Gebundene Ausgabe)

2011-09-25T22:17:00.002+02:00

Tania Schlie ist die Autorin dieses wunderschönen Bildbandes mit dem Titel "Momente der Muße", zu welchem Dr. Dörthe Binkert das Vorwort verfasst hat.

Für Dr. Binkert bedeutet Muße zu finden, Abstand zu nehmen vom dringenden und vorwärtsdrängenden Tagesgeschäft. Muße finden heißt für sie, das Ziel aus dem Auge zu verlieren. Sie weiß, dass man sich dabei ein wenig austricksen muss, um solche Momente möglich zu machen. Dies funktioniert, in dem man beispielsweise die Vogelperspektive einnimmt und auf diese Weise sehr konkret Abstand zum Alltag gewinnt, (vgl.: S. 8).

Tanja Schlie reflektiert in der Einleitung Rückzugsorte, um Momente der Muße ungestört genießen zu können, denn sie weiß, dass solche Momente Raum benötigen. In ihren weiteren Überlegungen erwähnt sie auch, dass die Muße einen schlechten Leumund hat, nicht zuletzt, weil sie den gleichen Wortstamm wie Müßiggang besitzt.

Im vorliegenden Buch werden Gemälde und zwei Grafiken vorgestellt, die bis auf wenige Ausnahmen aus dem 19. Jahrhundert stammen; Die Bilder werden textlich näher erläutert. Man erfährt zudem, wer das jeweilige Bild gemalt und wann der jeweilige Maler gelebt hat, wie das fokussierte Werk heißt und wann es entstanden sowie wo das Original zu besichtigen ist.

Zu Beginn eines jeden Kapitels hat man Gelegenheit sich in Senztenzen zu vertiefen, die den Begriff Muse zum Thema haben. Als Orte des Rückzugs und Möglichkeiten der Muße kommen in den einzelnen Kapiteln zu Sprache: Die Natur, diverse Innenräume, das Bad, die Nacktheit als persönliche Freiheit, das geheime Boudoir, das Alleinsein, die Lust, sich ins Bett zurückzuziehen, geistige Rückzugsorte und das Reich der Träume.

Eines der ersten, näher besprochenen Gemälde stammt von Walter Launt Palmer und heißt "Nachmittags in der Hängematte, 1882." Das Bild zeigt eine lesende Frau, die in einer Hängematte ruht. Ein bezauberndes Bild, das meinen Vorstellungen von Muße am meisten nahekommt.

In der Folge lernt man Gemälde von Jean -Honoré Fragonard, Berthe Morisot, Charles Courtney Curran u.a. kennen, dann fällt mein Augenmerk auf eine Sentenz von Ingke Brodersen, der ich absolut zustimme: "Ein großer Schreibtisch bedeutet mir viel, er ist ein Stück Heimat, ein Ort, an dem nur ich zu Hause bin."

Sehr beeindruckend ist auch das Bild "Am Ende der Veranda" von John Sharman. Hier geht eine Frau einer kleinen Näharbeit nach. Solch eine stille Beschäftigung, ist die Möglichkeit Ruhe durch tätige Muse zu finden.

Badeszenen und Szenen vor dem Spiegel, beispielsweise von Degas und Frank Markham Skipworth, August Renoir und John William Godward folgen solche von Gemälden, die Frauen in ihren geheimen Boudoirs zeigen. Hier mag ich Herbert James Drapers "Potpourri" am liebsten, das die Autorin sehr treffend beschrieben hat.

Charles Edward Peruginis "Momente der Muße", wird all jenen gefallen, die lesende Frauen mögen. Das Interessante an diesem Bild ist, dass ihr Gesicht für den Betrachter offen wie ein Buch vor ihm liegt, doch die Leserin sieht den Betrachter nicht, da sie ich mit dem Inhalt des Buches beschäftigt. Möglicherweise liest sie ein schönes Gedicht von Rilke oder Heine.

Das Titelbild des Buches zeigt ein Gemälde aus dem Kapitel "Das Reich der Träume- Versunken in innere Welten". Das Bild stammt von Albert Joseph Moore und heißt "Silber". Dieses Bild zeigt eine klassische Schönheit mit einem makellosen Gesicht und einem ebensolchen Körper. Es ist der Traum eines Malers, der auf diesem Bild verewigt wird und ganz gewiss nicht der Traum dieser sensitiven, jungen Frau. Sie wirkt beschämt. So kann sie nicht träumen. Träumen kann man nur, wenn man sich unbeobachtet fühlt.

Empfehlenswert.

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Rezension:Die Blumen der Frauen - Blumensymbolik in Gemälden aus 7 Jahrhunderten (Gebundene Ausgabe)

2011-09-25T11:34:00.002+02:00

Andreas Honegger ist der Autor dieses zauberhaften und dabei hochinformativen Kunstbuches, das sich mit dem Symbolgehalt von Blumen auf bestimmten Gemälden näher befasst.

Thematisiert werden durch die Blumen Unschuld und Glaube, Liebe und Leidenschaft, Schlaf und Tod, Erotik und Luxus sowie Schönheit und Persönlichkeit.

Das Vorwort zum Buch hat Gabriele Pape verfasst. Sie ist eine der bekanntesten deutschen Gartenspezialistin, deren lesenswertes Buch Meine Philosophie lebendiger Gärten ich jüngst gerade rezensiert habe.

Der Autor lässt die Leser eingangs sogleich wissen, dass Frauen nicht selten Gegenstand historischer oder allegorischer Darstellungen sind. Es sind die Musen, die die Künste und andere Frauenfiguren, die Tugenden oder Laster darstellen. Auch fast jede Blume hat eine Symbolik und deshalb verwundert es nicht, dass Frauen und Blumen auf Gemälden einen gemeinsamen Auftritt haben und auf diese Weise ein ganzes Spektrum unterschiedlicher Gefühle hervorrufen können, (vgl.: S.13)

Honegger verschweigt nicht, dass die mittelalterliche und barocke Malerei reicher an Symbolik als der Realismus der Moderne ist, aber dann in der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts und um die Jahrhundertwende die Impressionisten, die Präraffaeliten und die Salonmaler des Fin de Siècle ein Feuerwerk an Darstellungen schöner Frauen in Verbindung mit beziehungsreichen Blumen auf die Leinwand bannten.

In den einzelnen Kapiteln des Buches werden Gemäldeablichtungen gezeigt und diese jeweils ausführlich textlich erläutert. Man erfährt natürlich auch immer, wer der Maler des fokussierten Bildes ist, wie es heißt, wann es gemalt wurde und wo man sich das Original ansehen kann.

Im ersten Kapitel geht es weiße Blumen, wie etwa Lilien, Schneeglöckchen und Rhododendren, die Tugend, Unschuld und Glauben zum Ausdruck bringen. Gezeigt und ausführlich erklärt werden hier u.a. Sandro Botticellis "Verkündigung", Franz von Stucks "Innocentia", auch James Abbott McNeill Wistlers "Symphonie in Weiß, Nr.1: Das weiße Mädchen". Hie trägt eine junge, in Weiß gekleidete Frau eine Blüte in der Hand, die so winzig ist, dass man die botanisch nur schwer bestimmen kann. Der Autor erklärt sehr gut nachvollziehbar, weshalb dieses Bild eine sehr charmante und dabei zugleich provozierende Frau zugleich darstellt.

Theodore Wores` "Mädchen mit Rhododendron" zeigt eine viktorianisch hochgeschlossene junge Frau, deren kühle Ausstrahlung durch die Berührung der Rhododendronblüten gebrochen wird.

Im Kapitel "Liebe und Leidenschaft- Schlaf und Tod" lernt man beispielsweise durch Ferdinand Hodlers Gemälde "Die Empfindung" den Mohn als Symbol des Schlafes und des Traumes kennen und auf dem Gemälde "Hylas und die Nymphen" von John William Waterhouse verführen zauberhafte weibliche Gestalten in einem Seerosenteich den gutaussehenden Hylas. Er soll laut Sage nie wieder gesehen worden sein, (vgl.S.57). (Kommentar: Kein Wunder bei den vielen hübschen Frauen im Teich:-)))

Es macht viel Freude die einzelnen Bildinterpretationen zu lesen, auch jene im Hinblick auf Erotik und Luxus. Hier erfährt man auch, dass im 19. Jahrhundert durch die Glashäuser vermehrt mediterrane, subtropische und tropische Blumen gezogen werden konnten, die auf den Gemälden für die Ewigkeit festgehalten wurden.

Beeindruckend finde ich in diesem Zusammenhang Sir Lawrence Alm-Tademas "Die Rosen des Heliogabal". Das Bild zeigt eine Szene die sich auf einem ausschweifenden Festmahl des Kaisers zugetragen haben soll. Einige Gäste erstickten angeblich an der Fülle von duftenden Blütenblättern (in Rosatönen dargestellt), die der Kaiser auf die Gäste niederregnen ließ, (vgl.: S.70).Das Gemälde strahlt trotz des Anlasses Fröhlickeit aus. Aufgrund eines Blütenregens zu sterben, ist ja auch nicht der schlechteste Tod.

John Frederick Lewis` "Im Garten des Beis" fasziniert durch seinen Orientalismus, der in luxuriösen Farben zum Ausdruck kommt.

Bei den Porträts schöner Frauen, die bis ins 16. Jahrhundert zurückreichen, findet man auch das Gemälde Francois Bouchers von "Madam Pompadour", das sie in einem Rosenkleid zeigt, umgeben von Büchern, Zeichnungen und Schreibutensilien. Pompapdour war eben weit mehr war als die Mätresse eines Königs.

Schlussendlich werden die Jahreszeiten im Wechsel auf bestimmten Gemälden dargestellt. Hier gefällt mir Sir Edward Burne-Johnes "Sommer" am besten. Es ist der melancholische Blick auf die Sommerblumen, der mich berührt, ein Blick, wie man ihn stets im September hat, der Blick der an die Vergänglichkeit allen Seins erinnert.

Empfehlenswert, für alle die das Schöne lieben.

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Rezension:Mütterporträts von berühmten Malern und Malerinnen: Rembrandt, Cézanne, Mary Cassatt, Van Gogh, Frida Kahlo u.v.a. (Gebundene Ausgabe)

2011-09-23T17:24:00.000+02:00

Thomas Blisniewski stellt in diesem Bildband Mütterporträts von berühmten Malern und Malerinnen, wie etwa Albrecht Dürer, Élisabeth Vigée-Lebrun, Édourd Manet, Paul Cezanne, Berth Morisot u.a. mehr vor. Zu den einzelnen Porträts liefert er textlich aufschlussreiche Hintergrundinformationen. Man erfährt Näheres über die dargestellten Mütter, die, sieht man mal von einigen wenigen der gezeigten Mütter ab, nach meiner Empfindung eine selten gütige, liebevolle Aura haben, sondern zumeist streng und distanziert wirken.

Eines der schönsten Porträts ist meines Erachtens jenes, das Guido Reni (1575- 1641) von seiner Mutter malte. Er soll zu seiner Mutter ein sehr gutes Verhältnis gehabt haben und zeigt eine nachdenkliche, leicht bekümmerte Frau, die auf mich keineswegs mürrisch wirkt, sondern wohl eher besorgt wegen der exzentrischen Charaktereigenschaften ihres Sohnes.

Mein Lieblingsbild im Buch ist das "Selbstporträt mit Tochter" aus dem Jahre 1789 von Élisabeth Vigée-Lebrun. Es bringt Schutz, innige Liebe, Sanftmut und Güte, all die Eigenschaften, die man sich von einer Mutter wünscht, zum Ausdruck.

Berthe Morisot verdeutlicht in ihren Mutterbildern, dass sie eine liebe Mutter hat, von der man heute weiß, dass sie das Talent ihrer Tochter förderte.

Viele Künstler scheinen ihre Mütter geradezu verehrt zu haben, wie man liest. Diese Haltung kommt in den Bildern auch zum Ausdruck. Das Verhältnis der Kinder zu ihren Eltern war in vorangegangener Zeit nicht selten durch Autoritätsgläubigkeit geprägt. Das wird auf nahezu allen Bildern deutlich. Außer auf dem Gemälde von Élisabeth Vigeé-Lebrun habe ich selbst bei großem Wohlwollen keinen liebvollen Blick seitens einer Mutter erkennen können. Diese Tatsache hat mich beinahe erschreckt.

Dennoch ein interessantes, empfehlenswertes Buch.

PS: Lobend erwähnen möchte ich das umfangreiche Literaturverzeichnis am Ende und auch die Liste der Bildnachweise.

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Rezension: Astrid C. Huth , Thomas R. Hoffmann : Die Kunst der Renaissance (Broschiert)

2011-09-18T15:22:00.003+02:00

Astrid C. Huth und Thomas R. Hoffmann erklären in diesem reich bebilderten Buch, wie man die Kunst der Renaissance erkennen kann und untergliedern ihre Erklärungen in die Bereiche: Skulptur (A. C.Huth), Malerei (A.C. Huth), Architektur (Th.R.Hoffmann).

Wie man der Einführung entnimmt, war die Renaissance nur in der Kunst und Kultur tatsächlich eine strahlende Epoche, weshalb das so war wird kurz erläutert, bevor man den Begriff "Renaissance" näher erklärt bekommt. Dieser Begriff wurde 1855 erstmals von dem Theoretiker Jules Michelet verwendet und ist eine direkte Übersetzung des italienischen "rinascita", also "Wiedergeburt", (vgl.: S.10).

Man erfährt, dass sich der entscheidende Bruch mit der künstlerischen Tradition des Mittelalters um 1420 in Florenz vollzog als man die Linearperspektive entwickelte und auf diese Weise der dreidimensionale Raum auf flachem Untergrund wiedergegeben werden konnte. Dadurch wurde die toskanische Stadt Geburtsstätte und bis zu Beginn des 16. Jahrhunderts auch Zentrum der Kunst der Renaissance.

Man lernt die Zentren der Renaissance in Italien kennen und liest von den großen Künstlerpersönlichkeiten und ihren Werken. Immer wieder werden auf Schemenzeichnungen Kompositionen veranschaulicht und mittels Themenspecials und Zeittafeln für einen raschen Überblick über diese Epoche gesorgt.

Zur Sprache gebracht wird die Entdeckung des Selbstbewusstsein, dargestellt auf den Porträts der italienischen Frührenaissance. Man erfährt hier auch Wissenswertes zu Botticellis "Weiblichem Idealbildnis", das man in Frankfurt im Städel im Original besichtigen kann. Die dargestellte Schöne trägt übrigens die Gesichtszüge Simonetta Vespuccis, die im Alter von 23 Jahren einst starb und der Tausende Florentiner die letzte Ehre erwiesen haben sollen.

Wissen sollte man, dass in der Skulptur der Renaissance das Natur- und Antikenstudium der Bildhauer zu einer ganz neuen Kunstauffassung führte. Die ideal proportionierten Skulpturen der Griechen und Römer bildeten die neue Sichtweise und naturwahre Darstellung des menschlichen Körpers, (vgl.: S.22). Man wird über das neue Verhältnis zur Antike in diesem Zusammenhang aufgeklärt, lernt die Bildhauer der Renaissance und ihre Werke kennen und bekommt an vielen Beispielen erklärt, wodurch sich Skulpturen jener Epoche auszeichnen. Beleuchtet werden hier auch die Perfektionierung der Relieftechnik und die neuen Funktionen der Skulptur anhand von gut erklärten Beispielen.

Einen breiten Rahmen nehmen die Skulpturen Michelangelos ein. Hier liest man auch, wie er das "finito", jene makellose, vollendete Glätte der Oberfläche bewerkstelligte, (siehe Seite 51), und kann sich intensiv mit dem Geheimnis von "David" befassen. Diese berühmte Skulptur ist die erste vollkommen nackte Skulptur seit der Antike, die für einen öffentlichen Aufstellungsort entstand, (vgl.: S.53).

Beantwortet werden im Hinblick auf die Malerei in jener Epoche die Fragen:

-Welche neuen Techniken revolutionierten die Malerei der Renaissance?

-Welche Städte waren die Zentren der Renaissancemalerei?

-Wie wirkte sich die Reformation auf die Malerei nördlich der Alpen aus?

(siehe S.62 ff).

Sehr gut wird das Bildprogramm des "Deckenfresko der Sixistinischen Kapelle" von Michelangelo näher erläutert und auch Raffaels Stanzen dem Betrachter erklärend entgegengebracht. "Die Schule von Athen" wird bestens beleuchtet und man begreift aus welchem Grund maltechnisch alle Aufmerksamkeit auf Plato und Aristoteles gelenkt wird.

In der Architektur strebte man nach Schönheit und Harmonie bei den sakralen Gebäuden, deshalb auch wurde der Zentralbau, der harmonisch in sich ruhte, zum Leitmotiv der Hochrenaissance. Allerdings richteten die Architekten ihren Blick auch auf Profanbauten in Form von Stadtpalästen und ländlichen Villen und entwickelten ein weitreichendes Formenrepertoire, wobei antike Bauwerke als Inspirationsquelle dienten, (vgl: S. 96).

Im Kapitel "Architektur" werden vor allem die Fragen beantwortet:

-Was sind die beliebtesten geometrischen Grundformen des Renaissance-Architekten?

-Mit welchem Bautyp demonstrieren die führenden Familie Italiens ihre gesellschaftliche Stellung?

-Welchen idealen Sakralbau strebte die Hochrenaissance an?

(siehe S. 98 ff.)

Sehr gut wird anhand der Domkuppel von Brunelleschi die Überwindung der Gotik beschrieben und auf weitere architektonische Schönheiten näher eingegangen.

Das Buch sollte jeder lesen, der mehr über die Kunst der Renaissance wissen und in der Lage sein möchte, sie in wenigen Worten an Beispielen zu erklären.

Empfehlenswert.

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Rezension:Licht der Hoffnung 2012 (Kalender)

2011-09-18T15:07:00.002+02:00

Die zwölf Kalenderbilder des Kalenders "2012 Licht der Hoffnung" sind Ablichtungen der Werke der Künstlers und Lehrers für bildnerisches Gestalten Thomas Schmidt, der Malen nicht selten als "Flow-Erlebnis" empfindet.

Zu seinen Bildern meint dieser Künstler: "Es ist spannend, minimale Farbnuancen innerhalb eines Farbfeldes zu erforschen, deren Wirkung auf die Umgebung zu spüren und dabei Übergänge und Abgrenzungen zu entwickeln."

Das Licht am Ende eines Tunnels ist das Thema aller Bilder, die selten einen Namen tragen. Jeder, der schon Zeiten tiefster Depression durchlebt hat, weiß wie furchtbar es ist, alles in der Farbe Schwarz wahrzunehmen. Ein Licht der Hoffnung anzünden und sich all überall um mehr Licht zu bemühen, es auch durch herzliche Freundlichkeit auszustrahlen, halte ich für sehr wichtig. Nur so wird das Leben aller Menschen lebenswert, nur so ist positive Kommunikation möglich.

Die lebensbejahenden Farbgestaltungen auf den vorliegenden Kalenderblättern zeigen uns einen Weg, der aus der Düsternis herausführt. Es lohnt, die Motive zum Meditieren zu nutzen.

Am unteren Ende des Kalenders sind jeweils die Tage eines Monats dezent angebracht.

Empfehlenswert.

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Rezension: Blütenträume - Oskar Koller 2012

2011-09-18T15:03:00.003+02:00

Dieser Kalender in mittelgroßem Format enthält zwölf Abbildungen von wunderschönen Blumen- und Blütenzweigaquarellen des 2004 verstorbenen Künstlers Oskar Koller.

Die Aquarelle bestechen durch ihre mediterranen Farbtöne. Die einzelnen Blumen sind beinahe abstrakt gemalt und im Grunde möchte man überhaupt nicht wissen, um welche Blüten es sich im Einzelnen handelt.

Mein Lieblingsbild trägt die Bezeichnung "Leuchtender Strauß". Koller hat das Original 1996 gemalt. Nicht grundlos hat man es zum Märzmotiv erwählt. Es spiegelt vielfältig die Frühlingssonne und strahlt Freundlichkeit sowie Hoffnung aus.

Hübsch auch ist der Topf mit Lobelien, die der Künstler 1987 kurz skizziert hat. Diese Pflanze ist unter dem Namen "Männertreu" bekannt. Sieht man sich Kollers Lobelie genauer an, weiß man, dass die deutsche Bezeichnung eine Farce ist. Die Lobelie ist noch nicht mal dem Pfanzgefäß treu:-))

Am meisten wird meine Fantasie durch Kollers "Blumenbaum" angeregt, den er 2001 malte. Blumenbäume können auch in der Realität wunderschön sein, wie ich aus dem Garten meiner Mutter weiß. Dort nämlich blühen in einem alten Pflaumenbaum orangefarbene Glockenreben, gelbe Teerosen und blaue Glyzinien. Im Ergebnis sieht der Baum fast wie jener auf dem Aquarell aus, nur dass dort alle genannten Blüten zeitgleich blühen.

Die Kalendertage sind sehr dezent und harmonisch auf die zarten Aquarelle abgestimmt entweder unten oder seitlich von den Bildern aufgeführt.

Empfehlenswert.

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Rezension:Farbwelten 2012 (Kalender)

2011-09-18T14:57:00.006+02:00

Der Kunstkalender "2012 Farbwelten" enthält 12 Abbildungen von Werken der Künstlerin Renate Menneke. Es handelt sich dabei um abstrakte Bilder in Öl und Acryl, die in vielen übereinanderliegenden Schichten gearbeitet sind. Diese leben von dem Zusammenklang der intensiven Farben und klaren Formen und sollen zur meditativen Betrachtung einladen.

Für Renate Mennekes Art sich künstlerisch auszudrücken, sind drei Jahre des Reisens und Lebens in Asien prägend gewesen. Nachdem sie lange Jahre als Kunsthändlerin gearbeitet hat und mit ihrem Tun christliche Minderheiten in Afrika und Asien unterstützte, malt sie seit 15 Jahren Bilder und unterstützt mit dem Verkauf der Werke ein Projekt, das sich um prostituierte Kinder in Mumbai/Indien kümmert.

Die Kalenderblattbilder tragen in der Regel keine Titel. Man erfährt zumeist nur, wann sie entstanden und wie groß sie sind.

Farben und Formen sind von Bild zu Bild verschieden. Besonders gefällt mir das Juli-Bild, das primär in grünen, blauen und gelben Farbtönen gemalt ist und das ich als Abstraktion einer Flusslandschaft interpretiere.

Meditieren kann man am besten, wenn man auf das Dezember-Bild blickt. Hier hat man die Chance ein Gespräch mit dem Mond zu beginnen, der nicht in Worten, sondern mit Licht antwortet.

Das Februar-Bild mit dem Titel "Blau" assoziiere ich mit einem Gedicht von Lasker-Schüler, das ich mir hier erlaube wiederzugeben:

Ich habe zu Hause ein blaues Klavier

Und kenne doch keine Note.

Es steht im Dunkel der Kellertür,

Seitdem die Welt verrohte.

Es spielten Sternenhände vier -

Die Mondfrau sang im Boote-

Nun tanzen die Ratten im Geklirr.

Zerbrochen ist die Klaviatür
Ich beweine die blaue Tote.

Ach liebe Engel öffnet mir -

Ich aß vom bitteren Brote-

Mir lebend schon die Himmelstür,

Auch wider dem Verbote.

(Elke Lasker-Schüler)

Die Kalendertage sind am unteren Ende jedes Kalenderblattes dezent angebracht.

Empfehlenswert.

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Rezension: Belser Kunstkalender 2012 (Kalender)

2011-09-06T21:21:00.003+02:00

Der hochwertige "Belser Kunstkalender 2012" zeigt auf zwölf edel gestalteten Blättern Kostbarkeiten der Buchkunst.

Auf dem 13. Blatt kann man sich in deutscher und englischer Sprache kundig machen, um welche Motive es sich konkret handelt. Die einzelnen Motive werden ausführlich erläutert. Diverse Blätter sind so beeindruckend und schön, dass es sich lohnt sie zu rahmen und beispielsweise in der Bibliothek aufzuhängen oder aber an Buch-Liebhaber zwecks Dekoration des entsprechenden Lese-oder Schreibzimmers zu verschenken.

Ich möchte an dieser Stelle nicht die einzelnen Motive auflisten, sondern stattdessen zu zwei Motiven einige Information geben.

Das eine Bild zeigt eine "Tischszene mit König", realisiert von Konrad von Ammenhausen und ist aus dem Schachzabelbuch, Hagenau 1467. Es wird durch dieses Bild ein Einblick in das Alltagsleben eines Königs im Mittelalter gegeben. Man kannte noch keine Gabel, sondern nur Messer und Löffel, trank Wein aus silbernen Pokalen, lebte in Nachbarschaft zu Hirsch, Hase und Reh, die man ohne Bedenken verspeiste.

Sehr schön ist der "Johannesprolog" aus dem "Eberhardgebetbuch", Württemberg (1492- 1496). Wie man erfährt wurde das deutschsprachige Stundenbuch für Herzog Eberhard im Bart von Württemberg angefertigt, der 1477 die Universität Tübingen gründete und das Land wiedervereinigte. Man liest, wer für die schmuckvolle Ausstattung verantwortlich war und worauf die Randleiste hinweist. "Ich will es wagen" ist kein schlechter persönlicher Wahlspruch. Eberhard hatte ihn und lebte offenbar mit Erfolg danach.

Die meisten Motive sind übrigens klerikal, deshalb sollte man sich genau überlegen, wo man diesen Kalender platziert und auch wem man ihn schenkt. Man muss kein gläubiger Christ sein, um diesen Bildern etwas abgewinnen zu können, aber Liebhaber alter Bücher oder auch Freund der Epoche des Mittelalters und der Renaissance sollte man schon sein, wenn sich uns die Motive tatsächlich erschließen sollen. Um den sinnlichen Zugang zu diesen Bildern zu entwickeln, muss man sich m.E. ein wenig mit der Zeit als sie entstanden sind auseinandersetzen.

Die Tage eines jeden Monats sind gut lesbar am unteren Ende eines jeden Kalenderblattes dezent dargestellt.

Empfehlenswert.

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Rezension: Wer suchet, der findet

2011-09-05T16:05:00.002+02:00

Andreas Geldner, Michel Trauthig und Christoph Wetzel haben gemeinsam dieses wirklich gelungene Kunstbuch mit religiösem Background auf den Weg gebracht.

52 biblischen Redewendungen aus dem Alten und Neuen Testament werden näher erläutert und durch bedeutende Kunstwerke visualisiert.

Nach einem kurzen Geleitwort von Andreas Geldner und einem Vorwort von Manfred Rommel erfährt man u.a., was ein "Kainsmal" ist und was es bedeutet, "so alt wie Methusalem" zu werden. Man wird jeweils über die Hintergründe des Sprichwortes in der Bibel informiert und erhält zudem Interpretationen zu den einzelnen Gemälden, die den Sprichwörtern beigestellt werden.

Es freut mich, dass man Wassilys Kandinskys "Improvisation Sintflut, 1913" dem Betrachter nicht vorenthält und auch verdeutlicht, dass hier schräge Linienbündel niederstürzende Wassermassen suggerieren.

Begriffe wie "Sodom und Gomorra", "Auge um Auge, Zahn um Zahn" kennt man, wenn man sich irgendwann einmal mit der Bibel befasst hat, aber wer weiß schon, wo in der Bibel nun eine Kreatur zum "Sündenbock" gemacht wurde und weshalb?

Mich begeistern die vielen Gemäldeabdrucke im Buch beinahe noch mehr als die Begriffserläuterungen und hier u.a. ein mir bislang unbekanntes Gemälde von Hans Baldung Grien, "Schönheit und Tod", um 1509-1511. Es wird das Thema des Sterbens allegorisch dargestellt. Der Spiegel im Bild symbolisiert die Vergänglichkeit, weil er es ist, der die fortschreitende Vergänglichkeit offenbart. Der Begriff "Über den Jordan gehen" wird in diesem Zusammenhang näher erläutert und ist staune immer wieder wie viele Gemälde einen Bibelspruch perfekt visualisieren.

Wann wirft man "Perlen vor die Säue"? Und auf welche Textstelle in der Bibel geht der Begriff "Mit seinen Pfunden wuchern" zurück? Hieronymus Bosch zeigt in seinem Gemälde "Der Tod des Geizigen" auf welche Weise die Begrifflichkeit dargestellt werden kann und dem Betrachter wird klar, dass es immer eine Form des Geizes ist, mit seinen Pfunden zu wuchern.

Ein gelungenes Buch, das mir sehr gut gefällt, weil es Bildinhalten eine andere Dimension verleiht, über die ich möglicherweise niemals nachgedacht hätte.

Empfehlenswert.

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Rezension:Endlose Liebe: Leidenschaftliche Frauen von Tizian bis Warhol (Gebundene Ausgabe)

2011-08-23T19:49:00.005+02:00

Laure Adler und Elisa Lécosse haben den vorliegenden Bildband "Endlose Liebe" auf den Weg gebracht. Das Buch stellt Gemälde vor und erläutert diese textlich näher. Bei diesen Gemälden handelt es sich um liebende, leidenschaftliche und abgründige Frauen aus der Geschichte und aus Mythen.

Untergliedert ist das Buch in die Kapitel:

-Die Frau und die Liebe: Vorbilder, Mythen und Fabeln

-Weibliche Magie: Verführerinnen und Zauberinnen

-Emanzipation und Grenzüberschreitung in der Liebe

-Frauen und Macht

-Das Ewig-Weibliche: Muse, Opfer und Femme fatale

Man lernt gleich zu Beginn einige berühmte Gemälde kennen, die die Göttin Venus zeigen und hat Gelegenheit bei den Folgegemäldeabbildungen die Mythen, die um die hier dargestellten Frauen ranken, näher kennenzulernen, so etwa von Danae, die Corregio in seinem Gemälde "Jupiter und Danae" mit versonnenem Lächeln malte. War Danae goldgierig als sie ihre Beine spreizte, um Jupiter als Goldregen zu empfangen?

Zur Sprache gebracht wird ein Gemälde von Carracci, das Juno zeigt, auch eines von Jean Cousin, auf dem man Pandora kennenlernt. Wie sie auch alle heißen, ob Ariadne, Dido, Julia, Ophelia, alle jene Frauen im ersten Kapitel zeigen gute und weniger gute Wesenszüge, die man von Frauen kennt. Dass Liebe, Jugend und Schönheit mit Tod verbunden ist, wird spätestens bei Ophelia klar, einer naiven, zerbrechlichen, schönen Frau, deren Liebe tödlich endet.

Im zweiten Kapitel werden Frauen vorgestellt, die über weibliche Magie verfügt haben sollen. Zu diesen Frauen zählt auch eine meiner Lieblingsgestalten der fiktiven Welt von Märchen und Romanen, nämlich "Scheherazade". Sie ist die positive Verkörperung einer schönen, gebildeten, fantasievollen Frau, die sich mit List von der männlichen Unterdrückung emanzipiert, (vgl.: S.88).

Im Kapitel über grenzüberschreitende Liebe lernt man die Geschichte der Dichterin Sappho kennen und kann sich in viele bemerkenswerte Gemälde vertiefen, zu denen u.a. "Samson und Dalila" von Lukas Cranach dem Älteren gehört.

Frauen und Macht sind m.E. am besten verkörpert durch Marquis de Pompadour, gezeigt wird sie auf einem Gemälde von Maurice de la Tour. Sie gehört übrigens zu meinen Lieblingsgestalten in der Geschichte, weil sie, die einstige Favoritin und spätere Freundin und Vertraute des französischen Königs, danach strebte, das in Etikette erstarrte Hofleben aufzubrechen und durch den philosophisch freiheitlichen Geist der Zeit zu ersetzen, (vgl.: S.130).

Großes Lob, dass man in dem Kapitel "Das Ewig-Weibliche: Muse, Opfer und Femme fatale" Heloise nicht vergessen hat, die trotz härtester Prüfungen ihrem Geliebten treu blieb. Die Liebesgeschichte zwischen Heloise und Abaelard ist für mich die bewegendste Liebesgeschichte, die mir historisch bekannt ist.

Ebenfalls nicht unerwähnt sind Rita Hayworth und Marilyn Monroe, auf die zutrifft, was ich vor drei Tagen in einer Rezension bereits anmerkte; "Zumeist haben sie (schöne Frauen) in der Liebe wenig Glück, begegnen selten ihrem Herzens-Du, so als seien sie wegen ihrer Schönheit verflucht. Michel Houellebeque hat sich in "Elementarteilchen" hierzu sehr tiefblickend geäußert. Schöne Frauen braucht man nicht zu beneiden."

Ein Buch, das ich all jenen gerne empfehle, die sich an den Gemäldemotiven, die schöne, leidenschaftliche Frauen zeigen, erfreuen können und gerne mehr über die gezeigten Schönheiten wissen möchten.

Empfehlenswert.

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Rezensionen:Die Entdeckung der Frauen in der Renaissance - Herrscherinnen, Künstlerinnen, Lebedamen (Gebundene Ausgabe)

2011-08-15T12:01:00.005+02:00

Dr. Thomas Blisniewski ist der Autor dieses wunderschönen und dabei hochinformativen Buches, das Gemälde aus der Renaissance zeigt, auf dem beeindruckende Frauenporträts den Betrachter erfreuen.

Die Gemälde stammen von namhaften Künstlerinnen und Künstlern aus jener Epoche. Unter ihnen sind Catharina van Hemessen, Sofonisba Anguissola, Paris Bardone, Jean Clouet, Hans Holbein d. J., Tizian, Lucas Cranach d.Ä., Leonardo da Vinci, Raffael, Albrecht Dürer, Piero di Cosimo, Sandro Botticelli, Hans Baldung gen. Grien, Michelangelo u.a. mehr.

Im Vorwort werden verschiedene Aspekte der Renaissance beleuchtet, der Epoche in der der Künstler, wie der Autor mit aller Vorsicht formuliert, zum Schöpfergott wird, der Neues mit seinem Können schafft. Damals versuchten Künstler, wie Dürer (1471-1528) die Gesetzmäßigkeit des Schönen aufzudecken. Der Nürnberger entwickelte eine Proportionslehre, um auf deren Grundlage den idealschönen Menschen darzustellen. Die Renaissance nimmt Bezug auf das Vorbild der Antike. Verbunden damit ist das Darstellen von Nacktheit, die allerdings keineswegs immer ihre Vorbilder der Antike entlehnen konnte. Bildern kommen in der Renaissance neue, außerhalb der Religion liegende Funktionen zu. Gemälde, wie die "Geburt der Venus" sollen dem Betrachter Freude bereiten. Es entstehen zahlreiche Porträts, gedacht als Medien der Erinnerung. Viele solcher Bilder findet man in vorliegendem Buch.

Der Autor untergliedert seine Bilder, die immer eine Bildbeschreibung, die oft auch biographische Hintergründe beinhaltet in:

1)Künstlerinnen und Dichterinnen

2)Herrscherinnen und Mäzeninnen

3)Heilige und Kurtisanen

4)Die idealisierte Frau

Es ist natürlich unmöglich, im Rahmen der Rezension auf alle Bilder einzugehen, insofern werde ich das ein oder andere Kunstwerk exemplarisch hervorheben.

Im 1. Kapitel werden Dichterinnen und Malerinnen auf den gezeigten Gemälden dargestellt und deren Lebensweg einfühlsam skizziert. Man lernt hier u.a. ein Selbstbildnis von Catharina van Hemessen aus dem Jahre 1548 kennen, die sich allerdings nicht in Arbeitskleidung, sondern in kostbarem Samt gewandet vorstellt. Die Malerin Lavinia Fontana ist eine der wenigen bedeutenden Malerinnen der Spätrenaissance, sie zeigt sich auf dem abgelichteten Gemälde am Spinett, im Hintergrund allerdings sieht man ihre Staffelei. Vielleicht wollte sie dokumentieren, dass sie unterschiedliche künstlerische Fähigkeiten besaß. Eine Ausnahmeerscheinung in der Geschichte soll die Malerin Sofonisba Anguissola gewesen sein, deren Können sie sogar 1559 nach Spanien an den Hof Philipps des II. führte. Neben ihrem Selbstbild gefällt mir das im Buch gezeigte und näher erläuterte Gemälde "Das Schachspiel". Mit diesem Bild soll sie eines der ersten Genrebilder in der italienischen Malerei geschaffen haben. Es handelt sich hierbei um eine Szene aus dem Alltagsleben.

Der Autor erwähnt zu Beginn des 2. Kapitels, dass auch in der Renaissance Herrscherinnen eher selten waren, weil man Frauen in der Regel von der Thronfolge ausschloss. Dennoch, einige Frauen mit erheblichen Machtbefugnissen gab es, unter ihnen war Isabella von Portugal (1505-1539), die Gemahlin Kaiser Karl V., die Tizian einst malte und die aufgrund ihrer Intelligenz die Staatsgeschäfte dann führte, wenn ihr Gatte im Reich unterwegs war.

Mit großem Interesse habe ich mich in das Bildnis von Maria von Burgund vertieft, die bereits sehr jung verstarb, in Brügge lebte und mit Erzherzog Maximilian von Österreich, dem späteren deutschen Kaiser verheiratet war. Maria muss eine sehr schöne Frau gewesen sein. Begeistert bin ich immer wieder von Farben der Renaissance dem wundervollen Rot und typischen Grün, Farben, die auf vielen Gemälden im Buch dominieren, auch auf dem Gemälde, das Maria zeigt.

Das Bildnis Quentin Massys d. J. stellt Elisabeth I. im Alter von 50 Jahren dar, prachtvoll gekleidet, ein wenig müde und sehr streng. Weniger streng kommen die Kurtisanen und Heiligen im 3. Kapitel daher. Hier gefällt mir das Bildnis von Maria Magdalena am besten, gemalt von Piero di Cosimo, das Sünderin als lesende Frau in Renaissancekleidern zeigt. Ihr Gesichtsausdruck ist voller Demut und impliziert die Bitte um Erlösung.

Das vierte Kapitel befasst sich mit der idealisierten Frau und beginnt mit einem Gemälde, das mir aus dem Städel Museum bekannt ist. Es handelt sich dabei um das "Idealbildnis der Kurtisane Flora" von Bartolomeo Veneto. Diese Kurtisane wirkt alles andere als frivol, obgleich sie ihre nackte Brust zeigt. Piero di Cosimos "Simonetta Vespucci" zeigt sich ebenfalls barbusig, auch hier ist nicht zu deuten, ob sexuelle Freizügigkeit oder Reinheit dargestellt worden ist.

Zu meinen Lieblingsbildern im Buch zählen übrigens Ghirlandaios "Junge Frau mit Zitronenblüte". Hier beeindrucken nicht nur die Farben, sondern auch die nachdenkliche Unschuld der Porträtierten. Michelangelos "Sybille" hat man nicht vergessen. Auffallend ist hier die Muskelbildung der Schönen.

Drei Gemälde unterschiedlicher Künstler, die die Göttin Venus malten schließen den Reigen der Frauen in der Renaissance ab. Hier mag ich die "Ruhende Venus" von Giogione am liebsten, ein Gemälde das zu den einflussreichsten Bildschöpfungen der Kunstgeschichte zählt.

Ein gelungener Kunstband.

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Bilder © Aus dem besprochenen Band „Die Entdeckung der Frauen in der Renaissance“, Elisabeth Sandmann Verlag, München, 2011

Rezension: India (Gebundene Ausgabe)

2011-08-10T23:11:00.004+02:00

Der Bildband "India" von Andreas H. Bitesnich ist in meinen Augen der bislang beste Bildband aus dem TeNeues-Verlag, den ich in meinem Bestand habe. Selten haben mich Fotographien so magisch angezogen.

Auf den letzten Seiten des Buches hat man Gelegenheit die biographischen Daten dieses 1964 geborenen, begnadeten Fotographen nachzulesen. Ich möchte die Eckdaten an dieser Stelle allerdings nicht wiedergeben, um dem Buch nicht vorwegzugreifen.

Eingangs berichtet der Fotograf, dass er im Laufe der vergangenen fünf Jahre drei Reisen nach Indien unternahm und dass er aus der Fülle der dort realisierten Bilder eine Auswahl getroffen hat, aus denen dieses Buch entstand. Nach Meinung Bitesnichs sind seine Bilder jene, die ihm Indien von sich gezeigt hat. Nicht nur in seinen Augen sind sie "intensiv und kraftvoll, das volle Spektrum des Lebens". Für ihn ist Indien ein Land voller Gegensätze, Überraschungen, Widersprüche und Gerüche. Alle dies versuchte er in seiner Kamera einzufangen, -auch die Gerüche- und es ist ihm in jeder Beziehung geglückt.

Der Bildband enthält edle Schwarz-Weiß- und wie gemalt erscheinende dunkele Farbaufnahmen. Jedes Bild erzählt eine Geschichte und wirkt wie aus einer anderen Welt. Der Bilddatenauflistung am Ende des Buches kann man entnehmen, wann und wo die Fotos gemacht worden sind.

Fast zu Anfang hat man sogleich Gelegenheit sich in ein Bild zu vertiefen, das einen Schlangenbeschwörer mit Schlange zeigt. Er blickt diese Schlange nicht an, sondern scheint sie durch sein Spiel auf einer Flöte zu betören. Auf dem dann folgenden Foto kann man in die Augen des Mannes sehen, der die Schlange, völlig abgeklärt um den Hals hängen hat. Seine Augen strahlen spirituelles Wissen aus. Diese Augen vermögen aufgrund ihrer Willenskraft selbst die gefährlichste Schlange zu bannen, so scheint es jedenfalls.

Immer wieder kann man beeindruckende Lichtverhältnisse auf den Fotos bewundern und in die Augen alter indischer Frauen und Männer schauen. Die Tiefe der Blicke ist bezeichnet. Eine solche Tiefe entsteht nur bei Menschen, die gelitten haben und durch das Leid innerlich gewachsen sind.

Blicke auf Paläste und auf absolute Armut, auch auf Unrat, auf Menschenmengen in Bewegung, auf Elefanten, dann auf ein Kind, das interessiert die Natur beobachtet, ein anderes, das verträumt, mit großen Augen aus einem offenen Zugfenster blickt und anschließend irgendwann eine Mutter mit einem Kleinkind im Arm, in tausend Tücher gehüllt, machen nachdenklich. Alles ist so nah beieinander...der Reichtum in den Palästen und die Armut in Kalkutta oder anderenorts. Das Leben ist nicht fair. Hier wird es besonders deutlich.

Morbidität und unsägliches Elend...der Schmutz... aber immer wieder diese hoffnungsvollen Augen von sehr alten und ganz jungen Menschen. "Die Hoffnung stirbt zuletzt". Wir wissen es und begreifen beim Anblick der Bilder, wieso das so sein muss.

Ein Bildband, der nahezu völlig auf Texte verzichtet. Die Bilder vermögen allerdings tausendmal mehr als Wort berichten. Dieses Buch ist überaus beeindruckend und es macht demütig. Großer Respekt vor der Leistung von Andreas H. Bitesnich.

Sehr, sehr empfehlenswert.

Bilder: India by Andreas H. Bitesnich, erschienen bei teNeues, € 79,90, http://www.teneues.com/.

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Rezension Neo Rauch (Gebundene Ausgabe)

2011-07-04T14:19:00.001+02:00

Dieses Kunstbuch, zeigt Hauptwerke der letzten 20 Jahre aus dem OEvre Neo Rauchs. Der 1960 in Leipzig geborene Maler ist einer der bekanntesten Künstler unserer Zeit. Herausgeber des Buches sind die Stiftung Frieder Burda und der international bedeutende Kunstkritiker Werner Spieß.

Das Vorwort zum Buch hat Frieder Burda verfasst, denn das Kunstbuch ist der Katalog zur Ausstellung "Neo Rauch", die seit dem 28.Mai bis zum 18.September 2011 im Museum Frieder Burda in Baden-Baden gezeigt wird.

Werner Spieß führt durch seinen Text "Geschichtsböses Nachbeben" in das Werk des Malerstars ein. In der Folge hat man Gelegenheit ein Gespräch, das Werner Spies mit Neo Rauch am 24.2.2008 im Max Ernst Museum führte, nachzulesen. In diesem Gespräch macht der Künstler deutlich, dass in seinen Bildern auch frühkindliche Sinneswahrnehmungen eine Rolle spielen. Es sind für ihn Abspeicherungen, die in einem Moment erfolgen, in dem die Reflexion, das rational Abgleichen noch nicht möglich ist. Er sagt: "Wenn ich also einem bestimmten Formenklima ausgesetzt bin als 3-Jähriger, dann kann ich mir davon kein Bild machen, sondern es sinkt als Bild in mein Unterbewusstsein ab, verkapselt sich dort unter Umständen und ist sehr viel später plötzlich präsent in Momenten, die nicht planbar sind, und dann ist es eben dieser Quell der frühkindlich empfangenen Sinneseindrücke einer, der sich viel später unter Umständen ganz ungestüm über die Leinwände ausbreitet, etwas außerordentlich Wichtiges,"(Zitat: S. 34).

Diesen Gedanken Neo Rauchs finde ich sehr wichtig, denn er erklärt, weshalb seine Farbgestaltung mir lange sehr fremd blieb. Es sind die Farben des Ostens, die ich unmittelbar nach der Grenzöffnung als überaus beklemmend empfand und die mich 1990 dazu bewogen nach einem Tag Dresden-Aufenthalt die Stadt wieder zu verlassen und sie erst 12 Jahre später erneut aufzusuchen, nachdem die Farbenwelt sich verändert hatte, indem sie heller wurde. Die östliche Farbwelt machte mich depressiv.

Der hochgebildete Neo Rauch, zu dessen Lieblingsbüchern Jüngers "Marmorklippen" zählt, hofft, dass die meisten seiner dunklen, dramatischen, eigentlich schwermütigen Bilder trotz allem vom Glück des Schaffens des Malers sprechen. Als Glück begreift Rauch es, die Lage der Dinge zu verwalten, zumindest für sich, "auf diesen paar Quadratzentimetern oder- metern, die ich vor mir aufgespannt habe, und das ist ein Moment, der wirklich glücksverheißend ist. Und wenn das dann gelungen ist, überträgt sich das natürlich auch auf all jene Betrachter, die auf der Wellenlänge empfangsbereit sind", (Zitat: S.37).

Neben den Bildern, die ich auf mich wirken lasse, ohne sie interpretieren zu wollen, sondern mich ausschließlich auf die Sinneseindrücke des Künstlers einlasse und mich mit ihm aufatmend zu freuen beginne, dass seine auf der Leinwand archivierten Farben dem Gestern angehören, hat man Gelegenheit sich mit folgenden Texten zu befassen:

Durs Grünbein: Der Zonenrandbuch

Andreas Platthaus: Nachrichten aus dem Großneonischen Reich- Comicspurensuche im Werk von Neo Rauch

Eduard Beaucamp: Der Traum der Kunst weitergeträumt

ose-Maria Gropp: Die Entstellung der Welt

Neo Rauch mit Sigmund Freud

Philippe Dagan: Neo Rauch aus französischer Sicht- ein Modellfall?

Peter -Klaus Schuster: "Wir stehen am Rande aller Religionen.."Von Rauch zu Runge

Die einzelnen Aufsätze in Kurzform hier wiederzugeben, führt zu weit. Am interessantesten und flüssigsten zu lesen, fand ich den Essay des Franzosen Philippe Dagan, der allerdings in den Bildern Rauchs Stimmungen unserer Zeit erfühlt, die ich nicht sehe. Was ich sehe, ist ein Blick in ein bedrohliches Gestern, weit entfernt von mediterraner Heiterkeit. Dieses Gestern archiviert Rauch aufgrund seines großen Könnens. Schon jetzt bin ich neugierig auf zukünftige Farb- und Formwelten Rauchs, die wir gewiss bald kennenlernen dürfen, wenn er seinen Archivierungsprozess abgeschlossen hat. Ich sehe mediterrane Farbexplosionen in einer Intensität vor mir, wie sie noch kein Maler des Südens auf die Leinwand gebannt hat.

Auf den letzten Seiten des Buches hat man Gelegenheit biographische Daten nachzulesen, auch sind alle Einzelausstellungen und Monographien aufgelistet

Empfehlenswert.

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Rezension: Riviera Cocktail, Paperback (Taschenbuch)

2011-06-23T21:02:00.001+02:00

In die Cote d `Azur habe ich mich als 18 jährige unsterblich verliebt und habe sie seither immer wieder aufgesucht, weil sie zu den schönsten Regionen Europas zählt und durch ihr legendäres Licht viele Maler in ihren Bann zog, deren Bilder man dort in zahlreichen Museen besichtigen kann. Allerdings haben nicht nur Maler, sondern auch Filmstars, Starlets, Bildhauer, Glücksspieler, Ex-Könige, Jazzmusiker, der Hochadel, Reeder, Regisseure, Chansonniers, Politiker Autorennfahrer, Pin-Up-Girls, Dirigenten, Schriftsteller, Primadonnen, Playboys, Choreografen und Filmproduzenten diese Gegend für sich entdeckt und wie Heinz Bütler, der Autor des Essays "Rivera Cocktail" meint, sind sie alle die Protagonisten der Aufführung eines gesellschaftlichen und kulturellen Spektakels von blendender Grandezza geworden, (vgl.: S.10).

Das Buch zeigt eine Fülle von Fotografien, die der berühmte Fotograf Edward Quinn (1920-1997) an der französischen Riviera realisiert hat. Er lebte seit den 1950er Jahren an der Cote D`Azur und war u.a. mit Picasso und Baselitz befreundet.

Quinn hatte an der Cote D`Azur Zugang zu den Reichen und den Schönen wie die Bilder im Buch dokumentieren, das eine Fülle von Schwarz-Weiß-Fotos namhafter Personen aus den 1950er und 1960er Jahren enthält. Man erfährt, wie er gemeinsam mit seiner Schweizer Freundin Gret die Küste und das Hinterland der französischen Riviera für sich entdeckte, dort zu fotografieren begann und zwar eben diese Reichen und Schönen und die Bilder an Illustrierte, Magazine, Agenturen und Sonntagszeitungen in ganz Europa verschickte. Für seine Aufnahmen begannen sich immer mehr Agenturen zu interessieren und schließlich belieferte er auch renommierte Illustrierte wie PARIS MATCH und LIFE mit seinen Fotos von Highlife auf Yachten, in Hotelsuiten und Strandpromenaden, (vgl.: S. 12).

Bütler berichtet über Quinns "produktive Augenblicksbeziehungen, die uns als Betrachter immer wieder das Gefühl geben, hinter der Star- und Hollywoodfassade auch Privatpersonen zu erahnen", (Zitat. S.13).

Wie man erfährt, war Gret Quinn in der Zusammenarbeit mit ihrem Mann von Anfang an für Verarbeitung, Administration und für das Archiv zuständig. In welcher Weise sie die Bilder aus jenen Tagen ordnete, macht Bütler in seinem Essay auch zum Thema.

Essay und die Kurzbiografien von Edward und Gret Quinn als auch von Heinz Bütler kann man am Ende des Buches in englischer, französischer, spanischer, italienischer und deutscher Sprache nachlesen.

Sehr hübsch sind die Bilder der jungen Bardot aus den 1950er Jahren und bemerkenswert die Aufnahmen vom Grand Prix von Monaco. Von den vielen Filmstars, die Quinn in jenen Tagen abgelichtet hat, ist Grace Kelly nach meinem Eindruck die mit Abstand schönste Frau, wenn auch nicht die ausdrucksstärkste. Das war eindeutig Ingrid Bergmann.

Ein gelungene Aufnahme hat Quinn von Aristoteles Onassis realisiert. Er steht neben einem große Globus. Sein Blick ist in die Ferne gerichtet. Mir war bislang nicht bewusst wie attraktiv dieser Mann war, dessen Augen eine wirklich hohe Intelligenz und Abgeklärtheit ausstrahlten.

Zu meinen Lieblingsbildern im Buch zählen eine Aufnahme von David Niven und Grace Kelly, zwei wirklich elegante Erscheinungen, diverse Aufnahmen von Picasso, eine Aufnahme der entzückenden, noch sehr jungen Francoise Sagan und der äußerst charmanten Audrey Hepburn. Ein Foto, das Hitchcock mit Grace Kelly und Cary Grant zeigt, besticht durch seine Spontanität. Die beiden zuletzt genannten Schauspieler waren optisch ein Traumpaar. Beide waren geradezu überirdisch schön und zwar gerade dann, wenn sie, wie auf diesem Bild, sich offenbar unbeobachtet fühlten.

Für Voyeure, ein Fest für die Augen. Empfehlenswert.

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Rezension: Otto Dix (Gebundene Ausgabe)

2011-06-23T12:32:00.004+02:00

Dieser Kunstband in englischer Sprache (ein Katalog zu einer Kunstausstellung, die 11.3.- 30.8.2010 in der "Neuen Galerie" in New York und vom 24. 9.2010- bis zum 2.1. 2011 im "Montreal Museum of Fine Arts" einer breiten Öffentlichkeit zur Ansicht gebracht wurde) zeigt eine Fülle von Werken des deutschen Malers und Grafikers Otto Dix (1891-1969). Neben einigen Essays, die sich mit Themen von Dix näher auseinandersetzen, wie etwa "Dix zwischen den Weltkriegen" oder "Dix und der Lustmord", hat man Gelegenheit sich in die Biographie des Malers zu vertiefen und auch textliche Ausführungen zu zahlreichen seiner Bilder zu lesen. Dies natürlich bringt dem Betrachter die Werke des Künstlers noch näher.

Dix befasste sich seit Beginn der zwanziger Jahre mit der neuen Sachlichkeit, steigerte sich dann zum extremen Verismus, um sich schließlich nach einer Phase der Landschaftsmalerei in seinem Spätwerk erneut dem Expressionismus zu nähern, mit dem er sich ganz zu Anfang seines Schaffens befasst hatte.

Im ersten Weltkrieg wurde Dix übrigens mehrfach verwundet. Aus diesen Erlebnissen heraus entstand das fünfzigblätterige Radierwerk "Krieg", das man im Buch nach einer kurzen Erläuterung auf den Seiten 65-89 studieren kann. Die Radierungen erinnern mich an Remarques Roman "Im Westen nichts Neues", wobei das Kriegsgräuel in den Radierungen noch viel plastischer zum Ausdruck kommt.

Wie man der Biographie entnehmen kann, setzte Dix nach dem Krieg seine Ausbildung in Dresden fort und wurde Meisterschüler von Max Feldbauer und Otto Gussmann. Ich möchte an dieser Stelle nicht die Biographie in ihrer Vollständigkeit wiedergeben, die man von S. 234- s.246 nachlesen kann, aber darauf hinweisen, dass der physische Schock der Kriegskatastrophe, die anschließende Krise und die Verzweiflungsstimmung für ihn zur Stimulanz für seine anklagende Botschaft als Künstler wurden. Das kann man seinem Lebensverlauf deutlich entnehmen.

Dix realisierte seine erschütternden Themen mit technischer Perfektion. Sein schonungsloser Realismus, gepaart mit einer tiefgreifenden Charakterzeichnung, kennzeichnen seine Porträts der zwanziger und frühen dreißiger Jahre, wie etwa, das Porträt des Poeten Alfred Günther (Seite72), das Porträt desn Heinrich Stadelmann (Seite 124), das Porträt des Josef May (S. 219), das Porträt der Tänzerin Anita Berber (S.211), das Porträt der Schriftstellerin Sylvia von Harden (S.7) u.a.m.

Otto Dix lehrte zwischen 1927-33 als Professor an der Akademie in Dresden und wurde 1933 durch die Nazis von seinem Dienst enthoben, (vgl.: S. 239).

Bemerkenswert sind seine Frauenbilder, von denen man eine große Anzahl in diesem Katalog studieren kann. Das Zeigen schöner Frauen auf seinen Aktbildern war augenscheinlich nicht sein Thema. Dix sieht sich als Auge der Welt und in dieser gibt es leider viel Hässlichkeit.

Sein Triptychon "Großstadt" kann man auf Seite 180 in Kleinformat bewundern, der Mittelteil des 1928 entstandenen Werkes ist auf Seite 178 einseitig abgebildet. James A. van Dyke berichtet in einem aufschlussreichen Essay ausführlich über dieses beeindruckende Kunstobjekt.

Das Triptychon "Die sieben Todsünden" ist auf Seite 26 leider nur sehr klein abgebildet, da dieses Gemälde in den Ausstellungen nicht gezeigt wurde. Für mich ist gerade dieses Bild immer wieder beeindruckend. Deshalb auch möchte ich es erwähnen. Es zeigt Hitler als dämonischen Kobold. Ich habe selten eine solch präzise Darstellung dieses Psychopathen gesehen. Dix demonstriert hier welch subtiler weitsichtiger Psychologe er war. Dass die Nazis ihn noch heute hassen, zeigt wie deutlich er diesen Kriegstreibern den Spiegel vorgehalten hat.

Empfehlenswert.

Bilder: Mit freundlicher Empfehlung vom Prestel-Verlag.

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Rezension: Xenia Hausner. You and I (Gebundene Ausgabe)

2011-05-27T14:09:00.005+02:00

Dieses Kunstbuch befasst sich mit Werken der 1951 geborenen Malerin und Bühnenbildnerin Xenia Hausner. Neben abgelichteten Werken von sehr guter Qualität enthält das Buch Essays von Carl Aigner, Bazon Brock, Rainer Metzger und Katharina Sykora.

Die Essays sind in englischer und deutscher Sprache abgedruckt. Im Dramolett "Kuhaugen und Schubladen" mit Bazon Brock und Xenia Hausner erfährt von der Künstlerin, dass ihre Figuren das Talent besitzen, sich seelisch aufzureiben und die größte Energie in ihren Werken von den Augen absorbiert wird. Sie erklärt, dass das Hineinkriechen in die Augen des anderen richtig anstrenge und die Augen mithin alle enerviere, (vgl.: S.16). Die Künstlerin bekundet weiter, dass sie stets von einer Bildidee ausgehe: die Anlage, die Farben, die ganze Geschichte, der Mensch sei ein Teil davon, (vgl.: S.17). Für Hausner sind Bilder eigenständige, beseelte Lebewesen, die eine eigene Identität besitzen, (vgl.: S. 20).

Katharina Sykora schreibt in ihrem Essay, dass sich in Hausners Werken Figuren in komplexen, abenteuerlichen und ebenbürtigen Konfigurationen begegnen. Die Künstlerin lockere die Beziehungen der Figuren, zerstöre aber deren Miteinander nicht, sondern halte es in Bewegung. Was unvereinbar erscheine, werde vergleichbar und umgekehrt. Der Humanismus der Bilder bestehe im Potenzial des Rollentauschs, der die Dinge gleichwertig und zugleich beweglich mache, (vgl.:S.68). Dem kann ich zustimmen, nachdem ich mir die Bilder genauer angesehen habe. Zustimmen kann ich des Weiteren folgender Interpretation, dass sich im Hin und Her zwischen Figur und Grund, Gestalt und Ding, Farben und Formen auch während des Betrachtens ein Kaleidoskop vielfältiger Bedeutungen entwickele, die sich ergänzen, überlagern, widersprechen, (vgl.: S.69). Gerade diese Gegebenheit macht die Bilder so interessant und lässt die Blicke des Betrachter sehr lange auf dem Bildgegenstand verweilen.

Aigner zitiert Hausner, die sich dezidiert zu ihren künstlerischen Verfahrensweisen zur Gewinnung von Bildern äußert. Sie sagt: "Zum Unterschied von digitalbearbeiteter Fotokunst verwende ich aber die handwerklichen Mittel des Malers: "Pinsel, Farbe, Schere, Karton und führe so auf analogem Wege die Verbindung von Farbe, Form und Foto herbei."(Zitat. S.108) Die von Hausner angefertigten Fotografien konkretisierten das Porträt als Reales und historisierten zeitgleich die Porträtierten, so die Interpretation Aigners. Dem kann ich nichts entgegenhalten, da ich zum gleichen Ergebnis gelange.

Rainer Metzger schließlich versucht in seinem Essay eine Theorie zu Xenia Hausners Kunst zu entwickeln und stellt zunächst die These auf, dass Hausners Figuren, denen die Künstlerin Bildwürdigkeit schenke, allesamt etwas Flüchtiges hätten. Diese erklärt er in der Folge genauer und führt weiter aus, dass die Figuren zudem etwas Vorübergehendes, der Situation Anheimgebendes, etwas Transitorisches und Momentanes ausdrückten, es aber sekundär sei, ob sie dies tatsächlich auszeichne, was sie dem Betrachter erscheinen. Den Versuch der Theorie in seiner Gesamtheit hier darzustellen, sprengt den Rahmen der Rezension. Bitte lesen Sie Näheres hierzu im Buch ab Seite 134- 143, um die Bilder besser intellektuell begreifen zu können.

Mich beeindrucken die Werke der kräftigen Farben wegen und aufgrund der Tatsache, dass man mit den dargestellten Personen auf den Bildern unweigerlich Blickkontakt aufnimmt. Faszinierend. Nach meinem Eindruck bestimmen die Augen jeweils das Bild und beeinflussen der Betrachter dahingehend, sich mehr mit der Seele der dargestellten Menschen als mit den Dingen, die diese Menschen umgeben, zu befassen. Eine Botschaft, die meine Zustimmung findet. Die Figuren leben wirklich. Hausner verspricht nicht zuviel. Sie hat ihnen Leben eingehaucht. Sie ist eine Magierin, mit subtil ausgepägten schöpferischen Fähigkeiten.

Empfehlenswert.

Bilder. Mit freundlicher Empfehlung von Prestel-Verlag

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Rezension:Bauhaus-Frauen - Meisterinnen in Kunst, Handwerk und Design (Gebundene Ausgabe)

2011-05-16T21:36:00.001+02:00

Das Staatliche Bauhaus wurde 1919 von Walter Gropius ins Leben gerufen. Sein Ziel war es, Kunst und Handwerk sinnvoll zu verbinden. Ulrike Schüler stellt in ihrem Buch unter Mitarbeit von Ingrid Radewaldt und Sandra Kemker die damaligen Meisterinnen in Kunst, Handwerk und Design vor. Anhand zahlreicher Fotos hat man Gelegenheit, auch einen visuellen Eindruck von den Damen und ihrem kunsthandwerklichen Schaffen zu erhalten.

Im Staatlichen Bauhaus gab es 1919 im ersten Semester mehr weibliche als männliche Studenten und im Rückblick kann konstatiert werden, dass das Bauhaus einen wesentlichen Teil seines innovatorischen Potenzials Frauen zu verdanken hat. Im Buch lernt man Pädagoginnen, Gestalterinnen und Künstlerinnen kennen, die am Bauhaus studierten, lehrten oder als Ehefrau der Baumeister ein eigenständiges Profil entwickelten, aber auch die Ideen und Werke des Bauhaus der Welt zugänglich machten.

Wie man bereits der Einleitung entnehmen kann, hatte sich die künstlerische Avantgarde aus der Opposition gegen das frostige, zugeknöpfte, autoritäre Klima im deutschen Kaiserreich zu Beginn des 20. Jahrhundert entwickelt. Angestrebt wurde die Reform des gesamten Lebens, konkret Echtheit, Einfachheit, Natürlichkeit und Ganzheit. Gerüttelt wurde an der Prüderie, den Konventionen, der bürokratischen Ordnung und den Klassenschranken des Kaiserreichs und die Frauen, die ein Teil dieser jungen Wilden waren, entdeckten die Sinnlichkeit ihres Körpers sowie die Lust an Selbstinszenierung, aber auch an Selbstdarstellung, (vgl.: S.7).

Man liest, dass noch im 19. Jahrhundert die Frauen in Deutschland bis auf wenige Ausnahmen keinen Zugang zu Kunstakademien hatten und die Großherzogliche-Sächsische Kunsthochschule in Weimar zu den wenigen Akademien zählte, an denen bereits vor der Gründung der Weimarer Republik weibliche Studierende aufgenommen wurden. Die Mehrzahl der Bauhausfrauen, auch Ausnahmekünstlerinnen wie Gunta Stölzl, stellten allerdings das traditionelle Frauenbild nicht in Frage, gleichwohl widersprachen sie ihm durch ihr konkretes Handeln, (vgl: S.10).

Das Buch befasst sich zunächst mit den Lehrerinnen und studierenden der ersten Stunde und hier speziell mit Gertrud Grunow, Helene Börner, die einzige Bauhausmeisterin, wie auch Ida Kerkovius und lernt Arbeiten der Damen kennen. Thematisiert werden in der Folge die Künstlerinnen der Weberei und hier allen voran Gunta Stölzl, die Keramikerinnen, Mehrfachbegabte in Malerei, Grafik, Bildhauerei und Bühnenarbeit, Innenarchitektinnen, Möbel-, Spielzeug- und Metallgestalterinnen sowie Meisterinnen der Fotographie und der Tagebuchnotiz.

Mich beeindruckt besonders das Leben und Schaffen von Gunta Stölzl (1897-1983), die eine der erfolgreichsten Bauhausfrauen war. In ihrer Bewerbungsmappe, die sie 1919, Walter Gropius, dem Leiter des Bauhaus vorlegte, befanden sich auch Zeichnungen, in erster Linie aus der Zeit als Rotkreuzschwester im 1. Weltkrieg. Diese Zeichnungen dokumentierten u.a. Trauer und Betroffenheit über die Zerstörungen und Grausamkeiten des Krieges, (vgl.: S.43)

Mit Marcel Breuer, einem der ideenreichsten Studenten aus der Tischlerei, erarbeitete sie Bespannungen für Sitzmöbel, zunächst in freier abstrakter Weberei, später mit strengen Gurten in wenigen Farben. Diese Arbeiten sollen der Anfang einer fruchtbaren Zusammenarbeit zwischen Weberei und Tischlerei gewesen sein, in deren Folge Bespannstoffe für moderne Latten-und Stahlrohrstühle entwickelt wurden, (vgl.: S.46). Über die Weiterentwicklung dieser Bauhausfrau erfährt man im Buch viel Wissenwertes, aber nicht nur über sie, sondern- wie schon angedeutet- über viele andere Damen, deren künstlerische Ausdruckskraft wirklich beeindruckt.

Die Porträts sind gut getroffen und spannend zu lesen. Mein Augenmerk gilt immer wieder den Exponaten von Marianne Brandt, deren Tee-Extraktkännchen, aber auch ihr Sahnegießer das gewisse, leicht exzentrische Etwas haben, das ich sehr reizvoll finde, (siehe Seite 122).

Dieses Buch empfehle ich gerne der vielen Sachinformationen wegen, aber auch aufgrund der aufschlussreichen Fotos.

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Rezension: Bildlexikon der Kunst 3. Symbole und Allegorien: BD 3 (Taschenbuch)

2011-05-09T09:02:00.003+02:00

Matilde Battistini möchte mit dem " Bildlexikon der Kunst Band 3 >> Symbole und Allegorien<< aus dem Parthas Verlag den Besuchern von Kunstausstellungen und Museen ein Werkzeug an die Hand geben, welches es einfacher macht, sich in der Welt der Darstellungen zurechtzufinden und die verborgene Bedeutung einiger berühmter Bilder zu dechiffrieren.

Gegliedert ist das Buch in die Themenbereiche Symbole und Allegorien. Dem Oberbegriff Symbole sind die die Begriffe - Zeit, Mensch, Raum - und diesen eine Vielzahl mit ihnen korespondierender Begriffe untergeordnet.

Dem Begriff "Zeit" ist u.a. beispielsweise der Begriff "Winter" untergeordnet. In der Malerei erscheint der Winter in Gestalt eines ergrauten Mannes neben kahlen Bäumen oder als Greis im warmen Mantel. Man erfährt, womit der Winter in der bildlichen Darstellung außerdem verbunden ist, wie er in der Renaissance und im Barockzeitalter malerisch visualisiert wurde und wird über die Herkunft des Wortes aufgeklärt. Man liest über verschiedene Charakteristika, über verwandete Gottheiten und Symbole, auch erfährt man Näheres zur kultischen Verehrung des Winters. Am Beispiel des Gemäldes "Heimkehr der Jäger" von Pieter Brügel d. Ä. wird sehr gut erklärt, wie der Maler den Winter dargestellt hat.

Nach dem gleichen Verfahren wird bei allen anderen Unterbegriffen vorgegangen. Der Zeit sind beispielsweise auch Begriffe wie Frühling, Morgenröte, Abenddämmerung, Leben, Tod und Weltalter untergeordnet. Dem Oberbegriff Mensch sind Begriffe wie Androgyn, Eva, aber auch Engel und Satan, dem Oberbegriff Raum Begriffe wie Quelle, Hölle, Turm, Garten und Chaos unterstellt.

Die Deutungsmuster der abgelichten Gemälde finde ich überaus sehr spannend. So werden bei dem Gemälde "Die Sprichwörter" von Pieter Bruegel d.Ä. viele Symbole des Chaos sehr gut erklärt. Chaos wird auf Bildern als die Unordnung der natürlichen und psychischen Kräfte, durch die allegorischen Personifizierungen der Hauptlaster oder antike Heidenbilder dargestellt.

Dem Oberbegriff "Allegorien" sind die Begriffe: Laster, Tugenden, Fortuna, Fünf Sinne, Temperamente, Liebe Künste, Wissenschaften und Vanitas unterstellt. Alle Begriffe werden gut erklärt. Es wird auch stets verdeutlicht, wie diese Begriffe im Bild symbolisch umgesetzt werden und es wird anhand von Gemäldebeispielen konkret auf die Symbolik hingewiesen.

Beispiel: der Begriff Laster, erklärt an Sandro Botticellis "Die Verleumdung" Bild mit Rahmen: Sandro Botticelli, Die Verleumdung des Apelles, 68 x 46 - Holz Corum S: Gold

Hinten links: sieht man die nackte Wahrheit, die mit der rechten Hand auf das Tageslicht zeigt, welches Schatten der Verleumdung zerstreut. Das schlechte Gewissen wird durch die verschleierte Alte verkörpert. Im mittleren Teil sieht man die Damen Verrat und Täuschung, die die Verleumdung geleiten. Der Jüngling unten, den man am Haarschopf zieht, ist die personifizierte Unschuld. Oben sitzt König Midas mit den Eselsohren. Er streckt die Hand nach der mit Fackel nahenden Verleumdung aus. Zweifel werden dem König eingeflößt durch die Unwissenheit und durch den Argwohn (dargestellt durch die beiden Damen, die ihm etwas in die Ohren raunen). Zudem erfährt man auf dem Bild, dass das Gemälde auf eine Schrift von Lukian zurückgeht und die Antwort des griechischen Malers Apelles auf die Verleumdungen seines Gegenspielers Antiphilos war.

Dieses Buch ist wirklich eine ausgezeichnete Hilfe bei der Entschlüsselung von Gemälden.

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Rezension: Geo Epoche-Edition- Die Geschichte der Kunst, Nr. 3

2011-05-05T18:18:00.002+02:00

Geo Epoche Edition Nr.3 ist für mich ein besonderer Leckerbissen, weil ich eine Vorliebe für die hier näher beschriebene Epoche der Renaissance habe. Das Magazin enthält 10 textlich überaus eloquente Beiträge unterschiedlicher Autoren und eine Fülle von Gemäldeablichtungen bedeutender Künstler aus jenen Tagen.

Auf den ersten Seiten werden in sehr guter Druckqualität einige berühmte Kunstwerke der Renaissance gezeigt, so etwa die "Geburt der Venus", um 1485 von Botticelli, der mit dieser Venus ein Abbild einer nackten Frau zu schaffen wagte, die weder Eva noch eine Heilige verkörperte. Auch Frau Angelicos "Szenen aus dem Leben und der Passion Jesu", um 1450 werden gezeigt, wie auch ferner Gentile Bellinis "Predigt des Hl. Markus in Alexandria", 1507. Im Gegensatz zu mittelalterlichen Malern stellt der Renaissancemaler Bellini Menschen in ihrer korrekten Proportion dar. Sehr schön auch ist die Abbildung vom "Frühling", 1477. Hier erfährt man, dass dem Künstler die Konturen wichtiger waren als die Perspektive. Raffaels "Schule von Athen", um 1510 kann man studieren und erfährt, dass Raffael auf der Freske Platon optisch das Antlitz von Leonardo da Vinci verlieh und Michelangelo als Heraklit dargestellt worden ist.

"Schule von Athen"( Raffael)

Die Renaissance war eine Revolution, die in Florenz ihren Anfang nahm. Man erfährt, dass in dieser Stadt um das Jahr 1400 Architekten, Bildhauer und Maler eine tiefgreifende kulturelle Neubesinnung anstrebten. Angeregt waren die Künstler von den Meisterwerken der Antike. Man beabsichtigte eine lebensnahe Kunst zu produzieren, die den Menschen in den Mittelpunkt positionierte und die Natur nachbildete. Zudem entwickelte der Baumeister Brunelleschi mit der Zentralperspektive eine neue Methode der Malerei, (vgl.: S.27). In einem aufschlussreichen Beitrag der Kunsthistorikerin Dr. Kia Vahland erfährt man mehr über die Ursprünge dieser Epoche, bevor man sich in das Gemälde "Der Stolz des Kaufmanns" von Jan van Eyck vertiefen kann und mehr über dieses Bild und seine Geschichte liest. Wie man erfährt, soll sich der Ruhm des Malers in ganz Europa verbreitet haben und auch nach Italien vorgedrungen sein. Der individuelle Ausdruck seiner Gestalten, die Technik und das Detailreichtum seiner Ölgemälde beeinflussten italienische Künstler wie etwa Carpaccio und Bellini, (vgl.: S 41)

"Frühling"(Sandro Botticelli)

Anhand von weiteren Abbildungen von Kunstwerken der Renaissance hat man Gelegenheit die Rückbesinnung auf die Antike nachzuvollziehen. Dargestellt werden jetzt nackte Menschen, so etwa auf dem Gemälde "Schlummernde Venus" von Giorgione. Bei diesem Gemälde fügt sich die Proportion der Liebesgöttin in die hügelige Landschaft Oberitaliens ein, (vgl.: S.45).

Gefreut habe ich mich, dass auch Botticellis "Weibliches Idealbildnis" abgelichtet ist, das ich schon oft im Original im Städl in Frankfurt bewundert habe und mich in das Bildnis einer Idealstadt vertiefen konnte, welches von einem unbekannten Renaissancekünstler stammt. Dieses Idealbild entspricht meiner Traumvorstellung von einer Stadt.

"Die Melancholie"(Dürer)

Der Beitrag von Markus Wolf über Albrecht Dürer ist exzellent geschrieben und enthält alle wesentlichen Fakten im Hinblick auf diesen Künstler. Diese werden dazu noch dem Leser spannend vorgetragen. Vor geraumer Zeit habe ich ein quellenreiches Kunstbuch zu Dürer gelesen und rezensiert und meine den Beitrag von daher beurteilen zu können. Neben Dürers Können, seinen Reisen und Erfolgen wird u.a. auch die intellektuelle Freundschaft zu dem hochgebildeten Altphilologen Willibald Prickheimer erwähnt, der damals die bestausgestattete Privatbibliothek in Deutschland besaß. Verschiedene Werke von ihm sind abgelichtet, darunter auch seine "Melancholie", über die ich vor einiger Zeit eine Rezension verfasste.

Der von mir hochgeschätzte Maler Hieronymus Bosch fehlt auch nicht. Sein Triptychon "Der Garten der Lüste" erstreckt sich im Magazin über zwei Seiten, was ich lobend erwähnen möchte. Die Abbildung ist so gut, dass man Details genau beobachten kann. Im Text selbst werden das Bild und seine Geschichte sehr differenziert erläutert.

"David"(Michelangelo)

Über das Menschenbild in Renaissance wird man aufgeklärt und kann sich in das Maß der Anmut vertiefen. Hier wird dem Leser das "Proportionsschema" Leonardos nahegebracht und auch gezeigt wie Dürer in "Vier Bücher-Von menschlicher Proportion" verdeutlichte, wie ein menschlicher Körper geformt sein muss. Man lernt Porträts unterschiedlicher Künstler aus jenen Tagen kennen und auch Landschaften, hat Gelegenheit in Leonardos transparenten Körper zu blicken und sich schließlich ausgiebig mit Michelangelo Buonarroti und seinem Werk auseinanderzusetzen. In einem aufklappbaren mehrseitigen Faltblatt werden seine Deckenfresken in der Sixtinischen Kapelle gezeigt. Meine Lieblingsfigur dort ist die Seherin Sybille. Die Werke des Künstlers sind so überirdisch schön, dass man dies sprachlich kaum auszudrücken vermag. Dr. Kia Vahland ist es gelungen, Michelangelo und sein Schaffen ganz hervorragend zu porträtieren.

Die Machtentfaltung der Renaissanceherrscher lernt man auf verschiedenen Abbildungen kennen, beispielweise auf dem Werk "Der Zug der heiligen drei Könige", auf dem der Machtanspruch der Medicis unsterblich gemacht wurde. Auf den letzten Seiten liest man über den sogenannten Manierismus und das Ende der Ära. Dann kann man sich wie immer anhand einer Zeittafel einen schnellen Überblick über Daten und Fakten der fokussierten Epoche verschaffen.

Kunstinteressierten kann ich dieses Magazin nur wärmstens an Herz legen. Die Bilderfülle ist enorm, die Texte sind auf hohem Niveau und dabei verständlich geschrieben. Empfehlenswert.

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